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Aula visual Gravação e Mixagem: Delayed guitar

2012-01-18T16:07:00.000-08:00

Plataforma: Qualquer DAW
Dificuldade: fácil

Vamos continuar na história de fazer "magia" com o delay. Os engenheiros americanos quando querem conseguir um "wide stereo" sempre apelam para o delay nas guitarras (é só escutar algumas músicas do Van Halen, Link Park, Ozzy Osbourne, Hammerfall, etc..) principalmente nas guitarras pesadas. A postagem de hoje é justamente sobre isso.

1)Qual plugin de delay usar?
O qual você está acustumado. Particularmente eu prefiro usar em mono pois o delay estéreo tem a mania da "invadir" o outro lado (por exemplo se está na direita invade a esquerda e vice versa) e o obejtivo aqui é como na postagem anterior: deixar um som seco e outro com delay. Ao fazer isso, você vai perceber de cara que o som da guitarra ganhou mais peso.

2)Um single e um hambucker
Para um resultado mais "expressante" é legal gravar com duas guitarras: uma usando hambucker na ponte e a outra usando single na ponte. O resultado é supreendente! Garantia de peso certo! Porém o video que você vai seguir o produtor fala em "duplicar as pistas" mas particularmente sou mais a favor de dobras.

3) Video
Esse video feito por Daniel Waves (da Waves Arts) mostra como fazer esse efeito usando um delay curto da Waves chamado Doubler (presente no pacote Waves 5.1) . O video está em inglês, por isso é interessante notar os parametros e tentar fazer igual.

Note que ele não coloca "feedback" e ainda usa o plugin em mono.

A música do Van Halen - Panama se nota bem esse efeito. Repare que a guitarra ganha o dobro do tamanho!

Essa técnica pode ser muito útil para quem grava uma guitarra só!

Ótimas gravações!

Mixagem: truque de delay e chorus na voz

2012-01-12T16:07:00.000-08:00

DAW: Sonar ou qualquer outra
Dificuldade: Fácil

Salve gente! Como todo mundo sabe o reverb é o efeito mais usado para voz mas porém ele não serve para todos os estilos principalmente aqueles que envolvem muitos instrumentos e rápidos (como música eletrônica e rock). Porém nessa postagem vou mostar como um delay bem aplicado pode fazer milagres numa voz desde que a mesma esteja gravada descente. Pra começar você deve ter a mão os seguintes plugins: delay e chorus.
A DAW que vou usar é o "Sonar" por ser a mais popular.

1)Montado tracks e busses
Primeiramente você já deve ter a voz decente gravada. Eu gosto de fazer um "overdub" em cima dela (ou seja gravar várias em cima de uma voz) mas clonar a pista
ou duplicar também da certo (desde que não aja conflito de fase) e um detalhe: tem que ser mono, pois a maioria dos delays e chorus são estéreos e o problema é que ambos tem mania de invadir o “campo estéreo” um do outro.

(clique na imagem para ampliar)

2) Voz left: chorus
Esse plugin é gratuito e muito bom: Classic Chorus. Para essa voz basta usar o preset "overdub" para ter a sensação que a voz foi duplicada. Pode ser usar outro chorus e ajustar o seguintes parametros:

(clique na imagem para ampliar)

3)Delay
Para o truque dar certo você deve calcular o tempo do mesmo (aqui no blog na seção downloads você pode baixar um delay calcutor) pois
não importa figura que queira usar ela tem que estar no tempo da música! E não adianta tentar advinhar: aqui o que você precisa fazer é tentar acerta o delay da música começando sempre com valores absurdamentes altos até a se ajustar na música.

(clique na imagem para ampliar)

O truque aqui é fazer com o delay do canal esquerdo seja o “rastro” do chorus do lado direito.
Um exemplo que dou é a música "Policy of Truth" do Depeche Mode. Ouça a abaixo:

Veja como reverb no canal esquerdo sempre forma o rastro do delay do lado direito (note os feedbacks na voz). A pista do chorus está fazendo essa função no lugar do reverb. Porém a melhor maneira de você descobrir e sentir isso é aplicar esse truque sem medo! Experimente também fazer na guitarra, dá excelentes resultados! Pegue também outros efeitos e substitue no lugar do chorus, a possibilidades são muitas!Não esqueça de calcular o delay (na sessão de downloads tem 2 calculadores de delay)

Ótimas Gravações!

Aula visual: mixando com um side chain

2012-01-03T05:16:00.000-08:00

DAW: FruitY Loops
Dificuldade: Médio

Feliz 2012! Voltamos a ativa!
Pra começar, as postagens agora são
feitas diretamente do meu "pequeno estúdio" ou seja, os exemplos que coloco aqui são feitos na hora e mostra as daw que uso e futuramente vídeos aulas e até aulas on line.
Enquanto isso não acontece vamos a postagem de hoje: mixagem com sidechain.
Sidechain não nenhuma novidade, nasceu junto com o synthpop e a partir dos anos 80 muitos racks de compressão vieram com essa função cujo só tem um obejtivo: fazer com um som escravo rodat igual ao som mestre.Somente em compressores você encontra esse efeito (talvez em algum expander também).Geralmente como o sidechain é praticamente "encenssial" nas músicas do estilo techno, rap, jungle,hip hop, entre outras eletrônicas e o som mestre mais comum é o do bumbo (kick) numa figura de seminima (1 tempo) escravizando geralmente xipo (hit hat), cama (pads) ou baixos (bass). Porém isso só pode ser mais sentido e ouvido do que lido, para isso separei 3 músicas com comentários:

Movie your body - Eiffiel 65
A primeira vez que ouvi o que era side chain foi nessa música. Note que o baixo sempre
responde o bumbo toda vez que o mesmo toca.

sweat - Snoop Doog David Guetta (Remix)
Aqui se houve claramente o side chain, principalmente na hora do pad. Esse efeito é muito comum quando um DJ quer dar um outro andamento a música.

I wanna Go – Britney Spears
O interessante aqui é que tem side chain até na voz (na hora do refrão).Isso faz pouco tempo que começou e pode ter muitas idéias de outras formas de usar um side chain.

Como funciona

O video abaixo mostra essa ação na DAW Fruity Loops:

Basicamente no Fruity Loops ele ira seguir essa figura:

você pode perceber que o pad está com valores de semibreve (4 tempos) e o xipo com minima (2 tempos). No final todos esses valores copiarão somente
o valor do bumbo, que é uma semínima (2 tempo).
porém note que o esse bumbo contínuo é usado somente para fazer o efeito do side chain, note
que depois o mesmo é "desligado" da pista e deixa somente a sensação do som do bumbo.
Teoricamente, isso poderia ser feito "manualmente", porém pela falta de "impulso" que ele gera
pode ficar quadrado. o mais interessante disso é que você pode usar essa 'figura fantasma"
do bumbo em outras partes da música. Por que não usar numa guitarra num rock para deixar mais marcada ou num baixo num funky pra deixar bem destacado e isso pode ser feito numa música com plugins side chain como este onde o que você precisa ter é apenas a figura do bumbo, porém voltaremos a falar disso numa outra postagem!

Boas gravações!

Gravação – Som fraco? Dobre!

2011-09-07T10:59:00.000-07:00

Ter um Home Studio muitas vezes é uma agonia sem fim.
Uma hora é porque você não tem os equipamentos necessários, a outra é porque não tem ambiente, a outra é porque falta produção, e a outra porque falta conhecimento e a verdade é que um "estúdio caseiro" sem ser projetado pelo "parâmetros" profissionais (ou seja calcular tudo para nada dar errado ) torna-se uma coisa "decepcionante" e por isso a maioria das gravações que fazemos é mais para "amostra" do que para comercialização (já vi muita gente boa desistir por causa da decepção). Porém ter um equipamento simples não signifique que você não possa fazer produções e idéias profissionalmente (não esqueça que o detalhe entre você e uma grande gravadora é sempre a produção, a execução, conhecimento e o equipamento) porém sair "gravando" sem ter o mínimo de conhecimento musical é um pouco de "loucura" (apesar que isso foi o diferencial das bandas punk dos anos 70). Nos anos 60 e 70 quando os equipamentos ainda estavam na fase de "aprimoração” surgiu uma idéia bem simples para fazer o som "ficar maior", a "dobra". Provavelmente você já leu em algum lugar sobre isso, fazer "dobras do no som" ou seja, "gravar um por cima do outro" a fim de "engordar" o mesmo. Quando a banda inglesa Queen gravou o albúm "Night at opera", Brian may falou na revista "Cover Guitarra" que eles fizeram "tantas dobras" que foram obrigados a colocar no disco "gravado sem o uso de sintetizadores" e o disco é magnífico. Agora você voltando para seu mundo como
pode fazer isso? É o que vou explicar.

1)A diferença entre "dobrar" e "clonar".
Dobrar é gravar o instrumento ou voz escutando como guia mesma coisa já gravada. Clonar (ou copiar) é pegar a pista que foi gravada colar na próxima pista e colocar algum efeito em cima.
Teoricamente hoje em dia você não precisa dobrar e só clonar mas pistas clonadas não funcionam como pistas dobradas e justamente porque uma dobra é diferente da original (devido ao fato de refazer algo manualmente muda o tipo de feeling) e porém é muito comum dobrar a pista usando equipamentos diferentes e efeitos (por exemplo, um reverb na esquerda e um delay na direita com dois equipamentos totalmente diferentes mas partindo de um único instrumento) que dá origem a fomosa ligação em Y o a famosa ligação Y+A+B (um cabo Y que vai para 2 divisores) E assim por diante. Algumas lendas dizem que famosos guitarristas chegaram a dobrar 24 vezes numa mesma gravação só para escolher os melhores timbres.

2)Camadas
A criação de camadas é algo bem interessante pois com ajustes certos ela faz com que seu som pareça mais real. Como sempre comento o som gravado nunca é o som real e por isso há processos para deixarmos próximos ao mesmo o ainda acrescentar um diferencial na música. Porém toda camada vai gerar conflito de fase e isso devido ao fato que todas elas serão gravadas de forma parecida e por isso aqui você deve usar com sabedoria efeitos e truques de pan e equalização. Camadas não significam somente “deixar o som grande".Ele pode ficar também sem espaço!

3)Efeitos que dobram
Muitas vezes já falei sobre delay, chorus e reverb e um dos motivos de eles serem efeitos primários (seja nos processadores, sintetizadores, mixer digitais e até amplificadores) são justamente porque reforçam o som. Usa-los com sabedoria é fazer com que sua gravação sobressaia sobre muitas.

4)O metrônomo.
Para você dobrar uma pista com precisão precisará sem dúvida do metrônomo para manter o tempo certo da dobra. Muita gente pode dizer: não preciso disso me oriento pela bateria, mas o que vai acontecer se sua gravação estiver "poluída demais" e você precisa dobrar a mesma pista somente escutando ela em solo?Sem metronomo fica difícil!Minha dica é você baixar ou comprar o método "Bona de teoria musical" que seguindo o mesmo com um metrônomo, logo você estará craque.

5) O analógico e o digital
Nem tudo que se dobra fica bom. Por exemplo, dobrar uma guitarra pesada é uma boa pois aumenta a presença da distorção no som se precisar de uma “tonelada” de ganho porém dobrar a voz pode ser boa ou não, pois ao invés de um som maior você terá um "chorus" (o certo é se for para dobrar colocar em tons diferentes seguindo a triade) e no mesmo caso a bateria, uma caixa dobrada é uma boa, mas um bumbo ou um xipo não. Porém se existe uma coisa em
que dobrar que faz diferença é resolver o "conflito" A/D sem precisar de conversor. Isso porque logicamente um DXi/VSTi (Instrumentos virtuais), samples e General Midi (vindo direto dos sintetizadores) trabalha com sons dobrados (passam por vários processos até chegar no seu estado final) por isso dobrar baixo, guitarra, violão e o vocal podem reduzir
drasticamente essa diferença entre o "O analógico e o digital". Um fato curioso da década de 80: como houve uma evolução geral nos equipamentos muitos engenheiros de som prefeririam duplicar uma pista do que dobrar e assim carregar no reverb. Porém perto de 1985 eles voltaram a dobrar pois viram que a distância entre o vocal e os instrumentos aumentaram demais. Isso fica bem claro nas músicas synthpop e eletrônicas entre 1981 a 1986.

6)Mãos a obra!
Lembrando que a gravação digital caseira tem apenas 23 anos e muito deles seguindo o que a gravação analógica ditava. Se contarmos a criação dos plugins DX, VST e RTAS e a introdução de estações puramente digitais, esse tempo cai para 15 anos e por isso vale a pena explorar tudo o que deixe sua gravação melhor, até as dobras!

Ótimas gravações!

A Composição (para refrletir)

2011-09-02T09:43:00.000-07:00

Sei que prometi fazer postagens a cada 2 dias, porém ando dando uma descansada dos trabalhos. Hoje convido a você fazer uma reflexão sobre o é fazer uma música nesse belo texto que meu amigo Erler Gomes postou em seu Facebook esses dias. Semana que vem voltaremos (tentaremos) ao normal. Bom fim de semana!

A Composição.

Uma canção quando está nascendo, quando surge sua primeira faísca, traz consigo uma gama enorme de possibilidades. É um conjunto de sensacões, de idéias, que nem mesmo chegam a formar imagens, que ficam num terreno ainda mais abstrato do que o imagético.
Num segundo momento, algumas imagens se condensam, algumas idéias se organizam. Mas ainda resta uma porosidade, vasos comunicantes entre aquilo que começa a se desenhar e aquilo que ainda está em estado puro, sem limites, latente, caótico.

Quando a canção de fato começa a tomar forma poético musical, quando as notas e os fonemas se encontram nas frases formando sentidos, algo muito grande acontece, mas algo muito maior está se perdendo. Portanto fazer uma canção é um ato de sacrifício. Sacrificam-se as infinitas outras possibilidades em nome de algo que vai agir de forma funcional.
A canção vai parar no rádio e segue vaidosa e sedutora, arrastando quem lhe ouve como um Flautista de Hamelin. Mas, ingênua e egocêntrica, a canção finge ignorar que o grande manancial de onde ela veio lá permanece, imanente, indecifrável.
Por isso deixo muitas canções inacabadas. E as toco, de vez em quando, dessa forma, sem havê-las concluído, pois que assim conservam sua imensidão, mesmo que não consiga de fato vislumbrá-la em sua totalidade.

Assim também vejo a vida. As relações entre ego e self. Entre consciente e inconscinente.
Na vida também temos que fazer escolhas. Temos que sacrificar possibilidades em nome de um “caminho a seguir”. Por isso, às vezes, queria ser muitos, queria tomar o espaço tempo e multiplicá-lo e com ele multiplicar-me também

Dizem que guardamos em nós uma porção divina. E, se Deus é onipresente e onisciente, deve ser isso que acontece. Deve ser uma memória que essa particula guarda dentro de nós que gostaria de tudo ser e em tudo estar. A física quântica nos traz novas possibilidades de compreensão e de consciência. Em geral as pessoas acompanham os avanços da ciência como algo externo, material, que nos possibilita mais conforto, mais seguranca e prazer.
Mas algo se processa internamente na humanidade. E aí vou evocar Nietzsche mais uma vez: devemos pensar no além do homem, no super homem e deixarmos de nos comportar como meros primatas.

( Antonio Villeroy )

A melhor música que encaixa com isso tudo simplesmente é essa:

Bailes da vida foi a primeira música que toquei em público há exatamente 18 anos atrás...

Mixagem: construindo a partir da voz

2011-08-24T04:11:00.001-07:00

Depois de um longo tempo sem publicar, hoje volto a fazer postagens! Como sempre de 2 em 2 dias!
Não é nenhuma novidade (você provavelmente ouviu bastante) que muitos produtores começam a construir suas músicas em torno da voz. Mas em que ordem é feito isso?
Pra sanar sua dúvida fiz alguns tópicos para te ajudar a achar uma luz no fim do túnel!

1)Como se faz isso?
Normalmente os músicos timbram seu instrumentos e gravam. Porém na hora de encaixar a voz eles encontram dificuldades. E isso se deve há alguns fatores como falta de timbre, voz artificial, ambiente e uso errado dos efeitos. Um amigo meu disse que gosta de primeiro colocar um playback e acertar a voz. E a partir dela ir construindo o resto. Isso funciona muito bem, mas o seu local de gravação tem que ser preciso ou seja, quando for gravar o vocal você tem certeza que ele soará direito na gravação pois todas as freqüências estão em “flat” para quem não tem isso deve fazer a velha a escola: gravar tudo e voz por último. Na verdade, a maioria grava tudo primeiro e vai regravando conforme a voz vai pedindo destaque. Claro que nem sempre assim, muitas vez a voz é colocada de 2º plano de propósito para dar destaque a outro instrumento e isso acontece muito com o rock pesado em geral.

2)O que faço primeiro? NADA!
Primeiramente não mexa em nada, só se concentre na voz. Para isso use a função “Mute” de sua DAW ou seja, deixe tudo mudo menos a voz principal pois é a partir dela que vamos construir a mixagem. Porém aqui tem um detalhe: se ela está mal feita tanto por falha de equipamento ou por falha do cantor é melhor gravar de novo! Pois ela é o instrumento principal e se você não consegue isso é bom começar a pensar em mudar seu equipamento de entrada, o microfone ou o local de gravação. Feito isso tente obter a voz mais natural possível (como se estive ouvindo uma pessoa cantar na sua frente) e não coloque nenhum efeito!

3)Começando a festa!
Quando a voz soar bem você pode vir para essa etapa. Não é uma tarefa fácil (principalmente para que tem pouca experiência) e para isso nada como usar um plugin de Analyser e colocar ele só sobre a voz e comparar a mesma com o resto dos instrumentos. O Gráfico abaixo foi obtido com o plugin Ozone 4 (clique para ampliar):

Pra obter isso você deve ativar o equalizador paragráfico, colocar em “options – spectrum – infinite” e fazer “snapshots” de sua freqüências como foi feito aqui:

A faixa “roxa” é a voz, o que vamos fazer aqui é analisar quais as freqüências que mais conflitam em cima da mesma. O resto: faixa vermeha guitarra drive, faixa azul bateria e baixo, faixa branca cama (sintetizador). A faixa verde é padrão do plugin quando ativado. Para isso funcionar também é necessário você rever “todas as regras” de freqüência (para ver os tópicos do blog clique aqui) pois sem saber as freqüências principais e secundárias da voz e do resto você não chega em lugar nenhum.
Essa música analisada estava em processo de mixagem por isso vou detalhar o que fiz para destacar a voz:

A)A voz pode ir até 80 Hz sem problema, o problema é depois pois irá aparecer ruídos antes disso e após. Aqui cortei a mesma até 120 Hz pois a voz do cantor pediu isso, dependo o cantor pode ser cortar mais ou menos.

B)Veja somente a faixa entre 100 – 400 Hz e repare como todas as pistas se aproximam uma das outras. Isso acontece porque a maioria dos instrumentos tem seu volume de destaque baseado aqui. Abaixar ou aumentar aqui é uma questão de gosto. Se aumentarmos a guitarra possivelmente ela irá abafar a voz e se baixarmos pode ficar sem o timbre que foi gravado, por isso podemos resolver os conflitos mais na frente.

C)A faixa entre 450 Hz até 2.5 kHz nota-se a predominância da voz. Aqui nessa área é definido a maior parte dos timbres, por isso requer cuidados. Nessa caso a voz está “acima demais da média” podemos aqui baixar a mesma um pouco (com equalizador paramétrico ou com o volume) ou ainda aumentar outro instrumento que queremos destacar.

D) depois de 2.5 kHz até 8 kHz o pico varia. Isso porque geralmente 3 – 6 kHz é uma faixa bem complicada. Pra ter uma idéia aqui você pode dar brilho a voz e a o mesmo tempo deixar ela irritada, baixando pode ser resolver conflitos entre a voz e os instrumentos de corda porém pode tirar o brilho dos mesmos por isso tudo aqui tem que ser mexido quase “cirurgicamente” . O Bom mesmo é deixar tudo regulado na gravação para evitar que esse processo se torne “artificial” na mixagem.

E)Esse já um arquivo pré máster ou seja ele possue 4 busses/aux (voz, guitarra, cama, bateria com baixo) por isso olhe o próximo tópico!

4)Fazendo por etapa
Primeira mente é necessário criar os buss/aux ou seja voz, guitarra, cama, bateria com baixo ou conforme vai sua música. Depois do acerto da voz, você deve comparar a mesma “com cada pista” da música! Por exemplo, escutar o bumbo e a voz e ver qual a faixa conflitante entre os dois, em seguida adicionar a caixa, e fazer a mesma coisa com todos os instrumento e assim por diante. Claro que pode aparecer conflitos entre os instrumentos, mas você tem resolver – los sem que eles atropelem a voz e para isso muitas vezes o “pan já resolve” (jogar de um lado para outro).

Na dúvida sempre faça o “teste dos vinte” comparando a sua música com uma música comercial do mesmo estilo ou parecido e veja onde a voz se destaque ou menos se destaca!

Ótima mixagem!

Produção: fusão de um ou mais ritmos – parte 1

2011-08-01T05:42:00.000-07:00

Pra começar a semana vou comentar uma coisa muito comum que aconteceu nos estilos musicais: a fusão. Pra começar isso não é novidade, pois o “fusion” é jazz que tenta misturar outros estilos a si mesmo sempre buscando improvisação. A questão em produção é: você já parou para pensar que talvez o que falte para sua música se tornar um sucesso é justamente uma fusão? Claro, a maioria dos “puristas” vão dizer que uma música misturada pouco se destaca, mas você que toca de tudo numa banda nunca reparou que no fim cada estilo acaba influenciando no seu som? Uma coisa que sempre comento com meus amigos:o diferente chama a atenção das gravadoras e é por isso que está na hora dos roqueiros reverem seus conceitos pois estilos como funk carioca, forró e sertanejo universitário estão em alta justamente por serem diferentes pois possue coisas que a maioria das pessoas ainda não ouviu.

Abaixo a três músicas que mostram claramente fusão de ritmos

BYOB – System of a doom
Note que primeiramente a música começa com uma pancadaria típica da banda e no refrão vira uma levada pop reagge. Uma fusão simples mas bem feita.

Por quê? – Pi Banda
Minha banda PI misturava muitas coisas pois concordávamos que misturar era muito legal. E isso que fizemos: misturamos grunge, ska, reagge e har rock tudo numa música só.

Renagades of Funk – Rage Against Machine
Por ultimo um trio que parece um sintetizador gigante. Misturando hip hop e hard rock saiu uma das melhores bandas que já existiu. Tom Morello com uma guitarra e um whammy fez coisas que ninguém imaginava fazer numa guitarra. Note que a música tem poucas bases e mais sim mais riffs.

Nem toda fusão “fica boa” por exemplo, essa história de “misturar” uma banda de rock com orquestra em umas ficaram ótimas (parece os dois são a mesma coisa) e outras ficaram uma bela porcaria!Ou que nem aquela história do “samba rock” uns são excelentes exemplares, outros são daquele tipo “pagode tocado numa festa cheia de amigos bêbados”. Outra coisa que fugir muito da sua “raiz primária” (o estilo que você mais gosta) pode não ser uma boa,pois quando você faz uma música que não gosta o público nota na hora. Por enquanto procure ouvir músicas e veja quais andam fazendo essa fusão!

Próxima postagem veremos umas idéias para você começar a misturar! Abraços!

Composição - Renovando velhas músicas

2011-07-27T06:10:00.000-07:00

Ultimamente não ando compondo muito apesar de várias letras prontas. Porém não compor não significa que você fique sem gravar. Muitos dos músicos que conheço tem uma coisa em comum: deixar a sua música pra gravar em casa e gravar num estúdio "côvers" afim de mostrar seu trabalho enquanto devia ser totalmente ao contrário pois a coisa mais "banal" que podemos fazer é ter vergonha de uma música composta por nós. Não entrando em detalhes muitos "polêmicos" para não perder o foco da postagem o que proponho a você é refazer "aquela velha música" que você já toca a tanto tempo e a tantas festas. Lembrando que já falei sobre isso em postagens anteriores.

Domínio público
Ultimamente você escuta uma música nova de um artista que nunca ouviu na vida e de repente aparece sua avó dizendo que era uma música que ela escutava na juventude. Você acha que ela está ficando "gagá" mas na verdade ela tem razão pois essa música é tão antiga que virou "Domínio público". Eu não sei se há como evitar isso (dizem que há uma clausula no direito autoral da música para que ela vire ou não domínio público) por isso acho melhor você pesquisar isso antes que eu fale alguma bobagem! Mas você já se perguntou porque por exemplo tem tanta dupla sertaneja regrava sempre as mesmas canções? Alguns porque são música da nossa história popular e outros porque são domínio público. Teoricamente se há canção já foi composta há mais de 30 anos (ou seja qualquer uma depois de 1981) ela fica a desposição para regravação e apesar de manter o nome do autor original porém aquele que regrava também "fatura" em cima dela e um dos motivos porque ultimamente estamos ouvindo tantas regravações mesmo sabendo a quantidade de compositores com músicas fantásticas que não são aproveitadas.

Regravações
Na indústria fonográfica quando artistas, produtores e gravadoras querem ganhar um dinheiro "fácil" apelam para uma regravação. A regravação é só uma "cópia" atualizada do que já foi feito ou seja, sem tirar nem por nada. Na verdade tem tantas regravações idênticas que eu sou um que acredita que eles pegam a trilha originam da música, cortam um ou dois instrumentos, colocam um arranjos novos e mandam o artista cantar. E tá feito! É só pagar os direitos originais do artistas que fez a música, o jabá e entupir 24 horas a músicas nos nossos ouvidos com a regravação.

Versões
Quando se trata de uma versão há algumas regras a serem seguidas (que são ou não usadas)

A)Mudar o estilo da música (exemplo de sertanejo para rock)
B)Mudar os arranjos e tom da música (exemplo tirar ou colocar solo)
C)Pode se manter o que é chamativo (por exemplo deixar a introdução original da música)
D)Conversão de linguagem (de português para inglês ou vice versa)
E)Acréscimos (de passagens, notas, melodia ou dissonância)

Como exemplo vou dar a música Será do Legião Urbana

Orginal
C G Am F C G Am F
Tire sua mãos de mim eu não pertenço a você...

Versão
D A Bm G D A Bm G
Tire sua mãos de mim eu não pertenço a você...

O que fizemos aqui foi uma simples "transposição de tom". O ritmo dela é rock, procure tocar nesse novo tom em outro ritmo 4/4 como SKA ou Reagge ou até mudar para 2/4 e tocar como rock composto. Ou use "power chord" ligue uma distorção pesada e faça um heavy metal ou até dedilhe. Outra coisa interessante é transformar em bossa, samba rock ou jazz porém você vai acrescentar "tetrádes". Nesse caso vou utilizar a música I will survive de Gloria Gaynor

Orginal
Am Dm G C
I will survive. As long as I know How to love I know I’ll stay alive.
F Bm7b5 E E7
i have all my life to live i have all my love to give... I will survive

Versão
Am7 Dm7 G6 C7+
I will survive. As long as I know How to love I know I’ll stay alive.
F/A Bm7b5 E E/G#
i have all my life to live i have all my love to give... I will survive

E que tal pega uma música dissonante e deixa-lá toda reta? É que podemos fazer por exemplo na música Nem um dia de Djavan:

Original
Dm7 C7(11) Bb5(9) A4(9-)
Um dia frio um bom lugar para ler um livro e o pensamento lá em você e sem você eu não vivo

Versão
Dm C Bb A
Um dia frio um bom lugar para ler um livro e o pensamento lá em você e sem você eu não vivo.

O legal disso é simplesmente para se divertir e brincar. Coisas desse tipo nos dão idéias para nossas composições! Não se esqueça de estudar sobre harmonia que é a base de toda boa composição! Abraços!

A música dos anos 90

2011-07-25T05:38:00.000-07:00

A música dos anos 90
Sinceramente dificilmente vou esquecer essa época musical pois foi nela que vivi minha adolescência e alimentei meus sonhos e foi quando comecei a me envolver com música, e foi uma época que as coisas mudaram radicalmente no Brasil principalmente com a fixação geral do “jabá” e da valorização de ritmos nacionais, como veremos a seguir:

Histórico
Os anos 80 ficou sendo um exagero de tudo! Guitarras com 1000 notas por segundo, vocais gritantes com reverb, bandas com 10 integrantes, baterias eletrônicas, racks gigantes, artistas mais fantasiados do que uma drag queen, gel, mega hair, tênis tudo isso encheu o saco! A geração X terminava e começava a Geração Y. A primeira coisa foi que a música se tornou mais ao vivo. As bandas voltaram a ter 4 integrantes (pelo menos em estúdio) ou 3. O vocais gritados deram a lugar a vocais com atitude e apesar dos solos "virtuosos" terem ser tornado estudo obrigatório foram reduzidos a solos mais simples. Mas nenhum estilo foi tão impactante quanto o eletrônico: dance music, techno, rap, hip hop, jungle, pop reagge invadiram as rádios como nunca se vira antes. No Brasil uma "pá de cal" foi jogada literalmente no rock e entre 1993 a 1998 o pagode e axé music dominaram as rádios e a TV e somente em 1999 com uma nova geração de pop rock e a chegada do funk eletrônico carioca a moda acabou.

Os artistas e os estilos
Primeiramente se existe um nome que fixou na cabeça do pessoal no início dos anos 90 foi Gun´s Roses. Axl Rose, Slash e Cia trouxeram de volta a tona o hard rock com influência no blues (tipo Led Zepellin) acabando com a moda dos “fritadores” que dominou a década anterior. Sem contar o surgimento de bandas importantes como Red Hot Chilli Peppers, Faith no more, Pear Jam, Alice chains e sem esquecer o rock cru do Nirvana que deu ao mundo do rock novamente a rebeldia. Infelizmente o vocalista se matou (Kurt Cobain) acabando com a banda (vale a pena lembrar que Dave Gohl que era o baterista montou o Foo Fighters em 1996 assumindo o papel de vocalista e guitarrista) porém de todos os estilos o que mais se despertou foi o eletrônico.Oasis, Croaw Croes trouxeram o rock "cru" dos anos 60 com uma roupagem moderna de volta às rádios. Um grupo de produtores se juntou a uma cantora e a um rapper e montaram o fantástico C&C Music Factory mostrando que era possível misturar canto, rap, levadas rock e funk e samples numa música só. Com isso surgiu Black Box, Vanilla Ice, Mc Hammer , DJ Bobo, Haddway, Ice Cube, Ice T, e um ex-baixista quer iria ficar famoso no mundo adotando um novo como DJ: Fat Boy Slim. Sem falar na explosão de "boys band" como Backstreet Boys e N´Sync. Na ala femina Sherly Crow (ex-backin de Michael Jackson), Alanis Morissete, Shania Twain.
No Brasil as bandas de rock deram lugar a bandas de reagge de primeira linha iniciadas por Cidade Negra e Skank mas para o desespero dos roqueiro a música eletrônica invadiu todos os lugares e juntamente com o pagode (Raça Negra, SPC, Molejo, Exalta samba) e sem contar na Axé Music (Banda Eva, Cheiro de amor, É o Tchan, Chiclete com Banana, Asa de Águia) e deixou muita gente "orfã" de moda (como já comentei no no meu outro blog). Porém o rock ainda tinha algo para mostrar, pois Legião Urbana continuou com força atá a morte de Renato Russo e surgiu o Mamonas Assassina que inaugurou a era do "rock bobagem" porém que infelizmente tiveram uma carreira interrompida em 1996 num acidente de avião. Raimundos se destacou com seu "heavy metal forrozento" e sem contar Chico Science com seu "mangue beat com rock". No final da década apareceram bandas de pop rock que se iriam destacar na próxima como Jquest, LS Jack, Charlie Brown JR e sem contar nos inúmeros Acústicos MTV que resgataram por exemplo a carreira do Capital Inicial. O Rappa novamente trouxe a música de protesto a tona, misturando rock, soul, hip hop e cultura brasileira.

A tecnologia
Duas tecnologias que só haviam em filmes chegaram ao público: o CD (que condenou o vinil a extinção) e o MD (uma fita com qualidade de CD que nunca vingou) e com um gravador de CD era possível criar sua música e sair vendendo seu próprio CD pra quem quisesse.
A década 1990 apenas continuou a evolução dos sintetizadores dos anos 80 porém cada vez mais digitais e avançados, com baterias eletrônicas e timbres sampleados beirando ao realismo. As pedaleiras além de simular pedais começaram a simular amplificadores, rack e stack. Porém nada seria mais significante do que a aperfeiçoação das placas de som para computador. Essa placas apareceram para o PC em 1989 (pela empresa Adbli) e mudaram totalmente o sentido do computador: agora ele servia para ver filmes (com advento do CD), jogar jogos, escutar música e o melhor de tudo: gravar música. A partir de 1992 empresas como a Adbli, Roland, Sound Blaster e Gravis Sound viam com uma coisa a mais em suas placas: entrada e saída para gravações. A partir daí várias pessoas compravam seus computadores e acomplavam suas mesas de som e gravavam em casa realizando o antigo sonho de todo músico que não podia desponibilizar milhares de doláres para ter um equipamento de estúdio. Continuando isso, não demorou a aparecer os programas DAW que era multi pistas. Dessas desevolvedoras de softwares 3 se destacam: Pro logic (que inventou o primeiro sistema de gravação totalmente digital para o computador o Pro Tools), a Cakewalk (que criou o primeiro programa multi pista para o PC) e a Steinberg (que inventou o sistema VST/VSTi). Foi nessa década que o home studio criou as formas que conhecemos tão bem hoje em dia. A outra coisa foi o desenvolvimento absurdo dos samples! Já não eram mais apenas partes gravadas de discos ou fitas, agora tinham comportamento próprio. Se você pega-se a nota inicial do mega hit "Jump" e coloca-se no seu Roland JP80 para samplear logo você estaria com o mesmo timbre da música original criado no Obenheimer de Ed Van Halen.

O que mudou para as gravações
A década de 1990 foi marcada por 3 coisas: voltar a simplicidade, dar mas enfase ao eletrônico e o pesadelo de todo produtor musical: colocar a música no máximo volume que der! Ou seja, agora não se dava mais lugar a dinâmica (desempenho do som no campo estéreo) e sim ao volume (compressão beirando a achatação).Quando falamos em simplicidade foi que vários processos foram cortados e deram lugar a processos mais novos principalmente em relação a gravação de voz. Dos grandes estúdios abertos agora se preferia gravar em pequenos aquários mais seco possível. Dos reverbs tipo sala (hall) agora se preferia usar os pequenos e com mais delay e se contar que no final da década a fabricante Antares inventou um novo rack (e também na versão plugin) chamado "Autotune" que fez muita gente com uma voz "mais ou menos" passar a cantar "bem". As mixagens preferiam ir aderir ao "realismo", ou seja deixar a música de cara a cara com o ouvinte (como o mesmo estivesse no show). Esse desenvolvimento se chamou "mixagem 3D" que foi a porta para a mixagem em surround e depois na década seguinte iria virar "binaural". Em meados de 1996 surgiu também um outro tipo de gravação com as guitarras: o simuladores de amplificador. Muitos produtores preferiam ao invés de usar grandes stacks ou combos, deixar tudo "emulado" e o resultado geralmente era timbre gigantesco adquiridos e isso logo se passou para gravação de linhas de baixo. De fato com o surgimento do processador Roland VG-1 que simulava até tipos de captadores a gravação de guitarra foi mudada completamente e logo o processador Line 6 Podfarm seria o mais usado até hoje. Com advento da gravação digital muita gente começou a pegar quartos ou garagem vago na sua casa e transformar em "home studio" e muitos deles se transformaram em gravadoras, produtoras e divulgadoras. Uma curiosidade: o CD Night?? do Dire Straits foi o primeiro a ser gravado inteiramente usando a DAW Pro Tools.

A chegada da internet
A internet só começou direito no país somente depois de 1998, porém nos outros países como EUA, Inglaterra e Japão, ela já tinha força. Quem usava a internet nos meado de 1999 com certeza lembra do Napster, que foi o primeiro servidor de trocas de música. A MP3 pegava uma wave de um CD de 44 megabytes e a transformava em 3 megabytes com pouca diferença de qualidade e isso falicitou a troca de arquivo entre os músicos e os ouvintes. Porém veremos isso
melhor quando falarmos da década 2000-2010.

Não deixe de ouvir!
Black or White (Michael Jackson) - A computação gráfica do videoclipe continua muito atual!E um Michael que assustou o mundo a ficar branco!
Wonderall (Oasis) - o truque do "catapraste" (diminuir para 2° casa) pegou até os mais experientes dos guitarristas!Hoje em dia usado a exaustão.
Stranger (Gun´s Roses) - Uma das mais belas baladas já criadas.
The Entersadman (Mettalica) - Quando uma banda de blackmetal se tornou comercial!
Under the Bridge (Red Hot Chilli Peppers) - A história de Antony Kids com as drogas!
Nothing Else Metter (Mettalica) - Uma balada criada em cima da peça clássica de violão "Romance deux amore"
A sombra da maldade (Cidade Negra) - Pop reagge de primeira!
Falling to Pieces (Faith no more) - Uma banda com albúm de estréia e até albúm de despedida!
Mucama (Cidade Negra) -Uma das músicas que fala a realidade, simplesmente ignorada.
Perfeição (Legião Urbana) - Renato Russo fazendo um RAP com final supreendente
Make gonna Sweat (C&C Music Factory) - A apresentação do grupo ao mundo
Life (Haddaway) - Arpejos eletrônicos!Um cantor muito bom com uma carreira meteórica.
Putero em João Pessoa (Raimundos) - Rodolfo contando suas aventuras na adolêscia!

Boa Semana!

Composição: fast music food com compasso 4/4Composição: fast music food com compasso 4/4

2011-07-22T07:07:00.000-07:00

Salvem!
Faz um tempo que não escrevo sobre composição, hoje estou inspirado por isso vou escrever um método muito manjando para você compor rapidamente uma idéia que tiver na cabeça. Não existe nome para isso, por isso vou chamar de “fast music food”pois é um música para ser criada rapidamente.

1)Introdução
O compasso 4/4 sem dúvida é o compasso mais usado do século XX e ainda será nesse século pois ele é considerado muito fácil. Por exemplo: você toca uma nota 4 vezes e troca para a próxima, toca uma nota 2 em 2 vezes e passa para próxima, toca uma nota em 4 vezes e passa para próxima e assim por diante. Na bateria também é muito simples pois basta fazer essa combinação básica para criar uma música: bumbo 1, caixa 2, bumbo 3 caixa 4 (os números são os compassos).

2)Consiga um seqüenciador!
Hoje graças ao computador temos vários programas seqüenciadores: Band in a Box (pc) Garage Band (mac) são os mais famosos. Porém se você tem uma DAW você pode usar desde loops de áudio/midi e até mesmo criar sua própria seqüência. Também com a DAW você pode ir gravando pista por pista para fazer sua improvisação. É um ótimo exercício para gravação/mixagem também.

3)Como funciona?
Uma das coisas que gosto de fazer num JAM é reunir o pessoal e tocar uma música improvisada. Porém se estamos improvisando pra onde ir no compasso? Uma das maneiras mais simples é fazer 1-2-3-4 sendo que o quarto compasso seja uma virada de bateria. Se ficar muito em cima pode ser o oitavo compasso. Quando sabemos isso o nosso psicológico vai ficar pronto para a mudança de nota ou de compasso e essa formula vamos usar também no programa ou quando estivermos tocando com alguém.
Primeiramente tenha em mão “uma letra”.Não importa o que seja, se você não tem uma idéia um “poema” ou um “salmo da bíblia” são ótimos pontos de partida!

A seguir vou passar as fórmulas que você pode usar.

Formula 1: Blues
Pouca gente sabe, mas o blues sempre dominou a composição da música atual. Seja para fazer um rock, pop, reagge, sertanejo e até mesmo um pagode. O nome disso se chama “intenção blues” ou seja, fazer um blues numa música que não é blues! Complicado? Vamos fazer o seguinte exercício (toque as notas com qualquer ritmo no número de vezes indicado).

E7 (8 vezes)
A7 (8 vezes)
E7 (8 vezes)
B7 (4 vezes)
A7 (4 vezes)
E7 (4 vezes)
B7 (segura)

Esse é o famoso “blues 8 compassos” ou “slow change”
Agora você pode encurtar o tempo para metade e fazer um blues “fast change”

E7 (4 vezes) A7 (4 vezes)
E7 (4 vezes) A7 (4 vezes)
E7 (4 vezes) B7 (4 vezes) A7 (4 vezes)
E7 (4 vezes) B7 (segura)

Experimente agora colocar a letra em cima ou ainda mudar o tom para menor ou para dissonante e boa aventura!

Fórmula 2: Seqüências comuns
Você sabe o que as músicas Será (Legião Urbana), So Lonely (The Police) e Day Maker (Led Zepellin) tem em comum? Suas seqüência de notas! Podem estar em outro ritmo mas basicamente é a mesma coisa:

C (tônica) Am (relativo menor) F (subdominante) e G (dominante)

Ou ainda

C (1º) Am (6º - ) F (4º) e G (5º)

Da mesma a forma as músicas Smoke on the water (Deep Purple), Owner lonely heart (Yes) e Iron man (Black Sabbath)

Gm (1º -) Bb (3º) C (4º) se você transpor um tom vira
Am C e D e você transpor mais meio tom vira Bb Db e Eb

Muitas vezes o que você toca se transpor por exemplo uns 3 tons a frente vira uma nova música. Por exemplo se você pegar a música “Não chore mais”(Gilberto Gil) e transpor para D você terá a seqüência da música “One Last Breath” do Creed.

1º 5º 6º- 4º
C G Am F

1º 5º 6º- 4º
D A Bm G

E isso é muito usado por um monte de produtor por aí... Vale a pena ser experimentado...

Fórmula 3: cortando notas!
Para isso funcionar você deve saber dois modos grego: maior e menor. Para quem não sabe vou dar a dica (já com seu devido acorde):

Maior – C (1º) Dm (2º-) Em (3º-) F (sus4) G (5º) Am (6º - ) Bm7b5 (meio dim)
Menor - Am (1º - ) Bm (2º-) C (3º) Dm (5º-) Em (6º-) F (7°) G (6º)

O que você vai fazer aqui? Procure tocar todas as notas e depois vá cortando algumas notas e deixando apenas as interessantes ao seu ouvido. Não entendeu ainda? Mais uma diaca:

Toquei todos os acordes e deixei apenas
C (1º) F (sus4) G (5º)

Toquei todos os acordes e deixei apenas
Menor - Am (1º - ) F (7°) G (6º)

Entendeu? Não esqueça de transpor o tom e fazer a mesma coisa!

Semana que vem postarei uma vídeo falando novamente desse assunto! Até lá!

Ótimo fim de semana!

Mixagem: dando um toque pessoal a voz

2011-07-18T06:09:00.000-07:00

Existe uma maneira bem simples e legal dar um toque personalizado a sua voz dando a sensação de “espaço” para mesma. Não é um truque comum, mas com certeza em várias músicas de pop e rock você escuta o mesmo porém mais nas músicas internacionais. Primeiramente para esse truque funcionar você deve ter feitos alguns passos anteriores como gravação, equalização e compressão e outro ponto: a voz tem que estar limpa e seca (não pode haver ambiência) pois senão o truque não funciona.

Como funciona?
O que iremos fazer é duplicar 3 vezes a voz principal. Porém, se você duplicar a mesma e colocar níveis diferentes de volume e pan, você dará a sensação de “chorus” e não de espaço e sem contar que o som pode sair de fase. Essa 3 vozes você pode colocar os efeitos na pista ou nos auxiliares, fica a sua escolha.

1)Voz principal: deixe a mesma no centro, seca somente com seus ajustes de equalização e compressão. Procure deixar em estéreo para pegar os dois lados.

2)Voz da esquerda: nessa você irá colocar um reverb. Esse reverb você irá definir como quiser. Reverb longos dão a sensação de ambiência e reverbs curtos dão a sensação de estar próximo ao ouvinte. Os parâmetros como decay, dry/mix, cut low/high podem ser definidos a gosto. Procure deixar essa voz em mono, pois em estéreo ela irá conflitar com a voz principal.

3)Voz da direita: coloque um delay no tempo da música ou ajuste manualmente até casar com ritmo. Esse delay pode ser por exemplo, o fim da frase da voz principal. Vamos supor que frase seja “te amo demais”, o delay deve dar a sensação de falar “teeee amoooo deeeemaisisis”. Procure usar um delay mono, para não invadir a voz principal.

4)Após ter feito esses ajustes, faremos o seguinte:

Voz principal
Volume: - 2 db
Pan: 0 (centro)

Voz esquerda com reverb
Volume: - 22 db
Pan: 30 (60% esquerda ou mais)

Voz direita com delay
Volume: - 16 db
Pan:80 (70% )

Porém todos esses ajustes são a gosto. O que proponho aqui é uma maneira simples e rápida de deixar a voz aparecendo mais na mixagem!
Esse efeito também fica bom em outras seções como bateria, baixo, guitarras, violões, sintetizadores e sopro solos (sax e trumpet), exprimente!

Boa semana! Boas gravações!

Produção: o estilo dos anos 80

2011-07-15T12:02:00.000-07:00

Hoje vou começar uma série que fala sobre os estilos de música com passar das décadas. Isso pode te dar várias idéias. Hoje vou falar um pouco dos anos 80 sinceramente minha época musical preferida.

A tecnologia
Os anos 80 é uma coisa engraçada de definir: pra começar sugiram várias “revoluções” tecnológicas como o General Midi, gravação digital, sintetizadores, baterias eletrônicas em série, pedaleiras, loop machines, sample machines, racks, guitarra com micro afinação. Foi graças a isso que hoje em dia gêneros como a música eletrônica avançaram tanto, sem contar que aqui começou a gravação digital coisa que é muito comum hoje em dia.

Os estilos
Para uns estilos como pop, rock, hard rock, reagge entre outros os anos 80 foi apenas uma evolução do estilo. O que aconteceu foi o adventos de novas tecnlogias principalmente por parte dos sintetizdores pois eles acrescentaram mais um membro na banda (no caso o tecladista) e tiraram várias seções como sopro e cordas. Porém nada foi mais impactante do que o advento da figura “Guitar Hero” que começou liderado por Ed Van Halen e suas peripécias guitarristícas. Para combinar com isso, vocais gritantes beirando ao “falsete” e a multiplicação das “power bands” (1 vocal, 1 ou 2 guitarras, 1 baixista, 1 tecladista, 1 baterista e 1 percussionista). De todos os estilos os inovadores foi o Synth Pop e a New Age que formou duplas de musicar eletrônicas (como Erasure) além de criar todas as os ramos de música eletrônica conhecidos além de bandas como Duran Duran. No Brasil surgiu uma onda de “copiar” o que acontecia lá fora (conhecido como miquice) além de um movimento que misturava a MPB com o pop rock (um bom exemplo é a música Lilás de Djavan) além de muitos bons guitarristas tecladistas. Não podemos deixar de destacar o crescimento das “boys bands” (Menudo, Domino, New Kids on the Block) e o do jabá.

Os Artistas
Van Halen surgido em 1978 foi a banda que direcionou o caminho do rock nos anos 80 seguido de Bon Jovi, Heart, Living Colour, Twisted Sister entre outros. Artistas dos anos 70 como Ozzy Osbourne, Eric Clapton, Tina Turner, Dire Straits e Rod Stweart se renderam ao estilo de power band. Depeche Mode, New Order, Alphaville entre outros estouravam com seu estilo dançante. Run DMC vez com que o Hip Hop chega-se as paradas americanas. No Brasil surgiram Blitz, Legião Urbana,Paralamas do sucesso, Rádio Táxi, Ultraje a Rigor, Capital Inicial, RPM. Uma das características dos shows foi sem dúvida adição de sistemas estéreos, telões e colunas de amplificadores de guitarra (limpo, sujo, sujo pesado e solo) sem contar que já não bastava mais cantar, era preciso ter atitude e falar o que pensava. Graças a história de Guitar Hero pela primeira vez um guitarrista emplacou na “billboard” uma música totalmente instrumental com guitarra. Foi Joe Satrianni que fez esse feito. Assim como Vangelis e Jean Mitchel que conseguiram o mesmo feito usando seus poderosos sintetizadores.

O estilo das gravações
Sem dúvida o que mais caracteriza uma gravação dos anos 80 é o reverb, seguido de pitadas de delay e chorus (muito usado até hoje). O que aconteceu foi o seguinte: como os sintetizadores deixavam o som das vozes e da guitarra “descasado” com os mesmos, o jeito foi para apelar para colocar tudo no mesmo espaço e por isso o reverb foi tão usado (sem contar na evolução do reverb digital). Um truque bastante usado em músicas como Type (Livin Colour), Stay (Oing Boing), Power of Love (Huey Lewis) era colocar diferentes doses de reverb em diferentes pistas para dar a sensação de tudo estar no mesmo lugar, sem contar que Alex Van Halen, Phil Collins, Tico Torres, Roger Taylor abusavam da combinação bateria acústica/eletrônica. Porém por outro lado, bandas de power trio ou que não usava sintetizadores foi mais beneficiada pois conseguiram deixar o som mais limpo do que antes (a banda parecia estar tocando na sua frente) sem contar com a evolução da compressão e o advento do “stereo enhancer”.Uma contribuição para os dias de hoje que se criou uma geração de “super músicos” ou seja, não bastava apenas fazer de ouvido, tinha que saber o que estava fazendo. Se hoje temos podemos gravar um CD em casa foi graças as tecnologias começadas nos anos 80.

A moda
Esqueçam góticos, mulets, tênis, calças jeans rasgadas, quem ditou a moda nos anos 80 foi a MTV. Essa emissora surgiu no início da década e impulsionou o mercado dos videoclipes as alturas!Pena que hoje em dia ela está tão diferente...

Não deixe de ouvir!
Money for Nothing – Dire Straits (A primeira música gravada digitalmente)
Walk This Way – Aerosmith com Run DMC (A primeira fusão do Hip Hop com o rock)
Cult of personality – Living Colour (Jazz, Fusion, Hard Rock e ideologia política)
Jump – Van Halen (o sintetizador como instrumento de frente no hard rock)
Faroeste Cabloco – Legião Urbano (Country, rock, ska feitos por brasileiros)
Garota Dourada - Rádio Táxi (Wander Taffo trouxe o tapping para os discos brasileiros)
Máster of the Puppets – Metallica (um dos primeiros heavy metal de quebrar ossos)
You Give love to a Bad Name – Bom Jovi (Como usar o harmonist na guitarra inteligentemente)
Massage of Bottle – The Police – (rock feito com arpejo de notas add9)
Macaxera – Pepeu Gomes – (música guitarristicas brasileira)
Summer Song - Joe Satrianni (entrou na billboard)
Thriller – Michel Jackson (indiscutivelmente o rei do pop)
Kiss – Prince (um dos clipes mais provocadores já feito)
Like a virgin – Madonna
Girls have a Funny – Cindy Lauper
I´m not a gigolo – David Lee Roth (tirando um sarro legal de todo mundo)
Stanger Love – Depeche Mode
Chains of love – Erasure
Forever Young - Alphaville

Bom fim de semana!!

Gravação da Banda Galapagos

2011-07-13T07:05:00.000-07:00

Sempre falo como gravar, mixar e masterizar. Mas que tal ver isso ao vivo num estúdio profissional? Meu amigo Erlan Ribeiro da banda Galapágos fez um vídeo mostrando os bastidores da gravação do primeiro CD! Ótimo oportunidade para você ver como funciona todo processo!

A hora de invadir as ondas do rádio

2011-07-10T07:21:00.000-07:00

Nesses dias que estive em Porto Alegre ouvi umas histórias bem interessantes sobre a cultura americana. Não aquela que os filmes tentam nos passar e sim como é o dia a dia do cenário musical. Um casal de amigos vindo de lá disse que muitos artistas que fazem sucesso aqui são apenas artistas regionais lá. Isso me fez lembrar que uma vez em um show do Faith no More no Brasil, Mike Patton disse que era mais conhecido aqui que em qualquer outro lugar, pois se andasse nas ruas de L.A ninguém daria bola para ele.
Isso me faz pensar se no Brasil tudo está sempre a venda, porque não estender o “jabá” a artista que não fazem sucesso no seu país de origem devido a bela porcaria que são?
A verdade é que lá teve algo parecido com que está acontecendo no cenário brasileiro hoje em dia: artistas de vários estilos, montaram suas próprias gravadoras e suas próprias rádios afim de manter seu estilo vivo. Quando a gente fala isso muito se vem aquela ladainha que lá é o 1 º mundo, país desenvolvido, país rico, etc....
Porém ninguém se lembra que isso podia ser um belo argumento há 10 anos atrás, hoje em dia que o Brasil é estabilizado financeiramente só serve para ver como pagamos os produtos mais caros do mundo, graças aos impostos e outras taxas. Mas mesmo o computador mais simples hoje em dia vem on board uma placa de som ou seja, podemos gravar qualquer coisa em qualquer lugar (não falo de qualidade, falo em poder). Em vários sites você pode criar sua própria rádio on line e deixa-lá a disposição em vários players. Eles também me disseram que como lá muitas rádios com vários estilos geralmente você escolhe o que quer ouvir, e já aqui todo mundo sabe: a mídia ditou uma moda, todas as rádios tocam!
Particularmente uma vez eu vi duas grandes rádios fazerem uma guerra só por causa de uma rádio comunitária e isso aconteceu numa cidade de médio porte. Na cidade havia duas rádios grandes porém tocava toda programação de jabá. Um dia um grupo de pessoas montou uma rádio comunitária (uma coisa bem normal) e começou a tocar somente as músicas que eles consideravam boas. O resultado é que essa rádio começou a ter mais audiência que as outras duas e o resto da história você sabe: as duas rádios encheram tanto o saco que fecharam a rádio comunitária.
Falando com meu ex-colega de banda uma coisa entramos num consenso bem comum: essa história que os produtores falam que divulgar na internet não adianta nada que o negócio é fazer um cd bem feito tem algo de estranho. Se o público não dá bola para as bandas que tem música própria num show, como fazer o ouvinte ouvir sua músicas se não for pela internet?
Novamente, ressalto o objetivo desse blog: torna a gravação uma coisa mais acessível e independente, pois está na hora da sua música invadir as ondas do rádio!

Gravação: posicionamento radical de microfones!

2011-07-06T05:57:00.000-07:00

Toda vez que escutando uma música comercial, pensamos: uau! Como estar tão viva essa voz! E nos matamos para buscar o mesmo efeito. Primeiramente achamos que é acústica e por isso apelamos para o reverb. Porém quando ouvimos melhor notamos que o reverb ajuda, mas não é isso. Em seguida tentamos o delay e função slapback (delay 50 ms, 10 feedback) e fica legal,mas também percebemos que em certos tempos da música isso atrapalha. Após isso apelamos para o chorus e vemos que a densidade do som aumenta mas não há resultados, então trocamos de microfone, de placa de som, de ambiente e ainda apesar de ter melhorado ainda não é a mesma coisa. Porém, um dia olhando esse vídeo abaixo gravado em 1983 comemorando anos de smoke on the water, notem uma coisa interessante quando Iam Gillian canta:

Notaram? Alguém viu os microfones? Não?Note que há um microfone tipo condensador na frente e embaixo um microfone simples dinâmico. Então você daí pergunta “e daí”? Sinceramente eu não sei, mas se fosse eu que fizesse isso eu usaria o primeiro para captar a voz central e o segundo para captar a mesma voz só que vindo de baixo juntamente com o ambiente. Uma boa técnica.Nesse sentido gravei as vozes da minha nova música porém de uma maneira mais radical. A questão é: o que vai acontecer com nossa gravação se usarmos 2 microfones de diferentes formatos? E foi isso que fiz. Vamos aos tópicos!

1)A escolha dos microfones
Primeiramente, você irá precisar de dois microfones completamente diferentes, para isso. Nesse caso usarei um condensador e outro dinâmico lembrado que o microfone condensador como possue uma ampla área de captação enquanto o dinâmico capta o que falamos de frente. Você pode usar até outro microfone condensador, porém terá que usar uma outra figura diferente no mesmo. Abaixo links que mostram esses tipos:

microfone condensador simples

microfone dinâmico

microfone condensador com várias figuras: note o botão no meio do mesmo

2)Posicionamento

A)Gravação take 1 e take2
Muita gente pode achar que essa técnica tira o “feeling” do vocalista, porém isso é pessoal. Muitas músicas que você acha sensacional, foram cantadas mais na forma ‘fabricada” do que feeling. Foi na aquele estilo: canta uma frase corta! Porém eu só um que não sou a favor disso, sou a favor de gravar vários takes (pode ser alguns) e escolher o melhor. Mas já que temos que fazer isso porque não A cada take mudar o microfone? Ou seja, um take você grava com um tipo de microfone e muda para outro no próximo take.

B) Lado a lado
Essa técnica consiste em gravar um take só com 2 microfones.Como fazer isso?
1)Pegue um microfone num pedestal e em outro pedestal coloque o outro.
2)Pegue o condesador e coloque de frente para o cantor, o dinâmico fica mais ao lado. Note que o microfone condesador está bem no centro e a esquerda num outro ângulo o microfone dinâmico. O fenômeno aqui é justamente a captação, pois é isso que vai acontecer no som:

Porém se você achar que não está bom, é só variar o ângulo, ou tentar outras figuras, como colocar um debaixo pra cima e até colocar um atrás e outro na frente como se fosse captar um amplificador de guitarra. Porém há um sério cuidado aqui: você tem que ter cuidado para o som não sair de fase ou microfone matar um outro e é por isso que temos que gravar em mono. Então, nesses casos você deve “afastar” um dos microfones do campo estéreo, ou seja fazer uma das seguintes configurações:

1)Dinâmico para esquerda, condesador para direita
2) Dinâmico para esquerda, condesador no centro
3) Dinâmico para direita, condesador para esquerda
4) 2) Dinâmico no centro, condesador para esquerda

E assim por diante.... O importante é achar uma maneira que uma fase não cancele a outra!Lembre que essa configurações você pode fazer direto na sua mesa de som com o botão (knob) pan ou ligando direto na sua placa de som um microfone na esquerda e outro na direita.

3) Mixando
Com a gravação pronta, objetivo agora é fazer com que o som da voz invada o ouvido de quem escuta. Para isso podemos apelar para reverb, delay e chorus, porém existe uma coisa que há várias postagens estou falando e vou falar de novo: stereo analyser (para você posicionar a voz no campo estéreo) e stereo enhancer (para você colocar mais força na música). Isso executado com sabedoria juntamente com a função “pan” faz milagres mais que um plugin!

Abraços!

Masterização: utilizando o sistema KH Máster Multitrack – Parte 2

2011-07-02T05:38:00.001-07:00

Para quem leu a última postagem, hoje vamos ensinar como fazer a mágica!

Antes de começar
Primeiramente, saiba que muitas vezes deixar tudo no mesmo volume signifca que tanto no aparelho que está em volume baixo tem que ficar a mesma coisa como no volume alto, por isso você deve quando terminar duas músicas, escute uns minutos finais de uma e os minutos iniciais da outra para ver está tudo igual. Porém o bom mesmo é fazer em 3 etapas: baixo, médio e alto. Numa altura só muitas vezes, você pode não perceber falhas. Veja se no fone de ouvido isso corresponde também.

Ouça as freqüências!Tenha música exemplos!
Se lembra do teste dos 4? Aqui é uma ótima hora de testar! Saber que o grave que dá força, o médio o volume e o agudo o brilho, ajuda muito no seu máster. Você pode pegar uma música exemplo (aquela comercial já gravada) e pegar um equalizador, baixar todas as freqüências e aumentar as mesmas das seguintes maneiras:

20 – 120 Hz (Graves)
100 – 800 Hz (médio graves)
1 kHz – 6 kHz (médio agudos)
8 – 16 kHz (Agudíssimos)

O que você vai fazer é aumentar a equalização somente nesses intervalos. Você ouvirá como um máster de uma música comercial funciona.

1) Colocando as músicas na DAW
Primeiramente, você deve pegar todas as músicas, importar para DAW (ou para algum programa que queime direto no CD como o Sony CD) e deixar nessa sequência:

(clique para ampliar)

Note que o “fim de uma” é o “começo da outra”. Deixe elas todas iguais com os mesmos volumes e pan e sem nenhum plugin. No máster você irá colocar um plugin ou plugins que sigam essa ordem:

Equalização – Stereo Enhancer (se necessário) – Compressor – Limiter/Dither – Analisadores (todos zerados) – DR T metter

Importante! Não esqueça de usar um analisador de freqüências e um analisador estéreo, ou ambos em um único plugin!

2) Usando os analisadores para achar o volume ideal
Com plugin DR T metter, vamos tentar aumentar o som da primeira música. Aqui o que nós vamos fazer é tentar “equilibrar” a dinâmica com o volume que não é uma tarefa fácil, pois cada vez que você aumentar o volume a dinâmica da música vai cair. Se você pegar uma música comercial atual, verá que a dinâmica fica entre 8 e o volume em RMS – 6 db e se isso for escutado nos monitores alto e claro é sinal que foi gravado num bom equipamento. Aqui eu pelo menos tento deixar entre 9 e 10 a dinâmica e o volume entre 8 e 6 RMS dB. Como dito anterior, se você gravou corretamente, mixou corretamente, aqui não vai ser nenhum segredo!
O analisador de spectro (spectrum analyser) mostrará como suas frequências estão se comportando e o analisador de estéreo (spectrum stereo analyser) mostrará se sua música está dentro do campo estéreo. Não sabe como funciona? Clique aqui, aqui e aqui!
Outra coisa: não se preocupe se o máster estiver clipando! Isso iremos resolver depois.

3) Equiparando os volumes
Agora você tem deixar todas a músicas com o mesmo volume. Primeiramente, você verá se todas estão iguais em relação ao DR T metter. A música que estiver abaixo vá aumentando até chegar no volume. Em seguida emparelhe as outras para todas ter o mesmo volume. Não interessa de a pista 1 tiver + 2 dB, a pista 2 + 1 dB, a pista 3 0 dB e a pista 4 – 1 dB, o importante é deixar todas no mesmo volume para o máster.

4) Equalização
A equalização no máster, serve apenas para “abrir o som”. Ou seja, a gente aumenta ou a gente corta, desde que possamos deixar o som mais audível. Os presets de máster em equalização (visto na postagem anterior) só funcionam se mixagem estiver bem ajustada. O certo é que se você tiver que aumentar para abrir o som, o máximo seria algo entre + 1 dB e + 3dB pois fora isso, o som “torce”. Outra coisa que podemos fazer, ao invés da equalização, colocarmos um compressor multibanda. Nesse caso, é só trabalhar com o mesmo como se estivesse equalizando, porém se você usar um deve tirar fora o plugin de compressão. Outra dica é que ao invés de você deixar um EQ na equalização, colocar em cada pista um EQ, e fazer esses ajusta somente na música que estiver fechada. E lógico aqui vamo definir os valores de low end, bottom end e high end.

A figura abaixo mostra onde fica esses valores:

(clique para ampliar)

Low end – 20 – 40 Hz
Bottom end – 80 - 100 Hz
High end: 15 – 22 kHz

5) Stereo Enhancer
Esse é um plugin que podemos usar para criar o famoso som 3D ou binaural. O fato é que um plugin desse tipo possue funções como width (largura) que podemos definir o tamanho do campo estéreo, mono marker (mono) que define quais as freqüências que viram a serem mono, shuffle que define a pulsação dentro do campo estéreo, enfim, esses comandos dependem do plugin que usar. Porém ele não é obrigatório, pois se na mixagem você já colocou tudo em seu lugar aqui ele não se faz necessário, ao menos que você queira dar “um toque pessoal” ao CD.

Os plugins agora abaixo, muitos dele podem ocorrer num só. Por exemplo, o Waves L3 além de possue a função limiter, também possue a função dither e compressão multibanda ou vintage. Da mesma maneira com o Ozone 4, Sony Wavehammer, T-racks 3 entre outros. Cabe a você decidir qual o melhor para masterizar. A vantagem deles separados, é que por exemplo no Compressor você ajusta os picos, o volume de saída e a força do som. No Limiter você define o pico máximo que a música deve atingit, reforça a saída do compressor (se necessário) e deixa a música pulsante. O Dither é a última função, pois serve só para gravar o CD.

6) Compressor
O compressor vai dar uma força para o volume da música. Sabe aquela história de fazer “soar na cara”? O compressor é um dos maiores responsáveis por isso pois ele irá pegar os sons fracos e torna-los mais fortes. Porém, aqui vale lembrar que possivelmente você já usou ele na gravação e na mixagem, por isso na masterização os ajustes sempre começam pelo mínimo possível pra quem não sabe. Os ajustes que vou passar abaixo são exemplos, use o DR-T Metter para ver como a música se comporta depois deles e principalmente seus ouvidos.

Threshold ou Ratio: 6:1
Attack: 20 ms
Release: 80 ms (aumente se o som estourar, junto com o attack)
Output: 0.0 dB
Input (se tiver essa função): 2 dB

Aqui o som pode sair bem estourado por que estamos forçando uma situação em que o mesmo está alto! Por isso nós vamos usar o Limiter para equilibrar a bagunça:

7) Limiter
Na teoria compressor/limiter/expander são bem parecidos, pois o princípio deles é o mesmo: aumentar o som. Porém, o que separa eles são justamente suas funções quando usados em conjunto. Nesse caso, o Limiter tem apenas 3 funções o qual vamos passar os ajustes:

Threshold: - 3 db (dependendo o que você fez no compressor, pode ser bem menos!)
Output: - 0.2 db
Release: 256 ms (ou mais se a música estiver quadrada)

8) Dither
Quem procura melhores explicações para o dither clique aqui. O dither é a última seqüência da cadeia. Ao passar o mesmo ele irá evitar que algum sinal digital entre em conflito na conversão do áudio *.wav para o áudio da trilha do cd. Esse processo fenômeno chamado “truncagem” faz com que o áudio seja gravado corretamente no CD sem sofrer perdas de sinal com a conversão de um formato para outro.
No final de tudo, o som seguiu essa rota:

(clique para ampliar)

24 bits ou 32 bits float?
A maioria dos livros de produção falam nesse assunto. Uma coisa é lógica: 32 bits/96 Khz é o dobro de 16 bits/44 kHz (o sample rate de um CD) porém o que dois livros não falam que não é toda placa de som que faz isso. Por exemplo, num computador está instalado duas placas de som: Soundblaster Audigy euma M áudio Audiophile. As duas possuem baiscamente os mesmos processamentos, porém o difere as duas é justamente seu processamento. A Soundblaster foi feita pra reproduzir surround, reproduzir qualquer tipo mídia mas não é justamente um placa própria para gravação. O que vai acontecer é que quando você converter em 32 bits float, corre o sério risco de ouvir os “stream” da conversão (aquele som atrasado e flangeado). Já a Audiophile é ao contrátrio, pois além de reproduzir (porém somente canal estéreo) foi feita para gravar em alta qualidade. O resultado da conversão para 32 bits float é bem preciso e sem stream. Sugiro a você realizar teste de conversões e passar para o cd nesse sentido.

A masterização mostra realmente do que seu estúdio é capaz!
Você não sabe se a placa de som que você comprou é boa? Não sabe se os instrumentos que usa dá conta do recado? Não sabe se seu ambiente está bom? Não sabe se mixou ou gravaou direito? Pois bem, a masterização vai te mostrar isso!
Isso porque, tudo que você gravou (não importa quantos canais) vai virar 2 canais somente. (Se for para um DVD dá para fazer até para 8, porém isso é técnica surround) ou seja, todos os conflitos de freqüência, volume, ruídos, campo estéreo irão aparecer se eles existirem. Não jogue a culpa de um máster mal feito na mixagem, muitas vezes é necessário rever todos os passos desde a gravação, para ver o que deu errado numa música e por isso que muitos estúdios preferem só gravar e mixar e indicar para o cliente onde ele possa masterizar seu trabalho.
Toda música deve copiar o máximo possível o som de uma apresentação na vida real!

Dicas (técnicas desolvidas pelo Palco KH)

Volume alto
Não sabe deixar a música alta? Pegue uma música comercial, toque em cima da sua música e aumente o máster (ou bus) onde sua música está até ele ficar da altura da música que está escutando (ou próximo). Seu máster vai estourar. Veja quanto ele estourou (por exemplo + 5 db), coloque um plugin limiter e coloque no threshold o valor de - 5 db). Acredite, muitas vezes isso substitui a sessão de máster se a mixagem estiver no lugar! Isso só funciona na mixagem!
Obs: quanto mais qualidade temos no som, mais podemos aumentar o mesmo sem medo!

Pré máster
Um truque muito usado: pegar todos os aux/buss e converter em pistas. Após isso fazer o máster a partir delas.

Voz e trilha
Muitos estúdios especializados em mixagem nos EUA preferem que a gravadora mande 2 arquivos: um a trilha e na outra a voz. A partir disso, fazem o máster. Porém aqui você tem que estar ciente que todas as pistas estão sem conflitos, pois o que você vai fazer e nada além mais do que pegar e colocar todos instrumentos numa pista só sem a voz! Por isso, case bem a mixagem!

Um mono, um estéreo
Em muitas gravações você ouve dois canais idênticos. Por isso, uma maneira de fazer isso dando um “toque mais especial” é fazer um arquivo mono e outro estéreo de toda música.Após isso, colocar o canal mono para esquerda e o estéreo para direita. Para esse truque funcionar você vai precisar de um “stereo analyser” para colocar ambos em posições contrárias sem sair da fase. Isso é muito útil para efeitos binaurais ou sites da internet, pois os dois canais sairão idênticos, porém quase próximo a técnica de “big mono”.

Outros plugins que podem ser empregados

Bass enhancer: plugins como Rbass da Waves podem ser empregados na masterização também para reforçar os graves sem a necessidade de aumentar no equalizador, porém deve-se dosar com cuidado para não fechar o som. Tente primeiramente colocar o mesmo entre 20 – 80 Hz e ouça se ele está com resultado esperado.

Anti picos: exitem chamados “anti-peak” que evitam que o som “clip”, porém aqui o melhor mesmo é deixar sempre o pico máximo em – 0.2 dB.
Redutores de ruídos: alguns plugins possuem o efeito “noise floor”. Esse efeito faz com ele pegue os ruídos da gravação (principalmente elétricos) e elimine. Porém o resultado negativo disso é que ele “enfraquece” demais o som. Assim, como algo que “gordo” ficasse “magro” de repente.

Da minha parte é isso!
Sugiro que você sempre pesquise sobre o assunto, e quem sabe faça até algum curso sobre assunto!!

Bom fim de semana!!

Masterização: utilizando o sistema KH Master Multitrack – Parte 1

2011-06-27T06:22:00.000-07:00

Pra começa a semana, vamos um truque simples para deixar todas as músicas no mesmo volume criado por mim. Não garanto a eficácia, pois não sei o que você está usando, o que posso dizer é que suas músicas (dependendo o gênero) terão entre 1% ou 2% de diferença de volume uma para outra se você souber usar “seu ouvido” e os “analisadores” de forma eficiente.

Por que as músicas não saem no mesmo volume?
Sinceramente, pra mim isso ainda é uma coisa a ser aprendida. Lendo livros eles falam muito do uso de equipamento, conversores A/D, D/D e salas brancas, porém pra quem tem um home studio ou um pequeno/médio estúdio não há como ter esse luxo. Leio muitos tópicos sobre o assunto, mas sinceramente os que usei tiveram quase nenhuma eficácia. Por isso concordo com muitos produtores “rígidos” sobre o assunto: um bom máster depende totalmente da mixagem e da qualidade da gravação. Se ela está bem feita, nem é preciso passar pelo processo.

Som fechado
O primeiro princípio que algo ocorreu de errado na mixagem ou até na gravação é a falta de naturalidade do som. Quando finalmente colocamos todas as trilhas da música numa pista só, todos nossos parâmetros de equalização, efeitos e compressão se juntarão formando a música que gravamos. Se os parmetros estiverem corretas você estará escutando clara, porém baixa para o padrão comercial, do contrário ela estará baixa e fechada. As causas dissos são sem dúvidas primeiramente o equipamento usado e segundo a conversão da placa de som. Caso você tenha isso de ponta, então o erro está na mixagem!

RMS: é uma dor de cabeça!
Você provavelmente já viu aquela história que um aparelho de som tem 1000 watts POMPS e apenas 30 RMS e isso também acontece na sua gravação, porém de uma outra maneira.
Você passou um compressor de 6:01 threshold/ratio, colocou o input em +2 db e o output em – 0.9 db e ainda tudo está distorcendo ao invés de estar alto e claro?
Isso é sinal que sua música tem volume, mas está quase sem nenhuma qualidade RMS. E novamente, como se consegue esse volume? Na gravação. As pessoas tem mania deixar se levar pelo “metter” da DAW ao invés de seus ouvidos. O metter indica a altura que está sendo gravado o som, mas não indica a qualidade do mesmo (não sei se há plugin para isso) ou seja, muitas vezes se você gravar em alta qualidade há – 6 db é muito melhor do que gravar com uma qualidade razoável há – 3 db. A qualidade no RMS é conseguido também com os cortes certos na equalização e ajustes corretos na compressão. Se você souber quais são os instrumentos mais altos e souber casar direito com os instrumentos mais baixos, pouca coisa muda na hora do máster.

Estilos diferentes, forças diferentes
A música pode ser medida em força. As passagens com mais densidades sempre são os graves, seguida dos médios (densidade média) e dos agudos (fraca densidade).Isso irá refletir de cara no nosso máster. Um truque bem simples é pegar o plugin DR-T Metter e analisar uma música rock, depois um metal, depois um sertanejo, depois um rap e depois uma balada romântica. Você irá notar de cara que os volumes e a dinâmica, variam de uma música para outra. Isso quer dizer, se você colocar elas num aparelho de som, dificilmente todas terão o mesmo volume. Isso acontece muito quando ouvimos uma rádio: daqui uma música está alta, daqui a pouco está baixa e quando você percebe é só mudar o estilo da música que o volume muda junto. Músicas com muitos instrumentos, sempre são sujeitas a serem mais baixas que músicas com pouco instrumentos e isso acontece pois há mais espaço no campo estéreo para o volume.
Quando a música possue muitos instrumentos podemos colocar alguns num volume bem baixo apenas para preencher espaço, ou ainda em arranjos. Não se preocupe, pois na hora do máster, com certeza eles serão ouvidos!

Não sabe a posição (pan) dos instrumentos? Um velho truque da escola dos estúdios caseiros!
Aqui já postei muito sobre posicionamento (pan) dos instrumentos, mas para aqueles que ainda não conseguem acertar o mesmo eis um truque: voz no meio, instrumentos graves para esquerda, instrumentos agudos para direita. E como perceber se isso funciona? Pegue qualquer música bem masterizada, coloque o pan para esquerda e você irá perceber que os graves estão lá, coloque ele para direita e perceba que os agudos estão lá também, porém a voz sempre permanece igual nos dois lados!

Fazendo a masterização
Após você ter separado a pistas, você deve colocar no máster uns plugins ou apenas um plugin (no caso se for de máster como Ozone 4 ou T-racks 3) para fazer as seguintes etapas:

A) Equalização
O nosso ouvido escuta muito bem entre 1 – 8 khz e antes ou após disso, é necessário usar uns truques para ouvir as demais freqüências. Na masterização, o que temos que fazer é dar “low end” e “high end”, como na figura abaixo:

Esse tipo de equalização é muito comum em presets para função de masterização, porém se a mixagem não estiver bem ajustada, ao invés de som, você vai só acrescentar “fadiga” por isso tenha cuidado pois fazendo você vai subir todas as freqüências até mesmo as graves!Muitas vezes você precisa só de um ajuste cirúrgico, ou seja fazer um ajuste de uma oitava, e ficar varrendo o som até encontrar o ponto certo, como a figura abaixo:

B)Compressão
Quando falamos em compressão “pura” ou “vintage”, é quando pegamos um compressor e geralmente colocamos o ratio/threshold em 6:4, o attack em 20 ms, o release em 269 ms (depende muito do seu ouvido, ou do tempo (bmp) da música) e output em – 0.2 dB. Alguns preferem “deixar” alto valendo, nesse caso o release fica num valor “bem baixo” (nesse caso enquadra a onda), porém outros preferem aumentar o input (se o compressor tiver a função) ou ratio, para aumentar o release, deixando a música com uma sensação de pulsação, como se fosse um sidechain. Porém na compressão existe outros plugins que podem auxiliar a mesma:

Ganhos Harmônicos (harmonic gain)
Plugins com essa funções, fazem com que os harmônicos dos instrumentos realcem. Porém para isso, eles deverão estar bem gravados, equalizados e mixados, pois se por acaso sua pista estiver com ruídos elétricos, possivelmente eles virão a tona! Se caso você ouvir que som ficou pior do que melhor, é possível que há ruídos elétricos, e daí nem é bom usar essa opção.

Simulação de Vávula (tube warm)
A simulação de válvula ou tube warm, tenta “imitar” o som quente de uma vávula. Porém nem todo plugin consegue fazer isso, e ao invés de melhorar o som ele pode é piorar. O que vale aqui é testar, se melhorar muito bom! Senão, deixe pra lá.

Compressor multi banda (multiband)
O compressor multibanda pega as freqüências de uma determinada área e a comprimi sem distorcer o som. Ele é muito bom para “isolar” um freqüência que não conseguimos fazer usando o equalizador e muitas vezes, até substituir o mesmo.

C)Stereo Enhancer
Esse plugin colocará nosso som dentro do campo estéreo.
A maioria dos produtores prefere usar tudo centralizado, como se o campo estéreo fosse um círculo:
Isso você só poderá ver com um plugin de stereo analyser, porém ele pode ser “sentido” também. Quando o que você posicionou para esquerda está realmente na esquerda e o que você colocou na direita está realmente na direita, o som está certos. Você também pode fazer uns estéreos radicais de pan de 100% para ambos lados, porém isso é melhor com arranjos, para o mesmo não sair fora de fase. O som pode ser centralizado logo na mixagem, desde que forme uma figura totalmente estéreo, porém na masterização você pode colocar um plugin de stereo enchancher para reforçar o campo e corrigir imperfeições. Assim como o compressor e o limiter serve para não estourar o som, esse plugin serve para o som não sair do eixo estéreo.

Plugins VST, DX ou RTAS?
Os plugins DX tem menos qualidade que os VST, porém são mais leves!
O VST ainda é a melhor de qualidade de som porém pode ficar pesado quando usado em corrente.
O VST em relação ao RTAS (que exclusivo do Pro Tools) é mais pesado, pois o RTAS trabalha com a rota do equipamento instalado na DAW e o VST com o processo do computador. Porém muitas vezes nada disso importa. Plugins em cadeia do mesmo fabricante é que fazem a diferença no som! Quando fazemos isso, temos certeza que ele está trabalhando como o mesmo processo matemático. Se colocarmos um plugin de um outro fabricante, talvez na hora o som fique legal, mas quando juntamos esse plugin ao som, o mesmo pode mudar!Aqui o certo é sempre testar e ouvir.

Até aí beleza? Na próxima postagem mostrarei como fazer a masterização!

Abraços!

Mixagem: Quando os "plugins" enchem o saco!

2011-06-22T03:31:00.000-07:00

Toda a gravação é uma evolução!Não importa se você não tiver experiência ou se um "expert" renomado. Porém nesses tempos de Home Studio com tantas dicas na internet é muito mais fácil a gente "dar o pontapé" inicial. Quando comecei também achava que a placa de som instalada no meu computador (No caso uma Sound Blaster 16 PCI) dava conta do recado, pois também era outro que "achava" que o equipamento externo resolvia o problema! Quando descobri que uma placa de som profissional faz a diferença, comprei um M-Audio USB externa e achei que agora que tinha uma entrada mais "profissional" poderia esquecer os equipamentos externos. Daí então descobri que precisava "montar um rack" (mesa de som, equalizador, compressor) para fazer o som entrar mais "quente" no computador e quando finalmente achei que tudo estava resolvido descobrir "mais um monte de coisas" e a lógica mais cruel de uma gravação: não adianta ter um equipamento de R$1000,00 e querer que as gravações saiu como as gravações onde se investe "um milhão" em equipamentos. E ainda nem comecei a falar do ambiente....
Bom, depois de passar por "várias" experiências você acha que conseguiu achar o equipamento certo. Não precisou gastar um milhão, mas soa como se fosse feito por um e você tem que começar a se perguntar? Se que vale a pena passar tantos plugins?
A maioria dos donos de gravadoras de pequeno/médio porte e produtores que com troco idéias sempre costumam a "minimilizar" o uso de plugins. Errado passar muitos? Não se o som que você busca é algo que precise deles, porém na mixagem vejo que "exagero" de plugins pode causar algo inesperado.

Uma questão matemática
Para você ter em mente a idéia do que acontece “matematicamente” no seu som primeiro convido você a pegar um editor de som (como o Sound Forge ou Wavelab) abrir um arquivo de áudio (de preferência uma pista da sua gravação) e dar um zoom.
Quanto mais zoom a onda vai “enquadrar” até ficar parecido com isso:

É isso que o computador nos mostra, mas se houvesse uma maneira de “visualizar” (possa ser que até tenha, desconheço) os plugins passados no som, veríamos algo como a figura a abaixo:

Som analógico – Esse um som analógico normal, sem a adição de nada e também sem nenhum tipo de conversor A/D (analógico digital)]
Noise Gate – Esse plugin noise gate foi passado no som para limpar ruídos de intervalos.
Equalização – Após a adição do noise gate, foi mexido no som com um equalizador.
Reverb – Após o som sair como você quis, foi adicionado um reverb.

Aqui pode ocasionar o problema: se sua placa de som não for boa ao invés de um sinal continuo, você terá um sinal quebrado. Por outro lado, mesmo que você esteja usando uma DAW Pro Tools com todos os plugins em RTAS, em algum momento você terá essa “quebra” pois ainda teremos muitos processos matemáticos.

Solução: modo real
Como os plugins são processos matemáticos, desconheço uma maneira melhor do que trabalhar com os mesmo numa mixagem em tempo real. Ou seja, acrescentar os plugins e rodando os mesmo em conjunto. Um truque que aprendi recentemente é primeiro equalizar o bumbo (kick) e a caixa (snare) colocar no mesmo volume e partir deles “casar” os outros instrumentos, porém após eles ficarem casados, praticamente todos os volumes devem ser “zerados” para que possamos construir a mixagem em torno da voz (pois ela sempre é o instrumento principal). Isso dá trabalho, mas o resultado é muito satisfatório o problema que queremos “coisas rápidas” principalmente quando o cliente está nos pagando por horas trabalhadas (no meu caso, prefiro fechar um preço X com o cliente para com que possa trabalhar em “paz” na hora da mixagem)e o que vai acontecer com até mesmo o melhor equipamento, quanto mais plugins colocarmos nas pistas teremos uma redução no desempenho do processador do computador e é aí que entra o consenso: tentar trabalhar com o mínimo de plugins.

Então o que fazer?
Nesse caso, podemos apelar por uma função salvadora, chama “auxiliar)
Quando gravamos uma banda teremos 8 canais para bateria (dependendo o kit que ela usa), um para o baixo, um para guitarra, um para o teclado (ou outra guitarra) e um para voz (2 se houver back) e logo criamos auxiliares (aux, buss) para cada seção. Uma maneira prática e rápida e que todo mundo usa é fazer “casar”, por exemplo, o bumbo com o baixo num Aux, o resto da bateria no outro, um só para sessão rítmica e outro para as vozes, porém quando você começar a colocar os plugins nas pistas e ainda mais algum no auxiliar o som, o processamento vai pesar. Nesses casos, apelamos para um “pré máster” que nada mais é fazer um “ajuntamento” dos seus auxiliares numa pista só em estéreo ou mono dependendo o que quer.
Quando por exemplo, colocamos a seção da bateria e do baixo numa pista só, podemos até deixar o resto na tela, pois você irá fazer um “compilamento” de som (no caso tiramos as 8 pistas da bateria e mais a do baixo e colocamos apenas em uma pista) Ou seja, sua gravação que tinha 16 pistas e 4 auxiliares, agora passa ter 7 pistas e 4 ou 3 auxiliares (dependendo onde você vai colocar o aux da bateria). Há casos em que podemos colocar tudo em auxiliar só (no caso os instrumentos) e outro para a voz (isso é uma técnica mais comum do que você pensa principalmente se você pedir para um estúdio fazer masterização).

Evite achar que um plugin resolve a vida!
Muitas das gravações que analiso (seja que me pedem ou até mesmo um cd comercial) o que vejo é um passamento excessivo de plugins. A melhor solução quando um som não fecha na mixagem é refaze-lo, ou seja: gravar novamente!

Ótimo fim de semana!
Ótimas gravações!

O som gravado no computador não é a mesma coisa que um sou gravado numa fita ADAT. Pra começar o som do computador é uma "sequência matemática" que nós da como resultado final o que escutamos e numa fita ADAT é algo mais natural, pois ela grava o que você está escutando (atire a primeira pedra quem nunca passou por isso: o som que você escuta quando chega no computador não é o mesmo que você ouviu)

Umas dicas de "Auto Produção"

2011-06-21T03:00:00.000-07:00

Umas dicas de "Auto Produção"

Última Atualização: 21-06-2011

Dicas de outros músicos e que encontro por aí na internet como se "auto produzir", lembrado que uma coisa pode dar certo e outra não, depende do seu propósito usual.

1)Faça o que te dá prazer
Sabe que aquela coisa que todo músico famoso diz "permaneça num estilo e seja fiel a ele" é a pura verdade. Mesmo você achando que seu estilo não é "comercial" lembre-se que a "moda muda". A maioria dos artistas que fazem um estilo "que não é sua praia" será preciso um "jabá" pra se dar bem e logo caem no esquecimento e já quem faz o que gosta faz bem feito e tem garantia de satisfação e sucesso pois isso o público adora ver, o público ama ser cativado.
A prova disso é que muitos estilos demoram anos pra emplacar, apesar de estarem mercado há muito tempo.

2)Deixe a música perto da perfeição
Um dica é sempre fazer "uma coisa que ninguém fez ainda" ou que "todo mundo esqueceu" ou ainda "misturar" pra quem não é purista. Mas o mais importante é deixar sua música "pronta" como se fosse gravar um cd amanhã, com a hamonia, melodia, arranjos e vocais todos no lugar. Isso passa ao público uma sensação de "profissionalismo" e que você tem realmente talento pra fazer uma música. Não se engane o público não é bobo , ninguém gosta de ouvir música mal feita e mal tocada!

3)Supreenda o público
É a tática mais manjada da música há muito tempo... Porém ainda funciona muito bem quando usado de forma correta. Muitas vezes quando alguém fala "agora a banda vai tocar uma música própria" o público meio que se desliga da apresentação, porém ser você tocar sua música primeiro e depois anunciar que a música é de autoria sua você pegará o público de surpresa. A glória total é quando você esquece de dizer que a música era da banda e alguém depois do show chega e fala: "Uau! De quem era aquele som que vocês tocaram?" e isso já aconteceu comigo quando tinha a Pi Banda e olha que não fizemos de propósito e sim por que esquecemos de anunciar a música!

5)Auto estima
Talvez o fator mais importante dos músicos de sucesso!Você tem que saber que há pessoas que te elogiam, pessoas que te criticam positivamente, pessoas que te criticam negativamente, pessoas invejosas e pessoas que querem te destruir!Evite pessoas frustadas com a música (tem de pencas por aí) que pra fazer sucesso precisa de pistolão, jabá, que tem muita gente no ramo, etc... Alguns pontos são verdade mas o que você de ter é determinação pois como disse o produtor Carlos Eduardo Miranda (do Astros do SBT) na revista Bizz "fazer sucesso é como jogar videogame você tem várias fases e chefões para passar".E não ache que você está livre da "depressão musical" isso acontece com todo mundo inclusive até pra quem tem fama, a questão é quando isso te acontecer, ouça uma música positiva como "Tente outra vez" do Raul Seixas.Aprenda separar "o que presta e o que não presta" e tenha bastante humildade para ouvir a todos.

6)Grave um CD, divulgue para todos
O primeiro CD sempre é complicado de gravar....O pior problema é que isso custa dinheiro... Mas tenho uma idéia sobre como divulgar um CD e ainda ganhar um troco em cima disse. Essa idéia eu copiei de uma banda de baile que gravei no Rio Grande do Sul. Eles gravaram somente a voz o resto era tudo MIDI ou seja puro playback e ainda as músicas eram todas côver e eles colocavam pra vender esses cds no shows que faziam e pessoal os comprava a um preço acessível como 5 reais mas a capa era uma foto da banda feita com xerox colorido e o cd não era prensado. É uma idéia válida e que funciona bem quando usado com criatividade.

7)Use o Twitter, use o Orkut
O Twitter e o novo Orkut são uma mão na roda para divulgar suas músicas. Basta deixar mensagens para seus amigos e seguidores de onde encontrar algumas músicas das bandas.

8)Crie um blog
Dispensa comentário, um blog abre vários caminhos quando bem feito. Sempre mantenha o atualizado, pois você não sabe quem o visita. Quem sabe pode ser um empresário?

9)Coloque sua música para os outros ouvir
Ou seja, deixe sua música num site gratuito onde todos possam ouvir. Se preocupe com os direitos autorais só depois que sua música tiver bem divulgada,aliás, uma maneira bem simples para registrar sua música é escrever a partitura e autenticar em cartório pra quem mora fora de uma capital, mas lembre-se que as músicas comerciais só são reconhecidas pela UFRJ Escola de Música no Rio de Janeiro.

10)Com capital, procure um produtor
Assim que você tiver um capital, procure um produtor para ele finalizar sua música e ainda indicar empresários do ramo.

Links que podem te ajudar

Seu estilo está pronto para o mercado?
Meu primeiro CD é um DVD!
Como você compõe?
Chega de Covers!
Editora musical
Home Studio a todo vapor!

PRODUÇÃO: Seu estilo está pronto para o mercado?

2011-06-20T05:08:00.000-07:00

O mercado da música é uma coisa muito engraçada. Na verdade, a gente nunca sabe direito o que está acontecendo. De experiência própria: quando comecei com banda o mercado era dominado pelo axé e pelo pagode, depois mudou para rock e pop de novo, depois mudou para o funk carioca, depois mudou novamente para o rock (porém tão choroso quanto um sertanejo) e depois mudou para o sertanejo universitário. Antes que um monte de gente de plantão reclame, o Brasil é um "país rural" ou seja, demorou demais até para o sertanejo assumir o controle total do mercado. Claro que o sertanejo só foi maquiado nessa história de "universitário" só para dizer que até quem faz faculdade o curte (engraçado que isso não ficou tão diferente nas cidades do interior) pois o mesmo de certa forma era descriminado (eu me lembro que era uma gozação geral da cara de quem curtia sertanejo) mas enquanto isso está alta, a coisa que fica pensando é quem a bola da vez?
Pra mim o mercado foi dominado por "artistas produzidos musicalmente" ou seja, quem anda por cima de tudo são os produtores que produzem e oferecem aos empresários o produto e os mesmo decidem se ele irá caber ou não mercado. Um artista produzido pode ser até um grande músico estudado, mas prefere poupar seu conhecimento para ouvir o que o produtor tem a dizer. Isso não é para "causar depressão em ninguém" é pra você abrir a cabeça para o que está por vir.

Um público fiel
Nós também vivemos numa época em que muita gente só ganha dinheiro com shows e direitos (quando pagam corretamente) de músicas executadas pelo ECAD e o maior motivo disso é a pirataria. Quando o artista lança seu novo trabalho muitas vezes antes do lançamento oficial já está na internet (queria saber como acontece isso). Para evitar isso alguns países como a França tomaram "atitudes radicais" como proibir qualquer reprodução de músicas e download bloqueando o "IP" de quem disponibiliza os arquivos (pra quem não sabe a primeira dama da França Carla Bruni é uma cantora famosa, daí já dá para ver a "jogada política") e muitos artistas independentes que tinham sites com suas músicas para baixar foram vetados (por não estarem com uma gravadora) e possivelmente migraram para o My Space.
Enquanto no Brasil o maior recorde de vendas de um CD original artista em 2010 foi divido entre Luan Santa e Ivete Sangalo, pouco coisa se divulga que a música Gospel vendeu muito mais que qualquer outro estilo no ano passado.

Pra começar, o Gospel envolve vários estilos: pop, rock, reagge, soul, sertanejo, etc...E o público é dedicado e fiel por isso prefere comprar CDs originais do que baixar ou comprar a cópia num camelo e isso é um grande reconhecimento para o músico que dá duro em compor e gravar seus louvores a Deus!Eu acho isso uma maravilha pois muito bonito ver tanta dedicação!
Um estilo também que vende muitos CDs originais são os metaleiros. Apesar de hoje em dia o mercado andar em baixa, o pessoal que curte "rock pesado" anda na contra-mão da pirataria justamente por um motivo: qualidade. Segundo a revista "Cover Guitarra" esse público além de saber que a qualidade técnica do CD/DVD é melhor que uma cópia, gosta de ver as letras, fotos, detalhes da produção que o material original oferece. Nessa mesma linha segue o público de Jazz, pois seguem essa tendência

Sem uma boa ideia nem o produtor mais famoso pode conseguir te lançar no mercado

Uma vez eu vi uma sátira da revista MAD mostrando que o produtor musical era mais famoso que o artista que produzia. Isso pode acontecer em alguns casos. Como dito antes, a maioria dos produtores são músicos que além de conhecer música estão por dentro do mercado. De vez em quando no twitter de alguns produtores famosos que sigo vejo as pessoas dizendo: escute meu trabalho!(como se o mesmo pudesse se encantar e levar a pessoa para a fama). Mas para, até o melhor trabalho (talvez se for algo que ele achar divino) a resposta é mesma: gostei e é tanto ($$$) para produzir. O músico que achar que a vida é como no filme "The Wonders" vai ficar decepcionado, porém o músico que enxergou a chance, sai atrás de patrocínio para bancar o CD. Porém se você está fazendo o mesmo que todo mundo faz, quais as chances de sucesso? Muitas vezes você faz um estilo de música e acha que o público não vai gostar por ser uma coisa que chega a beirar no "experimental" na verdade é o que vai virar a nova tendência do mercado e isso aconteceu com muita gente. Tudo que é diferente chama a atenção do mercado, pois o público "inconscientemente" gosta de novos sons a prova disso como disse um amigo meu que "muitos estilos são um lixo, mas chamaram atenção do mercado por serem diferentes e muitas vezes é isso que o produtor/empresário/gravadora procura.

A todos ótima semana!!!

Gravação, mixagem e masterização: quando aplicamos errado os efeitos

2011-06-15T03:58:00.000-07:00

SALVE!!!
Muitas vezes temos uma idéia na cabeça... Que efeito nós queremos que o som faça....Porém quando não sabemos algumas coisas (do tipo equalização, frequencias, cálculo de delay, cálculo de velocidade em hertz, decay) podemos ao invés de fazer um efeito, fazer uma coisa "estranha" pois muitas vezes, só o ouvido não serve. O que vou passar agora, é apenas alguns "efeitos" que são os mais usados em instrumentos, VSTi e Midi para "incrementar o som" ou seja: Reverb, Delay, Chorus (não vou falar do compressor, pois o mesmo está relacionado a volume) que ao mesmo tempo pode dar um "calor" na sua música, pode também "acabar" com a mesma!

Reverb
O mais famoso dos efeitos também é que nós faz cair mais em tentação!

Na gravação: não é aconselhado de forma nenhuma quando se usa captação de ambiente (por exemplo voz, guitarra e violão), porém quando fazemos em "linha" podemos nos arriscar colocar o mesmo desde que você saiba o que faz. Por exemplo: casar o reverb da guitarra com o da caixa, casar o reverb do piano com o do violão. Se acaso você estiver usando um VSTi ou uma Midi, procure escutar se esse o som que você quer, pois possivelmente depois você vai ter que casar com os outros reverb que aparecerem.

Na mixagem: a maior tentação de todas: a ambiência "não casa" e tentamos despesesperadamente apelar para o reverb para tudo fechar!Muitas vezes um plugin chamado "ambience" (que simula ambientes) pode resolver isso do que um reverb. Se você tiver usando uma placa de som "não profissional" vá dosando aos poucos! Pois as mesmas processam matematicamente os efeitos em atraso (como se não houvessem ganho e isso tira qualidade do som) e escute bem a ambiência nos fones de ouvidos (que devem ser bons). O melhor aqui é usar o "bom senso" ou seja, casar certas pistas com o mesmo reverb do que passar em tudo que a direito...

Na masterização: reverb no master é uma coisa muito "particular" alguns usam, outros não. A verdade que muitas vezes é melhor você não usar nada de reverb na gravação e na mixagem e deixar para o master. Porém isso é uma caso a parte. O ser humano ouve demais entre 200 Hz e 4 kHz, por isso muitas vezes podemos botar apenas o reverb nessa faixa ou ainda mais reverb na faixa de "brilho" (2 - 6 kHz), porém essa uma decisão "muito" particular.

Delay
Subistituto do reverb, criador de camada, e resolve desafinações (porém pode causar desafinação também)

Na gravação: o delay é o melhor reforçador de som que inventaram. Basta você criar um com 30 ms e zero de feedback e de cara você já tem um "pseudo estéreo", porém como o reverb pode ser acrescentado na mixagem. Dependendo do caso, você já pode grava-lo direto sem problemas, desde que ele corresponda o que você tem em mente. Por exemplo, gravar um vocal com um delay de 250 ms no canal esquerdo e 50 ms no canal esquerdo (a 120 bmp) cria aqueles efeitos que ouvimos nos vocais de hard rock dos anos 80. Já com uso de VSTi/Midi é o cria aqueles "efeitos" marcantes da música eletrônica (juntamente com uso do chorus) porém como reverb ele tem um cuidado: se você não souber pelo menos chegar perto do "tempo" da música com delay, seu instrumento vai soar "desafinado" no campo estéreo.

Na mixagem:dificilmente alguém não se rende a "tentação do delay". Seja para reforçar o som criar "camadas" nas guitarras e voz. Dificilmente um som de "sintetizador" (MIDI ou VSTi) não possue delay, pois ele é responsavel por "dobrar o som". Como na gravação, você deverá ter os mesmos cuidados pois ele vaz o que já foi dito antes:se você não souber pelo menos chegar perto do "tempo" da música com delay, seu instrumento vai soar "desafinado" no campo estéreo.

Na masterização: dificilmente ele é usado na mixagem, porém existem "técnicas em delay estereo" que usam para "pulsar a música" ou "enquadrar a mesma no campo estéreo". Particularmente nunca fiz, mas quem quiser tentar (ou ouvir) é só fazer o seguinte:

1)Pegue um plugin de delay estereo e logo depois dele um plugin de stereo analyser.

2)Se a música tiver em 120 bmp, coloque 250 ms no lado direito (isso fará o som ficar em colcheia) e depois 125 (o som ficará em semicolcheia e sem nenhum feedback!

3)Vá zere a função dry/mix e vá aumentando aos poucos até sentir o som ficr grande.

4)Você deve ajustar o delay até que o analyser informe que o som está dentro do campo estéreo, como a figura abaixo:

repare o que estamos fazendo "aqui" é só substituir um plugin de "stereo enhancer".
um link muito legal!!! aqui o site "Whipin Post" oferece além de mostrar o tempo em bmp do delay também mostra o tempo em hertz, podendo por exemplo, ajustar ou atrasar efeitos como reverb, chorus, flanger, compressor no tempo da música!

Chorus
O chorus foi um dos primeiros efeitos inventados, derivou muitos outros chamados de "modulação" como trêmolo, phaser e flanger. Sua função é criar um "corô" no som, aumentado o som com uso de polifonia (número de vozes num som.

Gravação: o chorus apesar de ser mais antigo, o chorus começou a ser usado mais nas gravações a partir de 1981, onde nas guitarras/violão/baixo deixou as notas mais definidas e na voz deixou a mesma mais audível. Não há problemas em usar ele na gravação pois ele é um efeito que "criamos" e não faz "alterações de som" (tipo afinar ou desafinar). Ele é ensencial nos sintetizadores, pois as modulações sonoras (serra, fita, triangular, onda) parte dele. Sons grandes depende dele também.

Mixagem: basicamente a mesma coisa que na gravação. Pode ser interessante colocar em pistas como xipo, caixa, baixo ou até mesmo bumbo, para dar uma "cor" diferente na sessão do ritmo.

Masterização: nunca ouvi falar em usar esse efeito aqui. Alguém já usou? Provavelmente! Lembre-se que em música vale tudo!

Mais sobre efeitos: consultar resultadosno blog.

Ótimas gravações!!!

Produção: Muitas vezes o melhor é relaxar

2011-06-06T04:57:00.000-07:00

O complicado de ser músico/engenheiro de som/produtor numa paulada só é que muitas vezes tudo cai nas costas de uma pessoa só e principalmente quando você está gravando a si mesmo.A gente não termina nem o primeiro processo que é criar e já vai pensando nos próximos processos! Isso é comum, acontece com a maioria das pessoas e principalmente aquelas que além da música tem que trabalhar em outra coisa já que muitas vezes tocar na noite, gravar ou produzir não dá muito retorno antes de fixar o seu nome no mercado.
Ontem eu comecei a fazer uma nova mixagem. Mas qual a diferença dela em relação as outras que eu fiz? Dessa vez estou mais relaxado. Pra começar enchi o "saco" de ficar cortando com isso com aquilo, decidi deixar o som mais "natural" para ver o que acontece quando aumentar tudo no master. E antes de começar a fazer esse mixagem fiquei um mês sem mixar nada, só estudando e só gravando.
No meu estúdio, primeiramente resolvi além de mudar o computador também aterrar tudo, o que está tornando o som bem mais limpo. A única coisa que me deu um "baque psicológico" foi ter queimado minha pequena e eficiente M-Audio fast track (usava ela mais como processador de efeitos)e tive que voltar a usar novamente em excesso a V-Amp2. Ontem de noite consegui gravar um solo bem legal numa música que há tempos já pedia um solo desse tipo que em breve pretendo publicar e só consegui isso porque estava bem relaxado (olha que fazia 3 dias que não tocava guitarra). Quem puder olhar hoje a postagem no meu outro blog vai ver que escrevi uma postagem sobre porque sempre ficamos pensando o que as pessoas acham de nós. Os músicos que já vi vencer na vida tinham 3 coisas em comum: auto-estima, estudo e eram pessoas bem relaxadas!

Pense nisso!!!

Abraços!!!

Gravação: Fazendo um "estéreo a la KH" parte 2

2011-06-03T02:16:00.000-07:00

Salve!!! Pra terminar a semana, vou mostrar a você a segunda parte de como faço um "estéreo a la KH" Aqui dessa vez, vou explicar como ele funciona numa pista. Na minha nova música "Mulher Perfeição" criei várias camadas de guitarras com esse tipo de estéreo, por isso vou explicar como fiz isso usando como exemplo a DAW Sonar (na verdade eu fiz com outra menos popular) as linhas da guitarra. A partir desse exemplo você pode criar qualquer em qualquer outra linha. Uma coisa que faço muito na voz não é usar efeitos, é fazer isso gravando ela em vários ambientes em várias pistas e depois deixar tudo "largo como um coral". Você perde um pouco de campo estéreo, mas evita o uso excessivo de efeitos como "auto tune".

Lembrando, que vou seguir esse esquema abaixo (que você deve ter visto na primeira postagem):

Siga a figura abaixo (clique para ampliar)

1)Guitarra gravada no canal esquerdo.
Essa guitarra foi gravada vindo direto do processador de efeito (no caso a Vamp2). Os ajustes do som foram fornecidos direto do mesmo.

2)Guitarra gravada no canal direito.
Essa guitarra foi gravada vindo direto da saída amplificador (no o Fender) sem nenhum efeito e com equalização "flat" (zerado).

3)Na guitarra 1 No caso de colocar um plugin aqui se precisar, cabe a você determinar o que quer pois essa pista já está "pré gravada" com efeitos (a menos que seja um som seco também) por isso muito cuidado! Um efeito em cima do outro o som tende a "embolar"!
Já na guitarra 2 como o som está completamente "seco" você coloca o que quiser nele! Por exemplo, se você fez uma linha "rock" pode acrescentar um simulação de amplificador, se você fez um linha funk, pode adicionar aqui um efeito do tipo "phaser", se você linha clássica, pode acrescentar aqui um "delay", enfim o que sua imaginação quiser!

4)No AUX/Master Buss cabe decidir o que você quer fazer. Uma dica: aqui você pode colocar algo que "aqueça" o som como um compressor ou ainda, um "stereo enhancer".

Como evitar "conflito de fases"
Você precisará de um stereo analyser (um analisador de campo estéreo) para medir o balanço dos dois canais monos. Como eles já estão com uma correlação positiva (um pra esquerda e outro pra direita) é mais fácil de ajustar, pois não há invasão de posicionamento de "pan" como acontece quando temos duas pistas completamente estéreo. Uma dica: se o som estiver no meio do analisador como se fosse "uma bola oval" está na fase! Porém não se esqueça que podemos fazer estéreo radical nessas pistas (todo para esquerda ou todo para direita) e depois ajustar todo o som no master.

Engordando o som.
Como você tem "duas pistas" iguais em mono você pode engordar o som! Como? Colando efeitos diferentes nelas. Faça um teste: coloque um reverb na pista esquerda e um chorus na pista direita. Coloque cada um para seu lado e crie um Aux/master buss. Grave outras 2 pistas usando o mesmo processo, coloque cada um para seu lado e crie um novo Aux/master buss. Após isso, coloque qual som você quer para esquerda ou para direita. Outra maneira de fazer isso é deixar as duas nos centro com efeitos diferente e ir "dosando" o volume dos mesmos (deixar a pista principal em evidência).

Abraços!!! Ótimo fim de semana!!!

Gravação: Conexões in e out

2011-05-31T05:39:00.000-07:00

Muitas vezes ficamos pensando: onde se liga isso? Onde se liga aquilo? Hoje vou resumir tudo isso numa postagem simples e direta.

1)Pra começar pra tudo tem que haver um in (entrada) e um out (saída)
Os nomes "IN", "ENTRADA", "RETURN", "RETURN OUT" é tudo que se refere a entrada no equipamento de aúdio, Os nomes "OUT", "SAÍDA","SEND", "SEND IN" é tudo que se refere a saída no equipamento.
No mais é só fazer o que fazemos a muito tempo:

IN -> OUT -> IN -> OUT
IN -> RETURN / OUT -> SEND
ENTRADA - > SAÍDA / SAÍDA ->ENTRADA

Não importa quantos equipamentos serão ligados, deve haver uma entrada para a resposta de uma saída. Ou um saída para resposta de uma entrada.

2)Onde conecta aqui?
Está na cultura brasileira não ler manual e ainda xingar técnicos e produtores quandos os mesmos não sabem como fazer a ligação sem conhecer o equipamento!
Por isso, ao comprar um equipamento leia bem para que serve suas entradas e saídas. SE não tiver manual, tente baixar na internet. Por exemplo, em um aparelhos de som:
Aux in/out - serve para escravizar o aparelho em outro e assim reproduzir o som do mesmo. Por exemplo, Entrada da placa de som via cabo Y no AUX do som.
Numa mesa de som a função rec in/out faz a mesma coisa que main in/out pois a função delas é reproduzir o som que está sendo enviado a mesa em um sistema de gravação ou reprodução, então se você ligar as duas saídas da mesa de som na entrada de uma placa de som, ela vai fazer a mesma coisa.

3)O que faço não sai som!
Isso pega a gente até os mesmo com horas de gravação no pulo! Por exemplo, quando instalei num estúdio uma placa Delta 1010 e não saía som mesmo com tudo seguido a risca no manual. Até descobri que na interface da M-Audio a saída (out) tinha que estar na função "stereo link" foi uma briga! Da mesma maneira as entradas (in) que para gravar você tinha que apontar quais os canais que estava usando! Ontem mesmo eu estava gravando uma linha de guitarra seguindo o meu sistema KH Estereo quando vi que o lado esquerdo estava sem som. O lado direito tinha processador de efeito, do outro uma mesa de som processando um plugin via ASIO. E nada de sair som! Desmontei tudo e nada! No final fui descobri que a mesa de som estava desligada! Viu como coisas simples dão dor de cabeça?
Dificilmente você vai errar e sempre se lembrar que "um in é a pergunta pra um out". O "out" é a resposta do in.

4)Cuidados com os nomes!!!
Muitas vezes um nome não quer dizer a função correta. Por exemplo em muitas mesa TAPE IN/OUT se refere a entrada do aparelho ADAT e não a entrada do som!LEIA SEMPRE O MANUAL!!

Abraços!!!

Gravação: Fazendo um "estéreo a la KH" parte 1

2011-05-26T05:29:00.000-07:00

Hoje convido a você fazer um outro tipo de gravação! Gravar em dois canais usando timbres ou sons diferentes! Esse tipo de gravação utilizo muito dá um excelente resultado para seu som!!!
Vamos supor que você esteja gravando um vocal. Porque gastar tempo vendo se ele vai ficar bom com um equalização X e outra Y? Ou ainda, será melhor colocar reverb ou delay? Vamos supor que esteja gravando uma guitarra: que tal gravar usando num canal o amplificador com microfone e no outro em linha uma pedaleira e ver o resultado que fica melhor? Você está gravando um teclado, que tal gravar dois timbres simultaneamente e decidir qual deles ficou bom para música? Vamos aprender isso duas postagens!!!

Só um detalhe: preste bastante atenção nos esquemas dessa montagem! Pois são cruciais no processo final!!!

Como funciona?
Primeiramente, você tem que ver qual a entrada da sua placa, e que tipo de plugin ela aceita. A maioria das placas simples de som é o plugin P1 (o banana pequeno), já nas placas de som mais profissionais é entrada RCA. Você tem que ver que tipo é a sua entrada, lembrando que se usar apenas um plugin, ele tem que ser estéreo e se usar 2 monos ambos devem entrar separadamente em cada entrada.

Existem 3 maneiras de fazer isso:

1)Com cabo Y
Primeiramente você terá que dividir som, para que o mesmo vá para os canais direito e esquerdo separados. O primeiro esquema é utilização de Cabo Y para usar tanto na entrada como na saída.

Esse é um “cabo Y” e existe vários tipos (clique aqui para ver ) e você tem que achar o qual cabe na entrada da sua placa de som. Já para o instrumento a maioria das entradas é P10 (o plug banana) porém os microfones são sempre entrada balanceadas (3 pinos) e um cabo Y (1 balançeado + 2 P10) só fazendo mesmo. Abaixo você confere as conexões com cabo Y:

(clique para ampliar)

Porém, se você tiver um instrumento como um teclado que tem duas saídas separadas (direita/esquerda) basta apenas colocar cabos simples, deixando o cabo Y somente para placa de som:

(clique para ampliar)

Para o microfone, a melhor solução é montar um “dividor de instrumento” Para fazer com que cada canal entre com um som diferente na sua placa de som (entra 1 sai 2)
ou seja, o instrumento entra por um entrada e sai por duas saídas. Você terá que montar, basta seguir o projeto abaixo:

(Clique para ampliar)

O esquema aqui é bem simples: 1 jack para entrada e 2 para saída!
Assim você pode colocar sem problemas o microfone ou outro instrumento:

(Clique para ampliar)

2)Com a mesa de som
A ligação com a mesa de som é a mais fácil que tem, porque basta colocar as duas saídas do cabo Y/divisor em duas entradas na mesa. Na mesa, você pega o botão “pan” e colocar um totalmente no L (esquerdo) e outro totalmente no R (right), depois gravar separado.

(Clique para ampliar)

3)Ligação com direct Box
A ligação com diect box também é simples, porém se você ligar somente o direct box você precisará de um cabo Y espescial (entra 2 baleançadas e sai um P1 ou dois RCA)

(Clique para ampliar)

4)Outros esquemas de ligação
Dá para fazer vários processos de ligação sempre respeitando a regra do In/Out (entrada/saída) o que importa é que no final da cadeia, você consiga um som estéreo com os canais separados e com sons diferentes!!!

Na próxima postagem, falaremos como isso funciona em sua gravação!!

Abraços!!

Vendo Yamaha PSR 630 (2000)!!!

2011-05-24T06:04:00.000-07:00

Vendo! Teclado Yamaha PSR 630!

Acompanha exclusivo CD de ritmos (mas de 1000 incluindo brasileiros) e guia
de instruções rápidas! Veja o que ele possue:

Ano fabricação: 2000
- General Midi/XG
- Driver de disquete
- Touch sense
- Pitch Bend
- Efeitos
- 700 timbres (XG e GM)
- MIDI IN/OUT E OMNI
- VISOR LCD com função noturna
- Rápida localização de timbres, músicas e estilos!

Veja a demo!!!

Veja uma música que gravei com o mesmo:

Preço:
Esse teclado vale entre R$1200 e R$1400 estou vendendo por R$950 a vista!!!
Outras formas de pagamento somente em cheque e a combinar! (o preço pode variar)

Contato:
palcokh@yahoo.com.br
rafael.kh@gmail.com

Masterização e gravação: qual o equipamento certo?

2011-05-23T06:10:00.001-07:00

Muitas vezes alguém me pergunta: qual o equipamento certo pra gravar?Mixar ou masterizar? Isso é uma coisa que me deixa meio sem “ação”. Uma porque para uma coisa ficar bem feita não é só necessário os equipamentos, você precisa de outros fatores como ambiente, energia elétrica (aterragem, fases, harmônicos), desempenho dos músicos, equipamentos, entrada, saída, etc... Enfim, uma série de fatores que determinam o resultado da nossa música. Muitas vezes alguém fala comigo que está seguindo o que eu posto mas não está obtendo resultados. Quando pergunto sobre esses fatores sempre falta um deles e de repente algo muito básico como “aterramento” pode fazer toda a diferença! Como fazer uma gravação soar bem? Você tem que ter os equipamentos, o ambiente e os músicos que te ajudem a fazer com que a música saia o mais “ao vivo” possível, como se os músicos estivessem em nossa casa e pra isso é necessários os dois principais quesitos : conhecimento e ouvido. Não duvidem desses dois quesitos! Já vi gente experiente fazer um CD soar próximo a um CD comercial usando apenas placa on board! Aliás, pra qualquer produtor que você uma pergunta do tipo “que equipamento comprar?” o mesmo vai ficar meio sem ação! Nos livros de gravação que leio a resposta é sempre a mesma: o equipamento tem que ser o que você obtenha o som mais limpo possível, não importa se custa um mil ou um milhão. Porém minha opinião pessoal é que o equipamento melhor para gravar tem que ser uma junção entre analógico e o digital usando como “ponte” um bom conversor A/D. Pouca gente sabe, mas coisas do tipo “harmônicos” não é só na música, existe na energia também e eles influenciam muito o resultado final da nossa música (se você conseguir comprimir sua música em 10:4 ratio (ou threshold – 10 dB) com um attack de 20 ms e um release de 50 ms e sua musicar soar alto mas compreensível, você pode ter certeza que seu equipamento de gravação e seu ambiente estão bons! Quando ela soa assim em ambientes não tratados ou equipamentos ruins os ruídos “harmônicos” da energia elétrica irão tomar de assalto o seu som!!!
Um outro fator que determina muito que equipamento comprar é o que você quer gravar. Por exemplo, para música eletrônica uma boa placa de som e um controlador USB, um bom microfone de captação e saber mexer na DAW Fruit Loops está feito a festa!!! Agora se seu objetivo é gravar uma banda e não gosta de apelar para plugins pode começar a pesquisar periféricos para isso como compressor, equalizador, potência, mesa....
Por isso o bom mesmo é você pesquisar na internet sobre o tipo de som que planeja gravar, nela tem resposta pra tudo e sempre trocar informações com quem grava desde profissionais e até mesmo quem está começando. Porém se você pesquisar em português pouca coisa vai achar sobre o assunto, se ataque no tradutor e boa sorte!!!

ÓTIMA SEMANA!!!

Gravação: como aterrar seus equipamentos e acabar com os Ruídos elétricos

2011-05-20T05:18:00.001-07:00

Hoje, teremos uma aula sobre eletricidade. Parece até besteira (afinal esse blog trata de música e não de energia) porém esse é o principal causador de ruídos e tormento dos home studio e estúdios pequenos. Quanto a isso, não é muito o que fazer pois tudo já foi falado nesta postagem porém o que vou falar mais será mais voltado ao aterramento do seu computador e do seu equipamento.

Por que aterramos?
Muita gente irá ter falar que você não precisa aterrar um equipamento nem seu computador pois isso dificilmente danifica o equipamento. Porém se você tiver um pico de luz do nada, corre o risco de queimar alguma peça! Isso é porque a energia tem que se “dispersar” em algum lugar. Se você tiver um terra ela irá se dispersar no chão, mas se não tiver? Advinha: no seu equipamento! Mas não é só isso, equipamentos não aterrados podem dar choques e principalmente dar ruídos elétricos! Os ruídos elétricos não são percebidos até -16 dB, porém como você tem que gravar perto de – 3 dB, eles vêm a tona.

Quais freqüências que a falta de aterramento atinge?
Os locais não aterrados atingem diretamente as freqüências médias de 320 Hz a 4 kHz, justamente onde a música precisa ter mais força! Existem plugins especializados em tirar ruídos elétricos, mas eles só funcionam entre 20 – 250 Hz ou 6 – 20 kHz.
Geralmente isso é o que mais incomoda quando gravamos guitarras distorcidas e a voz, ruídos sem explicação. Como já falei antes, o “noise gate” apenas retém o ruído antes do som ser tocado. Quando se toca um som e o mesmo sai com ruído pode ser um problema!

Como aterrar?
Primeiramente, se você acha que não consegue chame um eletricista e peça para ele fazer! Porque com isso não se brinca! Quem achar que pode, basta seguir os passos.

ATENÇÃO DESLIGUE O CONTADOR GERAL DA LUZ ANTES DE MEXER COM ELETRICIDADE!

Itens necessários (clique nos links)

Haste de cobre Uma haste de cobre (ou mais dependendo seu projeto) de 2,70 a 3,00 metros.

Fio(s) de cobre Fio de cobre de 2,5 mm (tem que ser da expesurra do encaixe da tomada)!! Entre 3 metros e 10 metros (depende onde você vai colocar o aterramento)

Eletroduto para proteger o cabo do fio de terra. Ele deve ter o mesmo tamanho do fio de cobre.

Tomada de 3 pontas ou Tomada de 3 pontas novo padrão (se sua tomada for nova e seu equipamento usar o padrão de 3 pinos universal é necessário um adaptador de confiança)

Montando o aterramento (clique na figura para ampliar)

1)A barra de cobre é enterrada numa vala ou num buraco de acordo com seu comprimento. Ela tem que ser direto na terra, não chumbe (colocar cimento) e se precisar apenas sal grosso/sulfato de magnésio/sulfato de cobre ou areia grossa com carvão vegetal moído (compactado como um cimento com água salgada), caso o seu terreno seja “alcalino” ou humido demais. O fio de cobre deve ser colocado na barra parafusando ou soldando.

2)Você deve fazer uma “caixa” com madeira ou cimento e até mesmo um pote metálico ou plástico, para ter acesso a ponta da barra de cobre. Ele pode ficar cerca de 30 cm em cima da barra. Um cano bem colocado também resolve.

3)Coloque o tubo para proteger o fio do cobre até a tomada.

4)Faça um furo com uma broca que atravesse sua parede. Cuidado para não ter canos (água ou fios elétricos) próximos!!!

5)O neutro deve ser colocado no meio, o negativo a esquerda e o positivo a direita. Para ter certeza que qual o negativo e o positivo de sua rede, use uma chave teste.

A figura abaixo mostra a montagem de alguns sistemas de aterramento eficazes:
(Sempre separados por 3 metros cada um)

Pronto! Espero que acabe de uma vez com os ruídos indesejáveis de sua gravação!!!

Ótimo fim de semana!!!

Produção: como você compõe?

2011-05-17T06:58:00.000-07:00

Desde do início, quando você pega um violão (ou qualquer outro instrumento) pra compor, antes de mais nada temos que ter a letra, a harmonia e montamos a melodia. O resto que vier é somente uma consequência de sua idéia inicial. Muitos livro tratam do assunto "composição" e até faculdade pra isso, porém o que vale mesmo é o que está sua cabeça, da sua banda e do seu produtor (se tiver um).Um amigo compartilha o mesmo pensamento que eu: “a música tem que emocionar não importa se é alegre ou triste”, mas como fazer isso? Como não sei como é o seu gosto mas posso descrever o que me chama atenção numa música:

1)introdução: uma bem feita já é 50% do caminho andando! São as introduções que chamam a atenção do ouvinte. Os primeiros 15 segundos de execução são cruciais para uma música.

2) Arranjos: uma música bem arranjada prende a atenção imediata, principalmente a que cativa na 1º audição.

3)Composição: a maneira como ela é arranjada, dando sentindo a letra. Seus elementos, como: introdução, primeira parte, refrão, segunda parte, refrão, fim.

4)Letra: Sem história ou sem enrendo não dá pra engolir

5)Músicos: se os outros elementos estão bem colocados, com certeza os músicos (pelo menos no estúdio) são bons ou bem produzidos.

6)Produção: quando o produtor junta todos esses elementos é impossível não ter um ótimo trabalho!!!

Se você ver aqui todas as matérias relacionadas a isso. Hoje em dia com as técnicas disponíveis para home studio, fazer música está cada vez mais virando um “hobby saudável” que muitos vão passar de hobby para profissão, porém os elementos de composição mudaram muito durante os anos. Ao meu ver (posso estar errado) a maioria das músicas que são tocadas na mídia hoje em dia eles estão valorizando demais isso:

1)Produção: um ótimo produtor, transforma qualquer um em um bom músico.

2)Jabá: não adianta luta contra isso, o você está com ele ou está sem ele.

3)DVD: como já já comentei nessa postagem muitos estão partindo direto para o DVD ao invés de fazer só um CD

4)Clipe: também já falado a aqui nessa postagem, quem cai no gosto do pessoal na internet é sucesso garantido! É último lugar que alguém consegue fazer sucesso sem ser “apadrinhado” por um jabá.

5)Atitude de palco: se a geração X (1980) foi marcada pelo excesso de musicalidade, a geração Y (1990) por resgatar a simplicidade, a geração Z (2000 em diante) está sendo marcada por um monte de gente poser. Dane-se cantar e tocar bem! O que importa é atitude!Não que todos sejam assim! Mas infelizmente tem um monte de gente pensando assim e deixando os estudos básicos de lado!

O que está certo nisso? Você tem que decidir, afinal música é música boa ou ruim. Muitos críticos que leio só sabem valorizar um novo artista sem opinar (são obviamente pagos pra isso), outros ficam dizendo “que as coisas antigas” são as melhores (não dão nenhuma chance de alguém novo mostrar seu trabalho para eles) e particularmente só gosto de ler artigos que “relevam” as 2 coisas: um trabalho novo bem elogiado sem fazer puxa “saquismo” porque está sendo pago e sem “malhar” coisa do “tipo o Led Zeppelin era bem melhor que essa banda”! Meu pai sempre diz que há ritmos que lembram os “tempos das cavernas” muito em alta hoje em dia, é só pancadão, gente falando e gritando porém ao meu ver tem coisas assim muito boas e outras nem tanto como em qualquer outro estilo e por mais que tenha vontade de “baixar o pau” em monte de gravadoras (como a maioria faz) não faço isso pois além de ser uma “falta de ética” pois qualquer um que trabalha no meio musical, pode estar do outro um dia. Porém muita dessas gravadoras que vivem se queixando do “boom” dos pequenos estúdios que tem acontecido nos últimos tempos são responsáveis direto por isso, pois a partir do momento que a pessoa vivia de um estilo só e a moda passa, ela precisa achar outros meios para continuar ganhando com o mesmo. Estou cada vez mais ciente que um estúdio caseiro com bons equipamentos e um ambiente legal podem trazer grandes surpresas para os ouvintes! Por isso, uma boa composição e uma boa gravação, ainda abre muitas portas!!!

Abraços!!!

Gravação e Mixagem: Como funciona o pseudo stereo.

2011-05-15T03:11:00.000-07:00

Muitas vezes, quando um som estéreo é gravado e de jeito nenhum não importa o que faça ele continua fora de fase existe uma maneira fácil de evitar esse aborrecimento. Podemos gravar dois canais monos e transformar ambos em um pseudo stereo que um efeito que faz um som mono parecer com um som estéreo. Para os que não sabem fazer (ou até nem ouviram falar) isso faz com que um som mono fica mais “encorpado” então o mesmo pode ganhar mais “corpo” na mixagem

Qual é o truque?

Quando gravamos em mono, nosso fica em canto só (use um stereo analyser pra isso) você verá que a análise “sempre fica estática” tanto para esquerda, quanto para direita. A partir do momento que você começa a “dosar” os efeitos no som, verá que o analisador vai começar a se expandir. Quando som está totalmente mono o analisador de espectro fica como na primeira figura (clique para ampliar) . Porém quando o som começa a “pulsar” ele começa a invadir todo o campo estéreo como na segunda figura. O pseudo stereo é legal porque muitas vezes quando você precisa por exemplo de “guitarras radicais” você pode colocar uma em cada lado assim com outro efeito junto em um dos canais (como reverb) dando a sensação no fone de ouvido que elas estão vindo por cima da sua cabeça.

Como faço isso?

A)Deixe o som em mono. Se ele for estéreo, converta para mono.

B)Adicione Flanger ou Chorus na trilha. Pode se colocar um delay também com 50 ms (ou menos) e sem feedback.Procure efeitos que tenham a função dry/wet. O plugin tem que ser estéreo.

C) Coloque o som no lado direito ou esquerdo.

D)Ajuste os parâmetros (no caso do Flanger e do Chorus) no mínimo. Escute até que o som tenha densidade, ou seja o efeito só encorpa o som. No caso do Delay, tente ajustar até ouvir algo como um chorus, pra isso, deixe ele replica duas vezes (ta – ta ) o som e ajuste até ficar a sensação de onda.

E) A magia é quando o som mono que está num lado, invade o outro lado porém sem ser um “estereo” real! Esse vídeo em inglês do Ableton 4 mostra bem isso:

Cuidados especais

A)Se usar um delay para criar isso, calcule o tempo. Na nossa sessão de downloads há dois utilitários pra isso. Tente fazer com que o som não passe de 60 ms e não use feedback.

B)Se você usar dois canais monos, com pseudo estéreo cada um, cuidado para o som não sair de sua fase! O bom é sempre mexer no pan, e dar uma diferença de uma para outro de mais ou menos 20%. Por exemplo lado esquerdo 20% (47 pan) lado direito 40% (74 pan)

C)O ouvido pode não funcionar para calibrar o efeito, por use sempre um stereo analyser!

D)Efeitos como "stereo enchanhcer" podem funcionar também para criar esse efeito, porém ele de ter a função "mono maker".

E)Mais sobre panorama estéreo nessa postagem

ÓTIMAS GRAVAÇÕES!

Gravação: como anda seu ambiente?

2011-05-11T05:37:00.000-07:00

Nessa postagem, vou tirar algumas dúvidas que perguntam quando dizem: qual material usar em estúdio? Qual o material que me dará uma melhor acústica.
O material abaixo eu tirei de um curso de acústica ministrado pelo Professor João Candido
(clique nas figuras para visualizar)

Com esses dados, você pode deduzir com está o som de sua sala de gravação. A segunda tabela explica como funciona a absorvição:

Esse última figura, eu fiz para você entender o que acontece quando som bate numa parede com esses materiais. Quanto mais claro o material, menos ele segura o som

Boas gravações!!!

Mixagem: mais dicas pra você!

2011-05-09T06:38:00.001-07:00

Salve!
Vou posta hoje mais uma dica do livro “How to Make Great Audio Recordings Without Breaking the Bank”que estou lendo nessa semana. Pra começar uma dica bem legal sobre som “binaural” ou seja som 3D.

Como todos sabem (ou devem saber) esse tipo de som só tem efeito num “home theater” e num fone de ouvido, pois em aparelhos normais ele fica normal. A sacada aqui é fazer com essa figura, saia no seu fone de ouvido:

1)Freqüências
Esse gráfico ao lado (clique para ampliar) era bem mais simples, mas resolvi acrescentar algumas coisas para lhe explicar melhor. O campo frequencias mostra as frequencias que começam do 20 Hz (final sub grave) a 20 kHz (final agudo).

2)Pan
Pan esquerdo e pan direito.

3)Volume
O volume trás o som pra frente

4)Efeitos
Já os efeitos empurram o mesmo pra trás.

O legal dessa visualização, é conseguimos imaginar na nossa mente como funciona o som. Quanto mais dados tivemos em mente do seu funcionamento, melhor ficará nossa mixagem. Se caso você sentir muito “embolamento”, tente separar o mesmo com ajustes indicando no gráfico, seguindo os mesmos.

Onde aumentar ou diminuir afinal?

Para continuar tentando resolver essa dúvida cruel, nada melhor que mais informação!
Esse gráfico explica de uma maneira mais “direta” o funcionamento de certas freqüências. Você ouvirá melhor os resultados dele se usar um equalizador gráfico de 15 bandas (pois esse gráfico está separado por essa ordem). Você também pode pegar um equalizador paramétrico e colocar nas posições acima citada, sempre usando uma oitava para subir ou descer.
Siga o o que o gráfico manda! Aumente/diminua conforme a altura que ele indica.

50 Hz
Se diminuir: vai diminuir os graves e vai aumentar a claridade e vai aumentar o(s) som(s) harmônico(s) na mixagem.
Se aumentar: reforçará todos os intrumentos graves (baixo, bumbo, tons, padwarm)

100 Hz
Se diminuir: elimina som estourado e aumenta a claridade da guitarra/violão.
Se aumentar: acrescenta som cheio a caixa e a guitarra, trás os graves de todos instrumentos para frente. Enriquece piano e sopro.

200 Hz
Se diminuir: diminui a sujeira do vocal nos instrumentos com frequencias médias. Diminue o grave no xipo.
Se aumentar: som cheio da voz. Pode “enquardar” o som dá caixa e da guitarra.

400 Hz
Se diminuir: diminui o embaralhamento do bumbo e dos tons. Tira o xipo do ambiente.
Se aumentar: acrescenta linhas de graves (baixo, bumbo) em músicas suaves.

800 Hz
Se diminuir: aumenta o som harmônico da guitarra/violão.
Se aumentar: acrescenta força e claridade nas linhas de graves (baixo, bumbo)

1.5 kHz
Se diminuir: diminui o embaralhamento da guitarra/violão
Se aumentar: acrescenta força e claridade nas linhas de graves (baixo, bumbo)

3 kHz
Se diminuir: aumenta a respiração nos back vocals. Pode resolver conflitos entre a guitarra e a voz.
Se aumentar: mais som de efeitos manual no baixo, aumenta a claridade da voz e o ataque da guitarra.

5 kHz
Se diminuir: faz os instrumentos irem para trás. Deixa a distorção da guitarra mais suave.
Se aumentar: aumenta a presença da voz, o ataque do bumbo e dos tons, aumenta o som do baixo sem palheta (fingerbass), mais ataque no piano e violão e deixa a guitarra distorcida mais brilhosa.

7 kHz
Se diminuir: reduz sss nos vocais.
Se aumentar: mais ataque do bumbo, tons e percussão. Reduz o embaralhamento na voz, aumenta o som do baixo sem palheta (fingerbass), modela o sintetizador, guitarra e piano.

10 kHz
Se diminuir: reduz sss nos vocais.
Se aumentar: brilho na voz e no piano. Limite do xipo.

15 kHz
Se aumentar: aumenta o xipo e a respiração da voz. Deixa samples e VSTi mais reais. Aumenta o som das strings.

Sempre use os ouvidos!!! Confira se seu equipamento está bem regulado! A mixagem não salva uma gravação ruim!

Ótimas gravações!!!

mixagem: novamente onde cortar e onde aumentar na sua gravação

2011-05-06T06:05:00.000-07:00

Pra terminar a semana, vou falar um pouco mais sobre equalização.
Atualmente estou lendo o livro “How to make great áudio recording wihout breaking the bank” que ao pé dá letra quer dizer “com fazer um grande áudio sem quebrar o banco”. Esse livro é para iniciante/intermediários e existe uma dicas bem legais. Hoje vou colocar um resumo de freqüências do livro. Em vários livros você vê muito “corte aqui, aumente aí” e quando você faz nada resolve! Essas dicas de freqüência são rápidas para dar resultados mais na cara, porém se sua gravação estiver ruim nada vai adiantar! Originalmente esse formato é uma tabela, porém vou fazer de um modo mais simples.

Voz
Onde cortar e o porque: 7 kHz, para evitar sílabas explosivas.
Onde aumentar e o porque: 8 kHz, para deixar o som grande.
Onde cortar e o porque: 2 kHz, para evitar excesso de agudo.
Onde aumentar e o porque: 3khz – 6 kHz, deixa brilhosa.
Onde cortar e o porque: 1khz , para evitar o som nasal
Onde aumentar e o porque: 200 – 400 kHz, corpo.
Onde cortar e o porque: 80 Hz para baixo evitar som graves explosivos!

Piano
Onde cortar e o porque: 1–2 kHz som pequeno (lembra uma caixa)
Onde aumentar e o porque: 5 kHz, aumenta a presença

Guitarra
Onde cortar e o porque: 1–2 kHz som agudos desnecessários
Onde aumentar e o porque: 3 kHz aumenta claridade
Onde cortar e o porque: 80 Hz sujeira
Onde aumentar e o porque: 125 Hz Bottom end (final grave 80 – 130 Hz)

Violão
Onde cortar e o porque: 2–3 kHz som pequeno
Onde aumentar e o porque: 5 kHz evita estouros
Onde cortar e o porque: 200 Hz som explosivo
Onde aumentar e o porque: 125 Hz som cheio

Baixo
Onde cortar e o porque: 1 kHz ruído
Onde aumentar e o porque: 600 Hz som gordo
Onde cortar e o porque: 125 Hz estouro
Onde aumentar e o porque: 80 Hz Bottom end (pode se aumentar também depois, porém com cuidado)

Contrabaixo
Onde cortar e o porque: 600 Hz som fechado
Onde aumentar e o porque: 2–5 kHz aumenta os agudos
Onde cortar e o porque: 200 Hz estouro
Onde aumentar e o porque: 125 Hz Bottom end

Caixa (snare)
Onde cortar e o porque: 1 kHz tira som aquele som estridente da esteira
Onde aumentar e o porque: 2 kHz brilho
Onde aumentar e o porque: 150–200 Hz dá brilho
Onde aumentar e o porque: 80 Hz profundidade (cuidado aqui!)

Bumbo (kick)
Onde cortar e o porque: 400 Hz sujeira
Onde aumentar e o porque: 2-5 kHz ataque
Onde cortar e o porque: 80 Hz estouro
Onde aumentar e o porque: 60-125 Hz Bottom end

Tons
Onde cortar e o porque: 300 Hz estouro
Onde aumentar e o porque: 2–5 kHz ataque
Onde aumentar e o porque: 80–200 Hz Bottom end

Xipo (cymbal)
Onde cortar e o porque: Cymbals 1 kHz (para baixo) corta ruídos estridentes
Onde aumentar e o porque: 7–8 kHz dá corpo
Onde aumentar e o porque: 15 kHz aumenta sensação “ao vivo”
Onde aumentar e o porque: 8–12 kHz brilho

Sopro (horns/brass)
Onde cortar e o porque: 1 kHz Honky (aquele som de placa de metal)
Onde aumentar e o porque: 8–12 kHz engradece o som
Onde cortar e o porque: 120 Hz sujeira
Onde aumentar e o porque:2 kHz aumenta claridade

Sessão de Strings
Onde cortar e o porque: 3 kHz agudez
Onde aumentar e o porque: 2 kHz claridade
Onde cortar e o porque: 120 Hz sujeira
Onde aumentar e o porque: 400–600 Hz presença

Claro, que todos os corte e aumentos, dependerá o que seu ouvido pedir e ainda a qualidade da gravação!
Por isso vá com calma!

Boas gravações!!!

Gravação: será que a culpa é da sua placa de som – Parte 2

2011-05-04T05:30:00.001-07:00

Esses dias discutindo com outro amigo meu que recém comprou um mac com sistema pro tools, o mesmo disse que apesar de tudo que ele faz, ele acha que muita coisa ainda tem que evoluir na gravação digital. As melhores gravações com os melhores engenheiros sempre tem uma coisa em comum: a capacidade de dosar os equipamentos analógicos com os digitais. Porém, eu ando ouvindo gravações caseiras quase onde a maioria do som é baseado no uso de plugin, que me surpreendendo. Vou citar dois casos: O Primeiro caso, um amigo meu gravou as guitarras do seu single, apenas usando sua placa de som M-Audio Fast Track e sua guitarra ligada direto. O plugin passado foi o IK Amplitube 3. O resultado pra mim foi excelente! Para ouvir essa Clique Aqui. O outro caso, um amigo meu que faz música instrumental na praia do Joe Satrianni, gravou sua guitarra, ligados num Ampli Line 6 Spíder e numa pedaleira Line 6 podfloor XT e usando um placa de som Firewire, plugins VSTi e o resultado foi um dos melhores timbres que já ouvi em uma gravação caseira! Para ouvir a música Clique Aqui. Em ambos os casos além do talento, aqui imperou uma coisa: a qualidade de suas placas de som. Como mencionei antes, estou usando uma Sound Blaster Audigy e a prova que uma placa quando não é profissional o resultado não é satisfatório é essa: quando se usa plugins em tempo real de mixagem e mesmo que você ouça tudo em seu lugar, na hora de passar a música para CD é um desastre! Porém a pergunta: existe alguma gravação que dá para fazer com uma placa de som simples que o resultado seja satisfatório? Claro que tem! Vários! Alguns casos que separei: a primeira música foi gravada usando um Sound Blaster 16. a segunda música usando uma Sound Blaster Audigy 1, e a
a terceira música usando uma Sound Blaster Audigy SE 7.1. Daí e você pergunta, como o som deles ficou bom? Pra começar, a placa de som foi apenas um meio de “transpor o som” pois tudo veio por meios analógicos. Não há dúvida que o som quando gravado com em um equipamento analógico de qualidade fica bem mais fácil de “abrir o mesmo” quando feito de forma correta. Porém, enquanto você vai gastar uns R$1000 para ter um equipamento descente analógico para começar a gravar, o melhor é pegar essa grana e gastar R$500 numa placa de som profissional e ainda sobra troco para comprar um pré amp ou mic de qualidade!

Abraços!

Gravação: será que a culpa é da sua placa de som

2011-05-02T04:30:00.000-07:00

Salve!
Ultimamente, ando gravando numa Audigy 2 da Sound Blaster, e isso é porque deu pau na minha M-Audio! Nada contra a placa, ele é ótima para reprodução, mas para gravação deixa e muito a desejar. A prova disso, que algumas músicas que estou fazendo estou “fechadas” e isso fez me lembrar a quanto não acontecia isso comigo! É só você comparar essa gravação com essa outra. Confesso que até certo ponto não tinha percebido, até que um amigo meu guitarrista me advertiu. Isso me fez pensar de certas coisas que fazia e depois deixei de fazer. Quando usava placa mais modestas, na masterização sempre puxava ao máximo as freqüências entre 1 – 8 kHz em +6 dB e as graves 80 – 350 Hz em + 2 dB, e geralmente o resultado era satisfatório como nessa gravação e isso simplesmente é o horror de muito engenheiro de som! Hahahaha!
No meu caso, acho que que fiz muitos cortes nessa música que fechei, vou exprimentar agora abrir tudo novamente, o melhor de compartilhar gravações é que sempre alguém vai de dar uma dica que não tinha percebido antes e a coisa que mais ando percebendo que uma placa modesta (apesar da Audigy não ser assim tão modesta) não consegue “passar” matematicamente direito os plugins! A Audigy reproduz bem, mas na hora de passar um plugin (que terá que fazer todo um processo binário pra acrescentar o mesmo na hora do som) deixa muito a desejar. Por isso aqueles que querem ou já estão gravando não percam muito tempo em placas amadoras ou placas de som board, compre logo uma para isso! Os exemplos são que a M-Audio Fast Track USB e a M-Audio Audiophile estão custando menos de R$400! Uma Audigy custa em torno de R$300 ou seja, para quem vai gravar é um belo “elefante branco” a ser comprado! Por isso, todo cuidado é pouco na hora de comprar ou trocar a sua placa de som.

O que precisa um placa de som para gravar?

Frequência de resposta entre 22Hz a 22kHz
Distorção harmônica total menor que 0,002%
Relação sinal/ruído D/A 104,0 dB, A/D 100,4 dB

Esses requisitos são encontrados na maioria das placas de gravações mais acessíveis!
Compare, compre a sua e ótimas gravações!

Mixagem & Masterização: como usar direito o plugin DR – Analisador de volume e dinâmioca– parte 3

2011-04-30T08:47:00.000-07:00

Após falar do spectrum analyser e do stereo analyser ou “analisador de campo estéreo” agora, vamos a última parte: o uso do plugin DR e considerações finais.

1)Por que é interessante o uso do DR1?
Como já explicado esse plugin é feito pela associação que está lutando para
(leia aqui) que a dinâmica ganhe do volume. Quanto mais dinâmica quer dizer que está próximo a um timbre “agradável” para nossos ouvidos. Quanto menos dinâmica e mais volume, quer dizer que podemos “estressar” nossos ouvidos e de nossos ouvintes. Para entender o funcionamento do plugin veja a figura ao lado:

Correlation: indica como está o campo estério, quanto mais positivo melhor.
Peak: indica o pico real, em RMS.
Dynamic Range: indica a dinâmica do som, seguindo essa tabela:
De 1 a 7: Dinâmica ruim
De 8 a 13: Dinâmica em transição/regular
De 14 a 20: Dinâmica boa

RMS:O pico de volume em RMS.
Mono:Ao habilitar essa função, o som se torno mono.
Link:Quando ativado, analisa os dois canais (esquerdo/direito) ao mesmo tempo. Quando desativado, faz análise separada.

2)Dinâmica no mesmo volume
Porém, não ache que quanto mais dinâmica o seu som está bom. Se você gravar um timbre “super ruim” e colocar um volume baixo, você notará que o plugin indicará mais dinâmica. Se fosse assim, era só fazer uma gravação ruim e colocar um volume baixo! O desafio aqui é conseguir um DR com mais de 11 num volume perto de – 3db! E não pense que é fácil! Muitas vezes pode indicar a carência de equipamento!Apesar dá exigência do site em dizer que 14 é bom, você deve considerar o aumento de volume. Quanto mais se aumenta o volume, mais se perde dinâmica, mas isso não quer dizer que a música está ruim.

3)DR1 e ajuda aos plugins!
Muitas vezes nossa dinâmica está ruim, porém o uso de plugins (como compressores, equalizador e efeitos) podem melhorar a marca do mesmo! Por isso é bem legal fazer alterações com os plugins e verificar nossa dinâmica. Quando nossa dinâmica aumenta com as alterações e ouvimos que o som está ficando agradável, estamos no caminho certo. Quanto menos, algo está errado. Sempre ouça! Não adianta ter uma dinâmica boa e um timbre porcaria!

4)Volume vs dinâmica
Se sua mixagem está com um dinâmica boa, quer dizer que na hora do master, provavelmente tudo soará agradável. Quanto mais compressão/limiter você coloca no master, mais ela ganha volume e perde dinâmica!

5)A dinâmica de um master, pode ser não ser a mesma da mixagem.
Nessa postagem avaliei algumas músicas com o DR. Segundo a tabela da
do site oficial da DR, algumas estão boas outras não. Porém a mixagem é a ordenação dos volumes, equalizador e compressão e a masterização é o aumento de tudo isso! Então, possivelmente nós podemos deduzir se um música com DR10 já masterizada e volume com – 6 dB podemos deduzir que na mixagem ela tinha DR15 (ou menos) com – 10 dB. Isso deve-se ao fato por o mesmo passar pela compressão e a equalização do master, por isso novamente falamos que muitas vezes o que te dará mais dinâmica é o uso correto do seu equipamento.

5)Toda música com pouca dinâmica é ruim?
A dinâmica não significa que se o som está “quadrado” e com muito volume, ele está soando ruim! Muito sons acústicos que analisei, tinham a dinâmica bem abaixo do aceitável. O que vai acontecer é que não importa o quanto bom seja gravado e mixado uma música, se ela passar de um ponto de volume o mesmo irá embaralhar! Quando vemos um onda “super compressada” e seu aparelho de som tiver de 0 a 10 em volume você pode ter certeza: soará alta apenas no volume 2 e totalmente estourada a partir dos 5! É por isso que a maioria da músicas nunca soa direito em caixinhas de computador! Porém as antigas (gravadas até a década de 80) soam bons em qualquer lugar!Por que ainda não tínhamos, a “guerra do volume”.

6)Para saber mais
Baixe o plugin (primeira postagens), coloque sua(s) música(s) favorita(s) na sua DAW, rode o plugin e compare com essa tabela. Lembre-se: não há músicas brasileiras ou latinas no site, apenas americanas e inglesas!

Abraços!!

Mixagem & Masterização: como usar direito um analisador de campo estéreo (stereo analyser) – parte 2

2011-04-27T06:22:00.000-07:00

Após falar do spectrum analyser agora vamos falar do stereo analyser ou “analisador de campo estéreo” que é uma ferramenta de muita utilidade!

1)Muitas vezes o que você ouve pode estar fora de fase!
Todo mundo fala do problema “fora de fase” por isso temos nesse plugin a função “correlation”. Quanto mais o som chega ou fica perto de 100% indica que o mesmo está em fase. Muitas vezes não entendemos como ouvimos sons fantásticos na nossa gravação separadamente e quando juntamos na mixagem soam fracos. Essas fraquezas são geralmente, exageros em nossos pans. Quando você toca uma música comercial e usa esse plugin (ou qualquer outro que seja analisador) você notará que as batidas fortes, sempre ficam perto do centro e dos lados, mas porquê? É o que veremos no próximo tópico.

2)Gravamos em estéreo ou mono?
Isso ainda continua sendo uma opinião pessoal. O estéreo tem força, mas o mono não corre o risco de ficar fora de fase. Particularmente eu doso ambos. Se vou trabalhar com algo que use reverb, eu prefiro usar 2 canais monos pois o reverb estéreo geralmente embaralha. Se for usar delay, prefiro o estéreo pois é mais denso. No entanto, quando gravamos tudo estéreo, temos que deixar tudo mais centralizado, e quando queremos fazer um “estéreo radical” ´e melhor que a pista seja mono. Se pegar uma música comercial e dividir o som entre direita e esquerda, você notará que a voz sempre permanece no centro, já os outros instrumentos são dividos. Quando você nota que ele é mais forte em um dos lados é sinal que o pan dele foi direcionado para essa posição.

3)Master Alarm
Essa função indica que algo pode estar errado no seu. Se ela acender no azul quer dizer que seu som pode estar saindo fora de fase. Se acender o vermelho que dizer que está tudo fora de fase. Estéreo radicais funcionam bem em fones de ouvidos porém em aparelhos de som tornam-se enfraquecidos. E não ache que o pan pode resolver seu problema, se o som estiver fora de fase tem que fazer tudo de novo!

4.Tente um nível avançado!
veja aqui nessa postagem no site Audição Crítica tudo sobre analisador de campo estéreo! Dicas precisosas! Por exemplo, de como usar o analisador para não deixar sua gravação sair fora de fase e efeito “binaural”!

Abraços!

Produção: o clipe está substituindo as rádios?

2011-04-25T05:03:00.001-07:00

Esses dias no site de humor Não Intendo sobre Janna Rose. Antes que comece aquela história que ela imitou Rebecca Black se você olhar as datas de publicação quando fora posta no you tube, podem ver que Jenna postou antes seu vídeo. A maior vantagem da internet é que podemos fazer nossa própria programação (como já foi comentado inúmera vezes) e por isso escolhemos as músicas que gostamos, além do mais, podemos divulgar nas redes sociais nossos próprios vídeos. Muitos artistas ainda insistem na velha forma de “liguem nas rádios!Peçam a música!” mas será que isso funciona? A questão é que se as grandes rádios são pagas para colocar certas músicas no ar será que ainda funciona se os fãs ligarem? Talvez (pode ser uma grande besteira que estou falando) mas em muitos casos, melhor do que sair fazendo uma campanha “maluca” de divulgação de rádio é melhor fazer um vídeo bem feito, com uma música bacana. Vou lhes contar uma história: no Rio Grande do Sul, havia uma banda de pop/rock que fez um CD. A gravação era boa, tinha volume e dinâmica as músicas eram boas, mas soavam muito esquisitas! Faltou alguém pra dizer como o vocalista devia ter feito tal parte, que efeito o guitarrista poderia ter usado, quantos slaps o baixista tinha ter dado em determinado compasso, como o baterista teria que ter ser comportado. Pra começar, eles eram veteranos e tocavam muito bem, mas o vocalista queria produzir por conta própria sem nem ouvir pelo menos os músicos da própria banda! Até tudo bem, ótimos músicos fazem produção de seus CD sozinhos e ficam maravilhosos porém o problema é que aqui, o vocalista não quis ouvir ninguém! Não pediram uma opinião dos outros músicos sobre o CD! O resultado foi um desempenho fraco para músicos tão bons! Me lembro quando eu e outro amigo meu ouvi o CD pela primeira vez falamos “isso aqui ta muito estranho! Não parece vocês tocando!” o vocalista da banda ficou uns 6 meses sem falar conosco e também com muitos músicos que avisaram a mesma coisa. A prova final veio um dia numa rádio...
O vocalista nos shows falava direto que uma grande rádio estava tocando direto as músicas do CD e era só ligar e pedir. Até hoje, não sei como isso chegou nos ouvidos dos donos da rádio (provavelmente vários amigos dele ligavam direto na rádio pedindo as músicas) mas eu me lembro bem o dia que os mesmos desmentiram o vocalista. Eles alegaram que não tinha nada haver com o CD e iria colocar algumas músicas no ar para ver o que os ouvintes achavam: resultado, todo mundo ligou dizendo que não gostaram das músicas. Resultado, a banda acabou! Se o CD estivesse bem feito (ou se eles pelo menos pedissem a opinião das pessoas) com uma chance dessas, agora eles seriam “veteranos” na fama!
Voltando a questão dos clipes, um clipe mal feito tem chance de ter muitos acessos? Quem sabe! Já aconteceu antes, mas se você faz shows frequentemente e quer cativar os fãs de caras, o melhor mesmo é fazer uma coisa bem feita. Esses dois clipes dessas meninas tem uma coisa em comum: são bem feitos. Por isso é mais fácil você pedir para seus fãs acessarem os vídeos no you tube do que pedir música nas rádios. Os vídeos mais acessados, sempre chamam a atenção da TV, e essa pode ser sua chance!!!

Boa semana!!!

Mixagem & Masterização: como usar direito um analisador de espectro(spectrum analyser)– 1º parte

2011-04-20T11:10:00.000-07:00

Salve!! Essa postagem de hoje vou tratar exclusivamente de analise da espectros (spectrum analyser), análise de campo estéreo (Stereo Analyser), Picos (peak analyser), análise de dinâmica e volume. Para isso você deve baixar os seguintes plugins (se não tiver). Serão 3 postagens, cada uma falando de um analisador diferente, para isso, baixe esses plugins:

Roger Nichols Inspector Pack

Dynamic range

Analisador de Spectro (Spectrum anlyser)
Nossos ouvidos em uma música são a alma de tudo, porém muitas vezes nossos olhos podem nos dar um valiosa ajuda! É por isso que temos o analisador de espectros:

O analisador é muito útil, quando sabemos qual freqüência estamos mexendo. Por exemplo, se pegarmos essa tabela de freqüência. Pra começar, quem nunca mexeu vai ter que seguir alguns tópicos:

1)Achar uma música parecida com a que você está fazendo (no estilo)
2)Carregue ela em sua DAW ou programa de som
3)Carregue o plugin “Spectrum Analyser”
4)Compare sua e a música que está analisando em relações a frequências.

A principio parece fácil, pois podemos “ver” onde nossa música tem mais frequências ou menos frequências. A pegadinha está justamente em “tudo parecer” igual. O analisador muitas vezes é usada de forma errada por isso: achar que a cópia das frequências a de uma música comercial fará com sua música fique igual. Não se assuste, todo mundo cai nessa! E isso é porque não usamos nosso ouvido e sim os dados do analisador. Todo mundo esquece que uma música comercial passa por mixagem, masterização e depois normalização (deixar o CD no mesmo volume) ou seja, são três processos que mudam radicalmente a música! Sem contar em outros processos (como limpeza de áudio) que alteram para melhor as frequências audíveis da música. Em outras palavras, se você gravar de forma ruim, não é o analisador que irá te salvar!
O que fazemos então? É ver como nossas frequências estão se comportando em relação a música que estamos comparando (seja ela na mixagem ou em outro processo).

2)Conhecimento das frequências
Por isso, a melhor maneira de usar um analisador, é justamente conhecer as freqüências separadas, para podermos saber como elas estão interferindo no som!
Esse Site é muito bom, por que se pegarmos um equalizador paramétrico seguirmos o que ela pede por exemplo, em relação a voz, vamos desenhar no mesmo a seguinte figura

No nosso analisador de espectro irá aparecer essa figura. Aqui é uma voz masculina

1) tudo cortado depois de 100 Hz (não há freqüências audíveis aqui)
2) +3 dB começando em 125 Hz até 1 kHz (para predominar as notas fundamentais)
3) depois uma queda de – 6db de 1 – 1.8 kHz (para dar presença e não deixar pequena)
4) uma subida de 2 – 5 kHz (destacar as freqüências de trás)
5) cortamos as “silebance” entre 6 – 8 kHz
6) e cortamos tudo depois 12 kHz.
7)Veja como ela está no analisador.

O problema que essa figura é um exemplo, e na prática ira depender mesmo de duas coisas: seu ouvido e seu equipamento de entrada. bEssa mesma forma podemos fazer com os instrumentos.
Bom, turma! Vou sair um pouco nesse feriado! Na segunda que vem (dia 25-04) vamos a segunda postagem sobre analisadores!!!

Abraços!

:

Samuel & Greice - Vida do Meu Coração

2011-04-15T05:09:00.000-07:00

Salve!!!

A dupla Samuel& Greice (cujo sou o produtor de shows) está lançando sua nova música nas rádios de todo Brasil!!!

Chama-se "Vida do meu coração" !!!

Aprecie mais essa linda música dessa fantástica dupla que vem conquistando o coração do público!!!

Vem aí! Apostila de gravação avançada para computadores

2011-04-13T03:51:00.000-07:00

Em breve vamos colocar no ar mais uma apostila do Palco KH!
Intitulada Apostila de gravação avançada para computadores vai abordar os detalhes que falta na apostila curso de gravação! Aprenda gravar em um dia! .
Vamos mostrar desde como montar um computador para gravar até a masterização e comercialização!
O melhor disso é o preço: apenas R$15,00 a primeira edição! (os livros sobre o assunto custam no mínimo R$60,00)

Aguardem!!!

Gravação: instrumento real vs instrumento virtual (VSTi)

2011-04-11T05:27:00.000-07:00

Olá!!!
Com o advento cada vez mais do home studio todo mundo (até os grandes estúdios) apelam para o uso do Virtual Instrument Technology ou seja, o popular VSTi. Um desses plugins pode nos economizar “um bocado de tempo” além de dinheiro (é melhor gastar uns R$1000,00 com uns 7 vsti do que R$5000,00 num sintetizador!) porém existe uns detalhes que mais uma comprovam que a tecnologia digital em gravação ainda tem que evoluir. Isso se chama “conflito A/D” muito comum pra quem não tem “milhões” investidos em equipamento, e que às vezes podem confundir e muito seu ouvido. Vamos aos tópicos:

1)Por que o meu áudio gravado analogicamente não está “casando” com o áudio VSTi?

Se você pesquisar isso na internet vai encontrar um monte de coisas. Porém a mais correta (ou perto dela) que já encontrei foi essa: as ondas digitais e analógicas não casam como mostra a figura ao lado. Note que o analógico faz curvas e que o digital faz ondas quadradas (devido aos processos matemáticos) e para nosso som analógico precisávamos ter um conversor A/D em nosso rack.Um bom conversor A/D é o Ultra gain pro da Behringer, devido ao seu excelente custo benefício. Algumas placas de som possuem internamente ele, porém não espere que elas custem menos de R$1000,00!!!

2)Analógico escuro digital brilhoso.
O fato é que uma gravação feita em casa ou com um equipamento mais simples sempre é mais “brilhosa” que as gravações em estúdios grandes, e dos motivos é a falta do conversor A/D. Quando ouvimos que nosso som analógico não está igual ao som do VSTi o primeiro impulso é aumentar as freqüências entre 1 – 10 kHz, porém isso é algo como ganhar na loto:uma chance em milhões para dar certo (pode dar mas é bem raro), por isso a melhor coisa se fazer e equalizar o VSTi, para tentar ficar um pouco mais parecido com o analógico.

3)Usando o dither como conversor A/D
Durante muito tempo eu gravava assim: monitorava o timbre com meu M-Audio Fastrack com o plugin, gravava “cru” dentro depois passava o plugin no som. Parecia o ideal, porém até que comecei achar que estava muito obscuro no master. Um dia não sei porque, fiz o seguinte:

A)Coloquei normalmente a guitarra na M-Audio
B)Usei um host vst para gerenciar um plugin de ampli de guitarra e coloquei junto um com dither.
C)Na DAW gravei o canal direito puro com a M-Audio
D)No canal esquerdo gravei direto da placa de som rodando o plugin

Resultado? Depois separando os pans, o som ficou muito aberto! E isso funcionou com sucesso na voz!Além disso, no som “cru” você define qual outro plugin passar. Você pode usar um plugin dither para simular um A/D. Porém, o wordlenght tem que ser igual ao números de bits da gravação. Por exemplo, 16 bits/44 kHz, 24 bits/48 kHz.

Abraços!!!
Ótimas gravações!!

Mixagem Você ouve corretamente?

2011-04-08T06:02:00.000-07:00

Quarta feira, meu amigo Geovani que também tem estúdio me comentou sobre uma vídeo aula do engenheiro de som David Gibson (famoso pelo seu livro A arte da mixagem que o mesmo comenta sobre posições de monitores num estúdio. Em resumo, ele quando queria mais agudos colocava um monitor no alto, quando queria mais médio no meio e quando queria mais grave em baixo. Desde que comecei a trabalhar com gravação sempre usei esse principio e apesar de ter lido o livro dele, fazia isso por achar um coisa natural.Porém uma das coisas que eu não sabia (mas já desconfiava) é quanto mais para o grave a a frequência puxa, mas o som irá cair em direção ao chão. O gráfico ao lado mostra mais ou menos o que acontece com a as frequências quando posicionamos 3 monitores em 3 posições diferentes:

Note que os AGUDOS (8 – 20 kHz) passam “rente” a nossa cabeça, pois como são freqüências mais “leves” e quase “inaudíveis” não os percebemos em conjunto. Ele também irá cair, porém irá demorar mais que os outros. Já os médios (250 Hz – 8 kHz) como eles serão divididos em “graves e agudos” será a conjunção das frequências. Os agudos irão demorar para cair, mas o mais graves começarão sua queda mais rápido. É por isso que os sentimos mais “entre a cabeça e o peito” do que outra parte do corpo. Já os graves (120 – 20 Hz) esses irão cair direto pro chão. Faça uma experiência, coloque uma música e deite no chão. Você vai ouvir a música com os ouvidos e sentir os graves com o corpo.

Força das frequências.
O fato é que se os animais tem mais “sensibilidade” a altas frequências, o ser humano tem mais sensibilidade nos médios e graves. De todas as frequências as que mais ouvimos são médios entre 2 – 4 kHz (que é por exemplo a frequência do telefone) de perto e os graves de 5 – 50 Hz de longe (por isso escutamos um trovão distante ou um pancadão há quilometros). Por isso uma coisa muito “básica” sobre mixagem e masterização é você tocar a música e andar pelo ambiente, para ver se tudo está exatamente igual como você ouve na frente.

Como fazer isso?
No estúdio eu uso as coisas da seguintes maneira:

1)amplificador com 2 caixas normais em cima da cabeça, porém esse amplificador tem uma função “tone” que uso no máximo, que transforma as caixas em verdadeiras cornetas!

2)Já monitores de áudio eu deixo no meio, para ouvir no “geral” pra onde vai o som.

3)Para os graves, coloco um amplificador de baixo. Quase impossível de não ouvir “graves e médios graves”!

4) Teste dos 20!
Lembra da postagem teste dos 20
Pois, esse teste é muito útil para você sentir como cada freqüência se comporta em determinado falante!

Abraços!!! Bom fim de semana!!!

Produção: a vez do clipe

2011-04-06T05:44:00.001-07:00

Ontem no meu outro blog postei algo sobre ter Milhões de amigos como a sensação do momento Rebbeca Black. Como já havia comentado numa postagem muitos estão partindo direto para o DVD do que para um CD ( relembre aqui ). Até aí nenhuma novidade, pois isso desde que a criação do “you tube” todos estão fazendo. Mas você parou para analisar, qual o(s) vídeo(s) de artistas independentes que fazem mais sucesso? Bom eu andei vendo e revendo e achei umas semelhanças entre eles que podem te ajudar a fazer o seu próximo clipe.

1)Ter amigos e fãs
Muitas vezes, não importa a qualidade do clipe. O que importa é número de visitas, se gostaram ou não. Quando há isso, o clipe (bom ou ruim) vai direto para os mais “acessados” do “you tube” e a única maneira de fazer isso ainda é a maneira antiga: pedir para os amigos verem o maior número de vezes e pedirem para que os outros façam a mesma coisa.

2)Ter algo que chame atenção no clipe
Quando tem alguma coisa que chama atenção no clipe (logo no início) desperta a curiosidades das pessoas vê-las. E o que chama atenção? Pode ser alguma cena, figura, um apelo. Na maioria do vídeos com bastante acesso, geralmente a alguma figura que chame atenção (quando não são indicados).

3)História
Todo clipe com história é muito melhor do que algo tipo show. Essa história de a banda cantando a música como num show sem história é muito anos 80. O barato hoje é dar uma história ao clipe, como aconteceu com Friday. Muitas pessoas se identificam com a história do clipe porque ela dará significado a história da música e com certeza vão lembrar de algo que aconteceu ou está acontecendo.

4)Câmeras múltiplas
Nenhuma novidade, vídeos como do Mr.guitarman faz isso:começa tocando um instrumento, e deixa na tela, toca outro instrumento e também bota na tela, assim por diante. O que não vi ainda é uma banda/artista fazer isso e colocar uma história em cima. Vai a dica.

5)Usar filmes, vídeos e imagens
Bom, quando não se tem dinheiro, ou não tem muito tempo para fazer clipe, como divulgação muita gente pega um filme ou pedaços de filme e coloca a música em cima.
Alguns ficam legais, mais outro muito piegas. O problema aqui em usar imagens de filmes ou outros sites é o “direito autoral”. Apesar de não ser correto, use sempre a regra básica da internet: informe o “site de origem” das imagens/vídeos. De preferência também o autor. Porém isso não garante nada que seu vídeo ficará no ar quando passar pela filtragem do site.

Ok! Você nunca fez um vídeo! Então comece pela escola mais primária que tem na sua casa! PROGRAMAS/MOVIE MAKER ! Pode parecer simples, mas há clipes que você vê que nem imagine que o autor só usou só isso! Quando você aprende a dominar ele (que não é muito difícil) poderá a passar para outro programa. Os 2 mais famosos são:

Sony Vegas – Muito fácil de operar (assim como o áudio) com resultados muitos bons. Apesar de fazer muitos “efeitos especiais” dá para fazer muitas “camadas” fazendo resultados ótimos.

Adobe Premier Pro – Outro que é fácil de operar. Ao contrário do vegas, aqui você pode usar recursos do photo shop (mask, layer) e fazer coisas muito legais!

Existem muitos programas! Aqui você poderá baixar, testar um com certeza que irá se adaptar!!!

Ótimas produções!!!Ótimos clipes!!!

Masterização Fast Food

2011-04-04T06:03:00.000-07:00

Salve!!!
Pra começar a semana, vou comentar sobre uma técnica inventada por mim que uso quando quero fazer uma masterização de um CD mas não quero ficar perdendo muito tempo com coisas matemáticas tipo “dither” apenas se todas as músicas estão com o mesmo volume. Não é uma masterização muito “aconselhada” (pois depende muito da qualidade da gravação) porém pode dar bons resultados.

1)Fazendo masterização separada
A masterização não exatamente um processo obrigatório. Quem tem por exemplo um bom equipamento, pode na mixagem colocar um plugin do tipo “limiter” no master, passar para o CD e está tudo pronto! Por isso o processo que vou passar aqui é exatamente quando não há um bom resultado e pra não precisar refazer tudo de novo podem resolver o problema. Você pode colocar isso separadamente pra cada música (não na mixagem, mas em um arquivo separado) ou com todas as músicas juntas. (vamos ver isso mais adianta). Abaixo segue a lista de plugins a ser usada:

Parametric EQ – Stereo Enhancer – Compressor – Parametric EQ - Limiter

Atenção: A ordem dos fatores, aqui altera o produto!

1) Equalizador paramétrico com o seguinte ajuste:

OK! Esse é um assunto polêmico! A maioria dos engenheiros de som não gosta de “aumentar freqüências” (por isso aquela velha história de mixagem vs masterização”, mas pra que não tem “períficos de masterização” (do tipo ADAT, conversor A/D, Dither binário, Compressor valvulado, etc) pode ser a salvação de muitos Home e Small Studios por aí! Aqui temos os seguintes ajustes

Low Self a partir de 25 kHz
(Vai cortar todo o “rumble” ou som de trovão)

Tudo flat até 4 kHz

- 2 dB (ou mais) de 4 – 8 kHz
(Aqui vamos cortar onde o ouvido é mas sensível)
Aumento de + 4 dB (ou mais) entre 8.5 – 12 kHz
(Aqui vamos ajustar as freqüências e seus harmônicos)

High Self a partir de 14 kHz seguido de um corte total
(Não se preocupe ainda há mais ajustes pela frente)

2)Stereo Enhancer
Como não sei qual deles você vai usar, vou dizer que aqui você vai ter que usar o “ouvido mesmo”. Pra isso você tem que ter uma “música comercial” a mão (de preferência um CD do mesmo estilo) para fazer uma comparação: sua música parece “espalhada” nas caixa de som (como se fosse um reverb) com uma música do CD? Se estiver você não precisa desse plugin. Como não sei qual que você vai usar, sugiro esse gratuito da Brain.de

Seu funcionamento é bem simples, e você pra começar pode usar os seguinte ajustes:

Deixe todos os ajustes em 50% (width e gain), coloque o Crsfrq do High em 12 kHz e do Mid em 120 Hz. Comece com o ajuste dry/wet em 0 e vá aumentado aos poucos para sentir o que ele fará no som. Para baixar esse plugin eles está

neste link onde há vários plugins desse tipo, baixe o que você achar legal.

3)Compressor
Thereshold: - 4 dB ou Ratio 4:1 (ou mais ou menos)
Release: 250 ms (dependendo o dependendo a música)
Attack: 35 ms

Dica: Nessa postagem O produtor Dennis Zasnicoff explica direitinho como funciona o compressor, quando a função é para ser master. Também vai ser muito últil para sua mixagem.

4)Parametric EQ ou Linear EQ

Aqui vamos “limar” o ajuste do EQ anterior. O que faremos aqui é dar brilho.
Como cortamos em 14 kHz com “high end” aqui aumentamos a partir 12 kHz para dar brilho mais ou menos +2 db.
Cuidado: freqüências ajustadas aqui irão interferir no geral! Se for aumentar, tente a partir de 8 kHz, pra baixo corte, não aumente!

Dica: cortes no primeiro equalizador, empurram freqüências audíveis para esse. Porém sem dosar, o você dar um “super agudo” no som!

5)Limiter
Se no compressor colocamos um ajuste “pesado” aqui nós colocamos um ajuste mais leve, para fazer a música pulsar.

Os ajustes podem ser feitos assim
Threshold: - 3 dB (você escolhe o volume)
Attack: 25 ms
Release: 700 ms (cuidado para não deixar longo demais)

Dica: baixe o plugin Dynamic Range e descubra como está a dinâmica da sua música! Quanto mais dinâmica ela tiver equilibrada com volume.

Abraços!!! Ótima Semana!!

Teste de plugin: Ez Mix (Toontrack)

2011-03-30T06:52:00.000-07:00

Salve!!!
Hoje vou falar sobre mais um plugin que testei: o Ez Mix fabricado pela Toontrack (famosa por ter a melhor bateria VSTi a Ez Drummer).

O que ele faz
A proposta desse plugin é conseguir mixar e masterizar da maneira mais rápida possível. Ele foi criado exatamente para que não tem muita noção de disso.
A facilidade com que ele acessa imediato efeitos, equalização e compressão é muita rápida.

DAW que o plugin foi testado
Sony Vegas, Sony Sound Forge, Wavelab, Fruty Loops e Cakewalk Sonar.

Como funciona
Muito simples: após você chamar o mesmo numa pista, bus, master ou até mesmo no programa de masterização você tem acesso imediato aos presets. Possue apenas alguns comandos:

Preset:O nome do preset
Type: diz o tipo de efeito do preset (compressor, reverb, delay, EQ, etc...)
Instrument: O tipo de instrumento (guitarra, voz, bateria, baixo e até tipos de salas)
Shape: Serve para aumentar ou diminuir o efeito pré definido.
Blend: Mistura o efeito (depende o que ele faz)
Level: Controla o volume geral.

Testes

VSTi - Eu testei no Fruit Loops e colocando ele no master é bem rápido conseguir um bom timbre seja de bateria, baixo (sampleado), synth usando seus presets. Isso ajuda a ter resultados mais rápidos ao mixar com os instrumentos analógicos.

Aux – Se for usar aqui, o resultado sai melhor com gravações em Flat (ajustes iguais). O que acontece é que em músicas onde o som já está ajustado, torna-se quase inútil. Porém, numa música crua não mexida resultado fica muito bom principalmente para ajuste “chatos” como voz e guitarra.

Master – Aqui depende do equipamento mesmo. Se não for bem gravado e não tiver um equipamento bom, quase não há resultados. Possivelmente junto você terá que colocar um compressor multibanda ou um limiter para obter um maior volume.

Conclusão
Esse plugin foi feito para os músicos que não querem gastar horas mixando e sim chegar a um resultado bom, audível e rápido para divulgar suas músicas. Vale a pena dar um conferida!

Demo para baixar e video explicativo: Toontrack

Abraços!!

masterização e mixgem mais sobre dither

2011-03-28T00:46:00.000-07:00

Salve!!! Vamos continuar a explicar o que é o dither!

O que é a quantização?
Na gravação anológica, o som é continuo, mas na digital (PCM) ele possue valores fixados e limitados pra tudo há um código descrito em passos (steps). Wordlenght é o nome que se dá ao valor dos bits com respectivo hz (exemplo 16 bits 44 khz o que vale há um CD). Por exemplo temo 65.536 steps, que em 16/24 bits é o que vale há 16.777.216 steps. No sistema PCM podemos calcular os steps: pegue o wordlenght de 6 x 8 x 48 dB (8 bits) = 16 bits com 96 dB e se for em 24 bits será de 144 dB. Obs:aqui somente perfiféricos especiais para conversão A/D.

Quantização distorcida
Acontece quando os harmônicos e subharmonicos são eliminados matematicamente do dither numa conversão A/D causado distorção e aumentando os ruídos. Matematicamente tem a ver quando uma voltagem de saída não se encaixa na voltagem de entrada, mas comum quando se usa periféricos A/D e D/D.

Valores de bom de dither
Os melhores dithers são conseguidos com – 96 dB sem nenhum tipo de distorção ou ruído A/D. Dither não é um truque de ouvido e sim um acréscimo ao som matematicamente. Qualquer conversão 16 bits A/D acrescenta algum tipo de dither. Muitas vezes uma conversão de 20 bits na verdade vai para 19-18 bits.

Re - dither
Um problema muito comum na DAW, a truncagem. O pior problema do DSP (digital signal processor) é que como é tudo matemático ele gera um som diferente do som puro que é gravado pois precisa filtrar o mesmo digitalmente. Por exemplo, há 44 kHz temos 44.000 samples por segundo (88.200 samples stereo) e quando acrescentamos apenas +1 dB de ganho no sinal, ele vai multiplicando esse ganho em “cada sample”e por isso todo DSP exige “repetições” seja filtros (filters), EQ ou compressão em pequenas doses. Quanto mais se limpa, mais o som vem pra frente. Se um periférico (DAW, Mixer) foi feito para trabalhar apenas em 16 bits, 32 bits (ou mais) pode ter um valor insinicativo pra o mesmo. Os bits sempre depende do wordlenght interno que o periférico permite por isso vá dosando tudo com muita calma!

Como funciona o dither digitalmente
Como o dither é um valor matemático, siginifica que analogicamente podemos ter o mesmo e ainda ser acresentado ao nosso dither digital e por isso muitas vezes é necessário recalcular nosso sample e os mesmo só podem ser ouvidos com um fone. Concluído, todo valor acima de 16 bits quando convertido para o mesmo, pode acrescentar ruídos e não for bem calculados.

Uma técnica dither
Se tudo precisa de um dither 16 bits e 91 dB o equalizador (shape) no dither tem que ser audível. As áreas mais afetadas e audíveis aqui são em3 kHz (onde o ouvido é mais sensível) e nas altas freqüências entre 10 – 22 kHz. (amplia a imagem)

1)Quando se reduz o wordlenght (por exemplo de 24 bits para 16 bits) se acrescenta mais dither.

2)Procure fazer projetos com 24 bits e guardar nesse formato. Quando for passar para CD ele automaticamente fara com que o wordlenght vá para 16 bits pois é o seu máximo.

3)Wordlenght costuma acrecentar efeito muitos mais que qualquer DSP principalmente quando passa de 24 bits para 16.

4)Para toda música, existe um tempo de “shape” (eq). Por exemplo, um shape transparente não é aconselhável para um rock pesado.

5)O dither sempre acontece em conversões. Por exemplo de 24 bits/48 kHz teremos uma truncagem para 16 bits que não pode ser ouvida.

Dicas do livro: Bob Katz - Mastering Audio

Bom fim de semana!!!

Mixagem masterização a vez do dither

2011-03-25T07:03:00.000-07:00

Salve!!!
Com certeza você já ouviu a palavra “dither” por aí... Mas afinal, o que ele faz realmente? Antes eu dava uma explicação “bem básica” do que era, do tipo: é para colocar “pink noise” ou “white noise” no CD, porém após ler um livro de masterização, acabo de descobrir uma coisa: as informações sobre o “dither” na internet estão desencontradas! O dither não acrescenta ruídos, e sim faz cálculos matemáticos que simulam o pink noise e o white noise. Então vou tentar explicar o que ele realmente faz no CD.

1)Por que você precisa de um dither ao queimar um CD?
Antes de assustar, você deve entender que tudo que você ouve tem um ruído positivo, se não fosse por ele nós teríamos efeitos como flanger, distorção, compressor e limiter. Esse ruído é inperceptível pois fica abaixo dos – 50 dB, porém é ele que “empurra” o som em direção ao nosso ouvido. Nós o classificamos em “pink noise” (ruído rosa) e “white noise” (ruído branco). Quando convertemos um arquivo “wave” ou “mp3” geralmente ele vai sem esse ruído, a primeira coisa que você notará que o som parece “sem vida” e “artificial”. E por que acontece isso? Porque o som não está presente! E por isso existe o dither que faz irá fazer isso no seu som.

2)Para usar o dither precisa queimar o CD?
Não. Muita gente que está lendo isso, pode pensar “ué mas o meu som está presente e não usei isso”.... Não usou? Os principais plugins de masterização (Ozone 4, Waves L3, T-racks 3, etc) possue em algum lugar a função “dither” e com certeza ela está acionada! Basta procurar no plugin. E o que acontece? Muitas vezes você converte o arquivo de áudio sem saber que já está passando o dither. Isso requer cuidado, pois se você passar novamente o dither e a faixa de áudio já contém o mesmo, pode inverter a fase ou embolar o som. Porém se o seu dither foi passado em 24 bits no arquivo de áudio e depois o que foi passado no CD foi de 16 bits, o que vai acontecer é um “reforço” no mesmo. Dependo como está sua mixagem, não vai alterar nada o som, só vai acrescentar.

3)Bits e Shapes
Sem dither o pink noise fica “magro” e com dither ele fica “forte”, mas o que é essa alteração em perto de 14 kHz? Quando eu li sobre alteração me lembrei de uma dica que tinha lido num outro livro: para deixar os instrumentos mais reais de destacados, aumente +6db entre 14-15 kHz. E isso que o dither faz nessa área: trazer um pouco mais os instrumentos para frente. Tudo que envolve equalização no dither chama-se shape. Na linguagem da mixagem muitas vezes os bits são referidos como wordlenght (tamanho da palavra) para simplificar o termo. Exemplo

Wordlenght CD - 16 bits/44 khz
Wordlenght DVD 24 bits /92 khz

Todo plugin e periféricos que trabalham com dither, possuem a opção “bits” (wordlenght) e “shape”. Bits significa a quantos bits você quer que o dither seja feito (16, 18, 20, 24) e shape significa a área que ele vai ser mais forte ou fraco a partir de 2 – 4 kHz (área com maior adição) 10 – 22 kHz. O gráfico abaixo mostra um shape de um dither.

Plugins como o Waves Final 5 possue esse shape bem visível, mas a maioria dos plugins não, por isso fique atento aos comandos, pois eles alteram sempre o som!

4)Passando dither no CD
Alguns engenheiros afirmam que se fosse pegar uma gravação de 32 bits float há 48 kHz é o ideal para fazer o dither, pois no CD ele irá converter para 16 bits/44 kHz (que e a metade desse valor), outros dizer que 24 bits/44 kHz já bastam. Particularmente, eu já fiz teste nos dois modos e o que notei é com 32 bits eu escuto muito “stream” (quando som soa flangeado e fora de fase) e com 24 bits/44 kHz e não sinto “punch” (força), e por isso eu faço tudo há 24 bits/48 kHz, porém isso depende da placa de som.
Você deve testar a capacidade da placa! Pois não adianta você ter uma placa de 16 bits e gravar a 24 bits (ele não tem capacidade pra isso) assim como ter uma 24 bits e tentar gravar a 32 bits float. O certo é ver qual a capacidade máxima de sua placa de som e sempre procurar gravar com ela.

Bons sons!!!
Ótimo fim de semana!!!

Korg Nano Controler!

2011-03-23T06:27:00.000-07:00

Sensacional essa novidade da Korg!!! O sonho de fazer música em qualquer lugar cada vez mais próximo!!!

Mixagem e gravação: guitarra e o inferno de Fuzzy!

2011-03-21T05:54:00.000-07:00

Salve!!!
Hoje novamente vamos falar sobre um problema que atinge vários guitarristas em suas mixagens: o efeito fuzzy, também conhecido com “harsh”.

1)A origem do fuzzy
O Fuzzy acontece em torno de 2 – 8 kHz e geralmente é quando a regulagem do amplificador está com muito médios ou agudos ou está “despejando” distorção demais!. A distorção está ótima ao vivo, porém devido a fatores como a conversão de analógico para digital, tudo vai perdendo brilho e o que o fator digital mais aumenta, são justamente as partes “brilhosas” ou seja os agudos.

Veja alguns exemplos que podem originar fuzzy:

A)Guitarra fora de fase (isso aparece claramente quando passa pelo “dithter” no CD)
B) Microfone do amplificador está captando ambiente demais
C) Excesso de uso de um tipo só de captador (somente single ou hambucker)
D)Ruídos em cabos.
E)Inexperiência ao regular pedais ou pedaleiras.

2)Como solucionar isso

A) Primeiro de tudo: diminua a distorção do seu pedal/pedaleira/amplificador

B)Um dos piores problemas que existe é que os guitarristas “teimam” em achar que o que eles ouvem é o que vai sair na gravação. Dá pra fazer isso? Sim! Mas você tem um equipamento de R$100.000 a mão? Entendeu? Por isso temos que pensar em 3D, ou seja, “ouvir o que não foi gravado”. Você pode gastar horas de testes para encontrar o som perfeito, ou ir direto ao ponto.

C)Tente outras entradas do seu equipamento (se tiver), reduza o volume (master) e aumente o ganho (gain) aos poucos.

D) Pegue uma guitarra que diferente da sua em captação: se você tem uma com single, pague um com hambucker e vice versa. Porém, se você tem uma que tem single+sinlge+hambucker ou hambucker+single+hambucker alterne os captadores! Grave a mesma coisa em mono e depois separe as duas com pan (bote uma para equerda e outra para direita). Soa esquisito sozinho, mas muito bom quando se junta!

E)Verifique cabos e como está energia do ambiente de gravação.

F)Equipamentos muitos baratos podem ser um problema. Procure bons equipamentos ou com os melhores custo/benefício.

G) Passe várias vezes a música para o CD juntamente com “dither” e procure ver onde você acertou ou errou.

3) Menos é mais!
Você já se perguntou porque muitos guitarristas usam “paredes”? Pra bonito? Talvez, mas a verdade é que a maioria “constroe” blocos de som! Ou seja, eles ligam os stacks uns nos outros com volumes e ganhos diferentes, começando com um menor e terminando num maior. E como fazer isso com um simples equipamento? Basta ter um compressor para dar um bom resultado. Pode ser até numa pedaleira, faça comece com os seguintes ajustes:

Master 4 – Gain 3 – Compressor Level 7 (ajuste a compressão para o máximo).

Você notará que o som saíra “mais pesado” do que o normal.

4)Sua guitarra pode ser boa, e os captadores?
Uma das maiores causas do “fuzzy” é justamente captadores errados. Nesse caso você precisa ter em mente qual o som que quer. Por exemplo, você quer um som que vai do pop ao rock numa boa na sua strato (ou cópia) os captadores Fender Telemex podem ser uma boa pedida. Agora se você quer um som “mais rasgado” uma combinação de Dimarzio Pro (braço) e Symour Duncan Distortion (ponte) pode a solução na sua Les Paul (ou cópia). No site pedal board, há equipamentos e guitarras que os famosos usam.
pedal board

5)Onde se localiza o fuzzy?

Se há excesso de fuzzy, as freqüências entre 5 – 8 kHz podem estar altas demais! Existem 3 boas maneiras de resolver isso:

A)Passando um equalizador paramétrico ou shelve entre 5 – 8 kHz. Coloque uma faixa "parametric" com uma oitava pequena e varra essa freqüências, faça como a figura abaixo:

C)Faça a mesma coisa, só que usando um compressor multi banda.

D)Passe um de-esser (isso mesmo aquele plugin pra voz) nessa faixa também. aqui Nessa postagem um há vídeo de Daniel Waves sobre o assunto!

C)Ao invés de diminuir aqui 5 – 8 kHz diminua aqui: 250 – 400 Hz. Explicação plausível: abaixo de 1 kHz a gente corta, acima pode se aumentar! Isso quer dizer que o som está certo em 5 – 8 kHz, mas errado em outra fraquência. Sempre faça farredura!

F) Low self a partir de 84 Hz e high self a partir de 10 kHz.

Abraços! Ótimos sons!!!

Liçao de video: usando de esser para resolver fuzzy na guitarra

2011-03-16T10:26:00.000-07:00

De todos os videos que já vi no “you tube” sem dúvida um dos mais que valeu a pena assitir foi esse. Daniel P. Jimenez (Daniel Waves) explica como acabar com o excesso de “fuzzy” de uma guitarra distorcida, de um jeito simples e eficaz, com uso do Waves Rdesser (ou qualquer outro de-esser). Eu testei e realmente funciona! Vale pena olhar!

Abraços!!!

Masterização: colocando reverb

2011-03-16T09:48:00.000-07:00

Salve!
Sinceramente, andei pesquisando isso em ate em fóruns internacionais e realmente as pessoas estao em duvidas. O fato é:
aquela acústica maravilhosa dos estúdios profissionais é mesmo ambiente seco acrescentado de plugins? Possivelmente sim, só que isso é parte de um processo, a gravação e a mixagem, mas o que acontece na masterização?
Lendo um livro sobre assunto vários truques podem ser usados para deixar o som "perto" da realidade, e por isso que nos últimos dias ando comparando a adição do reverb com o plugin DR-T metter. A primeira coisa que ouço é que há um aumento de pelo menos 2 pontos na dinânimica do som confirmado pelo plugin e isso possivelmente deve ser muito usado em masterização, porém de uma forma ordenada. Está afim de fazer uns testes com isso? Então vamos a umas sugestões:

1)Escolha o plugin
Pegue sempre um plugin reverb que contenha essa funções: cut low above, cut high above, damp, early effect, reverb out, dry out.

2)Dose a mixagem
Se você vai usar reverb na mixagem com certeza irá dar conflito no reverb da masterização. Aqui você pode tentar:

A)Não colocar reverb nada, apenas no master.
B)Se usar um reverb longo na mixagem use um curto no master e vice versa.
C)Efeitos delay pode criar "reverb tipo plate" tente não usar muito a função “feedback”

3)Efeito de ar
Esse é um truque velho dos estúdios. Colocar o reverb entre 10 - 20 khz bem exagerado para dar uma sensação de "ar".

4)Reverb em mono
Outro velho truque dos estúdio:
Colocar as pistas que usam em reverb em mono, a explicação é simples: reverb tem mania de invadir “espaços” (os pan ficam incompletos) quando gravados em estéreo.

Abraços!!!

Mixagem e masterização:compressão alta (upward compression)

2011-03-13T10:43:00.000-07:00

Confesso que anda estou aprendendo.... Mas é um ótimo truque a ser exeplorado!!!!
Todo excesso de concentração que é usado pelos compressores há "nivel baixo" facilita para passar fatos do tipo "pseudo acústicos" no nosso ouvido
passando direto pela partes "suaves" e aumentando o que não deveria nas
"passagens altas". O resultado é que depois teremos um "som branco" inatural enquanto podemos sentir um som bem natural. Em resumo: envolve sons abaixo do limiar mais alto enquanto as passagens mais alto permanecem inalteradas.
Essa é uma técnica de compressão que foi evoluindo com o tempo. Imagine que uma compressão somente com um controle (knob) sem precisar ajustar attack, threshold, release ou ratio (muito comum em pedais de guitarra). A qualidade do som é tão transparente que precisaria escutar com atenção cada vez que faríamos alguma alteração no mesmo. Baseado nisso, Richard Hulse Um engenheiro de som da Nova Zelândia desenvolveu a "compressão parelela", usando os critérios dessa formula (somente som mono):

som + Time delay + compressor e makeup gain (ou attenuator) = resultado

em principio a distorção da compressão paralela é mais baixa que compressão normal, porque há um controle linear e outro não linear no som. A quantidade de compressão é controlada pelo "attenuator" ou makeup gain.O obejtivo dessa técnica é fazer o "menos" virar mais
e deixar o som alto.Veja abaixo como fazer:

1)Deixe o threshold em - 50, isso fará reduzir ganhos extremos nas partes altas, porque a saída do compressor paralelo
puxa para baixo as passagens altas. Se você por exemplo acrescentar -20 db, ele não contribuirá no resultado final.

2)Deixe o "attack"o mais rápido possível. Se o compressor tem a função "look ahead" não ative pois devido ao delay
pode tirar ganho.

3)Ratio de preferência 2:1, 2:5 ou 2:5:1,

4)Release médio, perto de 250-350 ms para evitar "ar" ou "pump".Quando for algo como um coral

5)A saída (output) deve ser decida pelo usuário. Como funciona paralelamente, cabe a você
colocar a quantidade de volume. Se usar "auto make up gain"deixe entre - 5db ou - 15 db.

Boas gravações!!!

Como gravei Blond Love

2011-03-09T04:10:00.000-08:00

Salvem!
Na postagem de hoje vou explicar como gravei minha música “Blond Love”.
Vá ouvindo a mesma, enquanto você lê a postagem...

História da música
Em 2006 havia uma amiga minha com uma tatuagem assim: “good girls goes to heaven, good girls goes to anywhere” e o mais engraçado que ela era uma “loira falsa” (interagindo uma palavra em inglês que disse a ela: you´re blond in hair but black under your pent) e isso também devido que todas mulheres que serem “loiras”, porém cabelo “não muda” a alma (como a própria música fala) e a concepção da letra foi por aí. Em 2008 eu gravei a 1º versão, mas fiquei tão decepcionado com as guitarras distorcidas que engavetei o projeto. Há 2 meses atrás, usando novas técnicas resolvi regravar essa música.

Equipamentos Usados:
Fender Squarier jazz bass: baixo
Teclado Yamaha: Baritone Sax
Guitarra 1: Tagima 735 com Capitação Dimarzio
Gutiarra 2: Yamaha Pacifica com captação Fernandes
Processador de guita Vamp 2
Pedais: Boss NS (noise gate), Boss DS1, Onner Carbon X, Marshall Jack Hammer, Onner Boost.
Microfone: Lesson SM58 e Shure SM58
Mesa de som Wattsom (usada para o baixo)
D.I Behringer
Amplificador MIC100
Placa de som: M-Audio

DAW
Sony Vegas 7
Fruit Loops 9

Plugins
Vsti: Battery 3 para bateria
Vsti Subhumman: reforço de linha de baixo
Sony reverb
Sony Delay
Izotope Multi Band
Equalizador padrão Sony Vegas

1)Gravação

Pista 1 Bateria
Vsti: Battery 3 usando kit “GM” para bateria feita em Fruit Loops.

Pista 2 Baixo
Baixo ligado em linha, mesa de som.

Pista 3 Sax Baritone
Yamaha 630 ligado em linha

Pista 4 Guitarra Drive
Tagima – Vamp 2 – Carbon X
Simulação Vamp:Classic Clean

Pista 5 Guitarra Drive 2
Tagima – Vamp 2
Simulação Vamp: British Classic

Pista 6 Guitarra crunch
Pacifica - Vamp 2 – Carbon X
Simulação Vamp: British Classic

Pista 7 Solo Esquerdo
Tagima – Vamp 2 – Jack hammer
Simulação Vamp: Classic Clean

Pista 8 Solo Direito
Pacifica - Vamp 2
Simulação Vamp: Top Boost

Pista 10 Voz direita
Lesson SM58 – Mic100

Pista 11 Voz Esquerda
Shure SM58 – Mic100

Pista 12 Voz Backing
Shure SM58 – Mic100

2)Mixagem

Pista 1 Bateria
No Fruit Loops, eu fiz primeiro a mixagem no próprio plugin. Para dar mais “vida” ao som, coloquei no master plugin antigo chamado “Magneto “ que simula compressor valvulado. Após isso, mixei e fiz o arquivo Drums.wav

Pista 2 Baixo
O baixo foi gravado com um Fender Squarier jazz bass cópia do famoso “Fender Bass Precision”, porém não gostei muito dos “slaps” que fiz, e por isso taquei em cima da trilha o plugin Subhumman para reforçar o “bottom end” (50 – 80 Hz). Fiz a duas em mono, depois um render para estéreo.

Pista 3 Sax Baritone
Sem segredo: um patch de Sax Baritone com um pouco de reverb.
Eq: Cut low 150 Hz, - 3 dB 1 kHz - 3 kHz e aumento + 6 dB em 15 kHz com o mínimo de oitava.

Pista 4 Guitarra Drive (Tagima)
Uma das coisa que gosto de fazer é deixar uma guitarra “seca” no lado direito. Essa é a guitarra seca.

Pista 5 Guitarra Drive 2 (idem)
É a mesma guitarra da pista 4, porém na esquerda com reverb.

Pista 6 Guitarra crunch (Pacifica)
É umaguitarra com uma distorção bem leve...

Pista 7 Solo Esquerdo (Tagima)
Essa guitarra tem reverb

Pista 8 Solo Direito (Pacifica)
E essa aqui tem delay (236 ms, colcheia)

Pista 10 Voz direita
Essa tem reverb

Pista 11 Voz Esquerda
Essa tem delay (62 ms)

Pista 12 Voz Backing
Nada demais, apenar um delay de 234 ms.

3)Relações de arquivo (formato 24 bits 48 kHz) Posicionamento, plugins
Atenção: Se não colocar qual o valor da freqüência foi aumentada/diminuída no EQ quer dizer que as outras freqüências estavam flat.

Drums.wav – Estéreo – Pan: centro
Plugin: Waves Rbass
Eq: cut low self 35 Hz, +1 235 – 350 Hz - 6 dB 10 – 12 khz

Baixo - Estéreo – Pan: centro
Eq: cut low self 20 Hz, - 2 dB 50 – 80 Hz, - 3 dB 600 Hz – 2 kHz
Plugin: Subhumman

Guitarra Drive – Mono – Pan: Direito
Eq: cut low 84 Hz, + 2 dB 250 – 450 Hz, - 2 dB à partir de 1 kHz.
Nenhum plugin usado

Guitarra Drive 2– Mono – Pan: Esquerdo
Eq: cut low 84 Hz, + 2 dB 250 – 450 Hz, - 2 dB à partir de 1 kHz.
Plugin: Sony FX Reverb

Gutarra Crunch – Mono – Pan: centro
Eq: cut low 84 Hz, + 2 dB 350 – 550 Hz, - 2 dB à partir de 1 kHz.
Nenhum plugin

Guitarra Solo 1 –mono – Pan: Esquerdo
Plugin: Sony FX Reverb
Eq: cut low 84 Hz, + 2 dB 350 – 550 Hz, - 8 dB 3 – 5 kHz

Guitarra Solo 2 – mono – Pan: centro
Eq: cut low 84 Hz, + 2 dB 350 – 550 Hz, - 8 dB 3 – 5 kHz
Plugin: DS Delay

Voz Direita – Estéreo – Pan: centro
Eq: cut low 120 Hz, + 2 dB 240 – 400 Hz, + 1db 1 kHz – 4khz, - 5 dB 4.2 – 4.9 kHz, + 3 dB, 5 kHz.
Plugin: DS Delay e De esser

Voz Esquerda – Mono – Pan: centro
Eq: cut low 120 Hz, + 2 dB 240 – 400 Hz, + 1db 1 kHz – 4khz, - 5 dB 4.2 – 4.9 kHz, + 3 dB, 5 kHz.

Plugin: Sony FX Reverb e De esser

Voz Bakcing – Estéreo – Pan: centro
Eq: cut low 120 Hz, - 5 dB 4.2 – 4.9 kHz, cut high a partir de 8 kHz
Plugin: DS Delay e De esser

Obs: Todos as pistas estavam acrescidas de compressão também. Geral 4:1 ratio, 12 ms Attack e 100 ms release.

4)Master
Para manter o ambiente de rock anos 70, fiz o master em nume técnica chamada “Big Mono”:

1)Faça uma compilação da música em 24 bits stereo
2) Faça uma compilação da música em 24 bits mono (tire todos os efeitos da música!)
3) Crie um novo arquivo na daw, com 2 pistas.
4)Coloque o arquivo stereo na pista 1 e coloque 80% a esquerda
5)Coloque o arquivo mono a 100% da direita.
6)Use Waves Analyser ou Roger Stereo Analyaser até ficar com “pulsamento” no meio
7) Coloque um plugi de finalização (Waves L2, Roger Final) com - 6 dB threshold, 100 release, e – 0,2 output. Dither 16 bits

5)Considerações finais
Não pense que foi assim para chegar a um resultado final.
Para você ter uma idéia, foi 2 semanas de gravação, 3 de mixagem e 2 de master.
Uma das coisas que me auxiliou em ao chegar onde queria, foi o uso do plugin DR-Meter baixe aqui grátis que me ajudou a medir a dinâmica do som. O desafio final ainda é a masterização. Para você ter uma idéia, a mixagem que estava em DR13 no master foi para DR8 e o principal culpado, é a elevação da música para “volume comercial”. O plugin não vai te dizer “se a música está ou não bem gravada” mas vai te dar pistas no que está acontecendo com ela....

Espero que essas informações lhe ajude!!!

Abraços!!

É carnaval....

2011-03-04T05:22:00.001-08:00

Devido ao carnaval, farei uma nova postagem somente na quarta dia 08/03....

A todos ótimo carnaval!!!
Ótima diversão!!!!

Mixagem: juntando duas ou mais pistas com um "render"

2011-03-02T03:16:00.000-08:00

Salve!
Para quem não sabe, “render” é o ato de juntar duas pistas diferentes (com seus respectivos AUX) porém essa função tem nomes diferentes dependendo a DAW que você usa:

No Vegas e No Acid é “render”
No Sonar é “bounce to clips”
No Cubase é “mixerdown”
No Logic é “bounce”

O problema é que juntar “tudo num bolo” pode ficar “sem dinâmica” e ainda “fora de fase” e muitos aux não casam, seja em matéria de equalização, pan e timbre, por isso geralmente se faz um “render” de um auxiliar que tem instrumentos em comum (como por exemplo a bateria). Nas questões abaixo falaremos um pouco mais sobre “render”

1)Vale a pena juntar pistas?
Depende do caso. Muitas vezes aqueles instrumentos que não estão casando podem casar unindo os mesmo (isso porque há uma junção no campo estéreo) e outras vezes não porque saem da fase. O render é mais usado mesmo para limpar um pouco o processamento da CPU, pois quanto menos pistas rodar mais rápido o computador irá processar.

2)Mono ou estéreo?
Quando se faz render você pode converter uma pista em mono para mono e uma estéreo para estéreo sem problemas. Podemos até converte uma pista estéreo em mono ou mono para estéreo. Porém não é aconselhável “unir duas pistas com pan em posições diferentes” (não importando se mono ou estéreo) que em mono! Isso é simples: se uma pista estiver um pan em 100% para esquerda (0) e 100% para direita (127) e converter em mono, você irá criar um mono esquisito (sem brilho) pois o som que você vai obter é o mesmo que tivesse deixado as duas pistas no centro. Sempre “respeite” o formato do som para evitar “desagradáveis” supresas. Depois da conversão, procure deixar a pista um pouco para direita ou esquerda, pois no centro ela pode “roubar” freqüências de outras pistas.

3)Fazendo um render (passos)
A)Selecione o AUX desejado
B)Evite deixar “plugins” no aux e no master, mas mantenha os plugins das pistas.
C) Verique o pan de cada instrumento onde você fará o render.
D) Rode a música e veja se é isso mesmo que AUX tem que fazer.
C) Anote o valor do volume do AUX. Após isso deixe o mesmo em 0 dB. Faça a mesma coisa com o master.
E)Deixe solo o AUX . E toque o mesmo
F)Se houver “picos” vá diminuindo o volume do AUX, não do master.
G) Deixe o master em -1 dB ou a gosto.
H) Faça o “render” e apague as pistas que usou para faze-lo. Acrescente o plugin do AUX ou pista.

Abraços!

mixagem: ampliando o som

2011-02-28T05:41:00.000-08:00

Salve!
Pra começa a semana, vamos falar novamente sobre como “ampliar” nosso som. Lembrando que esse assunto já foi abordado AQUI várias vezes nesse blog.

1)Som magro, efeito gordo.
Pra começar, um excelente equipamento se não for mixado direito não vai dar em nada, e um equipamento mais ou menos quando mixado direito pode supreender. Não se engane com os comentários da internet, a música está nas mãos (melhor dizendo nos ouvidos) dos músicos, produtores e engenheiros de som e não nos equipamentos propriamente ditos! Pra você ter um idéia aquele som maravilhoso de guitarras limpas que escutamos em gravações da Motown eram gravadas assim: ligavam uma guitarra na mesa de som direta e depois se colocava os efeitos manualmente. Aqui como o guitarrista tinha “vibe” era só acrescentar os efeitos depois sem se preocupar com resultado final.

2)Disseram para colocar os efeitos depois, mas já experimentou assim?
Essa semana estou remixando uma das minhas músicas “Blond Love” e por fim refiz tudo ao invés de remixar: guitarras, cama, baixo, voz, bateria. Porém ao gravar a guitarra fiz o seguinte: o canal direito deixei seco e o canal esquerdo com um reverb estilo “hall” tudo em mono, o resultado foi quando coloquei um canal para cada lado o som da guitarra ficou enorme! Com a voz foi a mesma coisa, porém o reverb usei do tipo “plate”. Aqui é o seguinte: Se você grava um canal com efeito e outro sem a mesma trilha, se o efeito começar a “embolar” (que é muito comum) é só cortar o canal do efeito e clonar o canal sem efeito (porque os dois são as mesma coisa) e refazer o mesmo. Isso não é nenhuma novidade, porém é uma dica muito útil que passa despercebida, porém se for clonar a pista, tenha cuidado na posição do pan, pois dependendo o caso, o mesmo pode sair fora de fase.

3)Gravar em estéreo ou mono?

Bom, isso aqui é muito do gosto especial. Na verdade a bagunça começou AQUI quando começaram a definir os estilos de gravações. Cabe a você, achar seu jeito de gravar. Com minha músicas eu decido o que vai ficar em estéreo ou em mono. Quando algo pede efeito (como voz, violão, gutarra, caixa da bateria) eu prefiro deixar mono, pois dependendo o efeito ele já acrescenta o efeito estéreo automaticamente (principalmente plugins de reverb e delay).

Abraços! Boa semana!

O sucesso depende do quê? 4° – fazer sucesso é como jogar videogame véio!

2011-02-25T04:36:00.000-08:00

Continuando nossas postagens, hoje vamos ver o que você é pode ser dentro da música. Eu vou especificar mais a música POP (não estou falando de ser maestro ou algo parecido) e isso é apenas opinião pessoal e experiência que vi e vivi e para fazer isso uma coisa mais “divertida” vamos imaginar que sua carreira na música é um RPG com várias níveis a serem conquistados, afinal como disse o produtor Carlos Miranda: “fazer sucesso é como jogar videogame véio!”

Nível 1 - Roadie
Não precisa entender nada de música para carregar equipamentos. Porém já conheci muitos músicos que eram roadies também músicos e sem contar que muitos artistas que “ralaram peito” foram roadies também pois o seu principal objetivo era estar sempre no meio da música.

Nível 2 – DJ
O que dizer de um DJ? É um músico ou alguém que coloca CD ou MP3 list e deixa a festa rolar? Existem DJ que são instrumentistas que usam o que aprenderam no seus estudos para mixar ao vivo suas músicas (geralmente aqueles cheios de equipamentos e shows são sensacionais), porém outros são apenas “start/stop” manuais. Um DJ para ter destaque (e virar um artista famoso) é necessário ser de tudo pouco: artista, apresentador, músico e animador.

Nível 3 - Ficar em casa
Ficar em casa fazendo o quê? Isso é uma resposta que você deve ter em mente. Geralmente quem trabalha em casa com música são músicos de estúdio e engenheiros de som que depois vão para estúdio com o resultado dos seus trabalhos. Empresários também podem se incluir aqui. Muitos usam a internet e o telefone para fechar vários contratos. Professores também podem se encaixar aqui (somente aqueles que dão aulas particulares). Porém não entendo como ótimos músicos estão em casa, deixando sua música fluir apenas entre 4 paredes!

Nível 4 - Dono de estúdio
Assim como um empresário, o dono de estúdio não precisa ser um músico (mas nunca vi nenhum estúdio onde o dono não seja músico) porém cabe a ele sempre manter em ordem o ambiente de gravação (acústica, equipamentos e engenheiros de som). Vale a mesma coisa pra quem tem um Home Studio e quer ter um dia um estúdio.

Nível 5 – Produtor de show
O produtor de show é o responsável por organizar o show para o artista. Ele precisa cuidar de uma série de coisas (roadies, maquiadores, sonorização, hotéis, camarim, agenda de compromissos) para que o show do artista seja perfeito! O produtor sempre se mantém “colado” no artista, onde quer que ele vá.

Nível 6 - Engenheiro de som
Engenheiro de som é o cara responsável pelas gravações, mixagem e masterização. Pode ter um pra tudo, ou um para cada tipo de trabalho. Ele é responsável por fazer o que o artista e o produtor tem em mente. Precisa ser bem estudado e bem atualizado, e irá mexer com tudo que envolve som, desde acústica, equalização, dinâmica e campo estéreo.
Grau de dificuldade do desafio: 6

Nível 7 – Sideman
Sideman é o “braço direito” de um artista, ele que direciona sua música, que a faz com exatidão o que está no CD no palco, que da alma a ela. Muitos que já foram sideman hoje são artistas e produtores famosos, porém assim como artista, é um desafio em tanto. O segredo do sideman é sempre ser mais estudado que os outros, ter mais alma e mais prática que os outros, para alcançar o sucesso.

Nível 8 Empresário
Tão importante quanto um bom produtor, é um bom empresário. É ele que garante os contratos do artista (shows, gravações, jingles, propagandas, programas de tv, jabá, rádio, eventos sociais) e dará garantia ao mesmo não cair em roubadas! O empresário não precisa ser músico, precisa ser uma pessoa bem apresentável com ótima relação inter pessoal.

Nível 9 Produtor
Produtor é um músico que entende basicamente de tudo: desde instrumentos a gravações, é ele que define como artista vai se comportar, que músicos contratar, que estúdio gravar. Junto com o artista, está em suas mãos definir o sucesso ou o fracasso de uma música. Um artista na mão de um bom produtor se transforma de “água” para “vinho”.

Nível 10 - Artista
Pra começar é o que todo mundo que ser. Quem não quer na música ter fama, sucesso, dinheiro e poder? Ficar 24 horas pro resto da vida só em função disse. Deixar que os outros se preocupe por você e ficar só pensando como vai ser sua próxima música, seu próximo show, sua próxima gravação. Porém pra conseguir isso se você não estiver no lugar certo, não nascer na família certa, não ter os caminhos certos, só resta você “ralar peito” para ficar famoso. Lembre-se: artista que ralam peito são que são imortalizados!

Não importa em qual o nível que você quer alcançar, o importante é fazer bem o que quer e com paixão!

Ótimo fim de semana!!!!

Evolução das minhas gravações

2011-02-23T05:32:00.000-08:00

A evolução das gravações
Veja e ouça como gravei minhas músicas e seus respectivos ano e equipamentos:

Power POP: Vontade de amar (2006)

Bateria, Baixo, Cama: Teclado Yamaha PSR 630
Guitarra 1: Tagima S735, Pedaleira Zoom 505 II.
Guitarra 2: Yamaha Pacifica, Pedaleira Behringer X Vamp
Microfone: Lesson SM58
Daw: Vegas

Synth POP:Lady Day (2006)

Bateria, Baixo, Cama: Teclado Yamaha PSR 630
Guitarra 1: Tagima S735, Pedaleira Zoom 505 II, pedal de expressão.
Guitarra 2: Yamaha Pacifica, Pedaleira Behringer X Vamp
Microfone: Lesson SM58
Daw: Vegas

Rock: Vivo eu (2007)

Bateria, Baixo, Cama: Teclado Yamaha PSR 630
Guitarra 1: Tagima S735, Pedaleira Zoom 505 II, pedal de expressão.
Guitarra 2: Yamaha Pacifica, Pedaleira Behringer X Vamp
Microfone: Lesson SM58
Daw: Vegas

Syrock: You cant hate (2007)

Bateria: Boss DR5
Baixo: Boss DR5
Cama: Teclado Yamaha PSR 630
Guitarra 1: Tagima S735 com captação Dimarzio, Amplitube 1.
Guitarra 2: Yamaha Pacifica, Behronger X Vamp
Microfone: Lesson SM58
Daw: Vegas, Acid.

Techno: Max Pressure (2007)

Daw: Inteiramente feita com Acid e Fruit Loops
Microfone: Lesson SM58

Power POP: We are stranger (auto tune demo) (2009)

Bateria: Boss DR5
Baixo: Boss DR5
Cama: Teclado Yamaha PSR 630
Guitarra 1: Tagima S735 com captação Dimarzio, Vamp 2.
Guitarra 2: Yamaha Pacifica, Behronger Vamp 2.
Microfone: Behringer XM8500 e auto tune em tempo real.
Daw: Vegas, Acid.

Rock: Tu eh uma gata (2008)

Bateria: Boss DR5
Baixo: Boss DR5
Cama: Teclado Yamaha PSR 630
Guitarra 1: Tagima S735 com captação Dimarzio, Vamp 2.
Guitarra 2: Yamaha Pacifica, Behronger Vamp 2.
Microfone: Behringer XM8500
Daw: Vegas, Acid.

Rock: Crer (2009)

Bateria: Boss DR5
Baixo, Cama: Korg Trinity
Guitarra 1: Tagima S735 com captação Dimarzio, Vamp 2.
Guitarra 2: Yamaha Pacifica, Behronger Vamp 2.
Microfone: Behringer XM8500
Daw: Vegas, Acid.

Rock: Vida normal (2010)

Bateria: Boss DR5
Baixo, Cama: Korg Trinity
Guitarra 1: Tagima S735 com captação Dimarzio, Vamp 2.
Guitarra 2: Yamaha Pacifica, Behronger Vamp 2.
Microfone: Behringer B-1
Daw: Vegas, Acid.

Synth Pop: Toda vez que te vejo (2010)

Bateria, Baixo, Cama: Korg Trinity
Microfone: Behringer B-1
Daw: Vegas, Acid, Fruity Loops.
Obs: Vários samples utilizados também.

Rock: Blond Love (remix 2011)

Bateria: Plugin Batter3
Baixo, Cama: Fender Squier Jazz
Teclado: Yamaha 630
Guitarra 1: Tagima S735 com captação Dimarzio, Vamp 2.
Guitarra 2: Yamaha Pacifica, Behronger Vamp 2.
Microfone: Behringer B-1
Daw: Vegas, Fruit Loops.

Rock: Banda QN - Mocinho sou eu (2001)

Bateria: Thunder Pro
Baixo: Steinberg
Cama:Teclado Yamaha PSR 630
Guitarra 1: Fender Strocaster, pedaleiras Boss ME 50
Guitarra 2: Gianni Trilogy com captação EMG e amplificador Laney.
Microfone(s): Shure SM 58
Daw: Cakewalk

Rock: Banda QN - Se eu puder voar (2001)

Bateria: Thunder Pro
Baixo: Steinberg
Cama:Teclado Yamaha PSR 630
Guitarra 1: Fender Strocaster, pedaleiras Boss ME 50
Guitarra 2: Gianni Trilogy com captação EMG e amplificador Laney.
Microfone(s): Shure SM 58
Daw: Cakewalk

Pop Rock: Banda Pi – Por quê? (somente como músico) (2004)

Bateria: Baterry 2
Baixo: Eagle SBJ 005
Guitarra 1: Ibanez RG350, plugin Guitar Rig2
Guitarra 2: Giannini Acústica modelo ES-335, amplificador Meteoro Atomic
Microfone: Behringer B1

Teste de plugin:Waves PAZ (Psychoacoustic Analyzer)

2011-02-21T06:27:00.001-08:00

Hoje irei abordar um dos mais famosos e usados “analyzer plugin” (analisador), o mundialmente conhecido PAZ. Esse plugin é antigo, porém pra mim ainda é que me dá análise mais precisas, principalmente no campo estéreo. Aqui você saberá os segredos desse fantástico acessório de gravação.

Vamos falar separadamente dos módulos do plugin:

1)PAZ-Frequency— Mostra em tempo real como está as freqüências da gravação.
Ela trabalha com “zoom” e classifica as bandas que estão em uso de 20 Hz a 20 kHz.
Os controles aqui são:

A)Navigate – Permite você navegar no spectro, analizando as bandas no ponto que você desejar.

B)Zoom – Aumenta ou diminui a visualização numa determinada banda.

2)PAZ-Position — Mostra como anda o funcionamento do seu campo estéreo.
Os controles aqui são:

A)LF res – Define em Hz qual freqüência grave você quer dar destaque na visualização (de 20 - 80 Hz).

B)Weight – Determina o modo de “peso” da freqüência grave.

C) Freeze – Congela a imagem da análise

D) Show – Mostra separadamente os canais (direito e esquerdo ou em conjunto)

E)Peak Hold – Congela o pico onde desejar. Aqui também ele mostra os impulsos do som (a forma que ele toma) para não ver nada (a forma evento) desabilite essa opção.

F)Clear – Zera o plugin

G)Detect – Define se o som serám detectado por “dinâmica” (peak) ou volume (rms).

H)Response – Mostra onde está iniciando a freqüência de resposta padrão.

3)PAZ-Meters – Mostra como está o em RMS.

Como funciona?

Para demonstrar o plugin separei esse vídeo, basta seguir a descrição em baixo dele:

A)Em 1:09 começa a utilização do plugin
B)Em 1:24 você verá o plugin em ação. Note que o som está centralizado, puxando um pouco para esquerda como mostra a análise.
C) Enquanto a música toca você pode ver as varias variações no campo estéreo que estão ocorrendo nela.
D) Ao mesmo tempo você pode ver o movimento da tela do “analisador”, note que os graves estão zerados a partir de 38 Hz.
C) Os picos indicam uma presença massiva do som entre 120 – 500 Hz.
F)Após 2:08 é adicionado um plugin de limiter. Olhe como as freqüências aumentam a medida que o o plugin é usado.

Baixe e teste!!!

AQUI você baixará a versão DEMO do plugin.
O mais legal aqui é que você pode colocar esse plugin num buss ou num master e pode analisar como funciona o campo estéreo e as freqüências de sua(s) música(s) favoritas!!!

Abraços! Boa semana!!!

Produção: meu primeiro CD é um DVD!

2011-02-17T03:27:00.001-08:00

Parece bobagem esse titulo, mas posso garantir que já é a tendência do mercado e novamente a ideia parte das grandes gravadoras. Numa postagem, comentei que “talvez” as gravadoras aumentaram o volume da música e sacrificaram a dinâmica para diferenciar das gravações dos home studio e dos pequenos estúdios. Porém todo mundo sabe que hoje em dia, a tecnologia deles está acessível graças a internet e como há uma séria de engenheiros pressionando a volta da dinâmica elas precisam de outro fator que destaque seus “artistas” dos demais. O resultado é que volta e meia você na tv um artista de que nunca ouviu falar lançando DVD com o dizer “show nacional”. Mas qual a vantagens disso? É o que vamos analisar nos próximos itens.

1)Com um DVD se cria um CD
Pra começar, o DVD pode acumular várias horas de aúdio, pois pode partir do formato básico do CD (44 kHz em 16 bits) até o seu formato máximo (192 kHz em 24 bits). A principal vantagem é que se no show do DVD pode caber até 24 músicas em formato máximo, no CD vai caber apenas 17 em seu formato máximo (ou seja, o CD está pronto com o DVD é só separar as trilhas e cria – lo) dando ao DVD um conteúdo extra, além daquela história de bastidores, como foi feito, etc... A prova disso é que muitos artistas nacionais conhecidos de 2008 pra cá, lançaram de cara DVD e CD juntos para diferenciar dos outros.

2)Na visão do espectador, na visão do contratante
Com um DVD/CD na mão muda-se tudo: do profissionalismo até os contratos. Na visão do espectador, uma cantor/banda que tenha isso é considerado mais “TOP” que os demais (mesmo que o som seja uma bela porcaria) e na visão do contratante, ele contrata um show que espera que seja igual ao DVD e pro artista é muito melhor porque ele pode mudar totalmente o valor de sua “garantia” e de seu cachê (normalmente depois de um DVD a tendência é dobra – ló).

3)Quais os benefícios?
De cara você mata 2 coelhos: O vídeo com seu show e o CD ao mesmo tempo, assim aumentando muito mais a chances de contratarem o artista, além se você for criativo irá mostrar um diferencial. Outra coisa, é poder fazer um "panorama real" (quem usar home theater se sentirá dentro de um show) além poder acrescentar "frequências graves" inexistentes em aparelhos comuns.

4)Quanto custa isso?
Se pra gravar um CD custa horas de empenho e estúdio, você já pensou quanto custa gravar um DVD? Vamos fazer uns “cálculos baixos”:

Local de gravação (ginásio, teatro, centro de eventos)
R$ 2000,00 a locação

Licenças (ECAD, prefeitura, corpo de bombeiros)
R$ 1.500,00 (totalizadas)

Sonorização (precisar ter pelo menos uma mesa digital)
R$ 2000,00 (dependendo o que oferece)

Iluminação (geralmente a sonorização já tem)
R$ 1000,00 (sem nenhum telão de led)

Equipe de sonorização (roddies, produtores, mesários, iluminadores)
R$ 300 x 15 = R$ 4.500,00

Equipe de gravação (geralmente um estúdio com tecnologia surround)
R$ 600 a hora de gravação (vamos dizer que o DVD vai ter 2 horas, R$ 1.200)

Equipe de maquiagem e troca de figurino
R$ 100,00 x 5 = 500,00

Mixagem (horas de estúdio)
R$ 500,00 x 8 = R$ 4.000,00

Masterização
R$ 500,00 x 4 = 2R$ 2.000,00

Arte do DVD
R$ 1000,00

Capa do DVD
R$ 1,00 x 1000 (cópias) = R$ 1000,00

Prensagem do DVD
R$ 0,50 x 1.000 (CÓPIAS) = R$ 500,00

Prensagem do CD
R$ 0,50 x 1.000 (CÓPIAS) = R$ 500,00

Marteking e divulgação
R$ 5000,00

Total do DVD/CD = R$ 20.000, 00

Claro que isso não envolve só a gravadora! Os artista independentes buscam apoio de patrocinadores e amigos para gravar seu DVD/CD, além disso é cobrado o ingresso do show de gravação, ou seja, se ele colocar no local 1000 pessoas sendo que cada ingresso seja vendido a R$ 10,00 ele já tem R$ 10.000 a metade do valor do DVD. Porém vale lembrar que muito dificilmente um show para um lançamento nacional de uma grande gravadora sairá por menos de R$ 50.000.

4)Já faço gravação, como entrar nessa?
Se você tem prática de gravar e mixar, sugiro comprar um “home teahter” um placa que tenha surround (como um Sound Blaster Audigy) e experimentar mixar sua músicas em surround. Claro que você precisa ter o equipamento de mixagem básico, pois o surround é apenas outro tipo de “panorama”. Aqui já fiz uma matéria sobre como funciona o campo estéreo no nossos ouvidos.

Bom fim de semana!! Ótimas gravações!

Produtor de evento: abertura para Luan Santana

2011-02-15T04:36:00.000-08:00

Salve!!! Hoje vou descrever como foi a abertura da Dupla Samuel & Greice para o grande astro da música sertaneja atual: Luan Santana.

Reconhecimento do local
Chegamos no Centro Eventos em Concórdia – SC e de cara já tomei um susto: o local estava quase totalmente cheio (até o às 21:00 o local já tinha mais de 10.000 pessoas), então o que fazer? Primeiro de tudo achar o palco para instalar os equipamentos e logo em seguida achar o camarim para os artistas. No palco conheci o Marcos Bassio (produtor do Luan Santana um cara muito gente boa) que me indicou com quem poderia falar para instalar meu som.

O Show de Samuel e Greice
O show foi aberto com a música principal da dupla (e tocada nas rádios de SC) “Aquele que sou eu”. Dessa vez um show bem variado indo do sertanejo universitário, rock e até músicas dançantes. O show foi terminado, e mais uma vez (graça a Deus) foi um sucesso! A dupla depois na “ala vip” tirou fotos e deu autógrafos aos fãs!

O Show de Luan Santana
O legal de abrir um show para um artista nacional é o aprendizado. Luan Santana deve ter um dos melhores shows atuais do país. Os músicos são fantásticos, as back vocals lindas, a iluminação perfeita e várias coisas pirotécnicas (como fogo, canhão de alumínio, chuva de bolas de sabão, chuva de papel picado e muita luz) ele agitou bastante a galera e a tratava super bem.

Conclusão
Para a dupla que está correndo a 7 anos para ser reconhecida nacionalmente, foi um passo importante, pois não é todo mundo que consegue abrir o show desse astro nacional. Vou encerrar a postagem mostrando a você a emocionante regravação de “faz um Milagre em Mim”

Abraços!

Como está a dinâmica do seu som?

2011-02-11T03:30:00.000-08:00

Salve! Continuando a falar sobre o assunto “dinâmica vs volume”, você sabe como está a dinâmica do seu som? Para saber basta baixar gratuitamente o plugin e o stand alone oferecido pelo site Pleasurizemusic.
Esse teste não vai dizer se sua música está boa ou não (porque isso depende de vários fatores) e sim vai lhe dar pistas para onde está andando sua gravação, mixagem e masterização. Veja algumas músicas que analisei com o plugin DR e seus resultados. Veja AQUI a qualidade da música analisada (clique no nome da música para escutar a mesma)

Garota Radical (Banda Cine)
Ano:2009
Estilo:Emocore
Dynamic Range (freqüências audíveis): 6
Peaks (picos): over
RMS (volume): - 8 db

According to you (Orianthi)
Estilo: Hard Rock
Ano:2009
Dynamic Range (freqüências audíveis): 5
Peaks (picos): over
RMS (volume): -7 db

Bizarre Triangle Love Remix 94 (New Order )
Estilo: Synth Pop
Ano:1994
Dynamic Range (freqüências audíveis): 6
Peaks (picos): over
RMS (volume): - 7

Money For Nothing (Dire Straits)
Estilo:Rock
Ano: 1985
Dynamic Range (freqüências audíveis): 12
Peaks (picos): over
RMS (volume): - 14

Californication (Red Hot Chilli Peppers)
Estilo: Rock
Ano:2000
Dynamic Range (freqüências audíveis): 4
Peaks (picos): over
RMS (volume): - 5 db

Shimbalaê (Maria Gadú)
Estilo: MPB
Ano:2010
Dynamic Range (freqüências audíveis): 8
Peaks (picos): Over
RMS (volume): - 10 dB

Larga de bobeira (Michel Telo)
Estilo: Sertanejo
Ano:2010
Dynamic Range (freqüências audíveis): 6
Peaks (picos): over
RMS (volume): - 6 dB

Tô de cara (Luan Santana)
Estilo:Sertanejo
Ano: 2010
Dynamic Range (freqüências audíveis): 9
Peaks (picos): - 1
RMS (volume): - 11 db

Bônus

Toda vez que te vejo (Automusic)
Estilo: Synth Pop
Ano:2010
Dynamic Range (freqüências audíveis): 7
Peaks (picos): over
RMS (volume): - 7

Vontade de amar (Rafael o KH)
Estilo: Pop Rock
Ano:2006
Dynamic Range (freqüências audíveis): 7
Peaks (picos): - 1
RMS (volume): - 8 db

Boas Gravações!!!

Pelo fim da guerra dos volumes

2011-02-09T09:33:00.000-08:00

Salve!!! Hoje convido a você fazer parte de um site muito importante chamado pleasurizemusic que traduzido ao pé da letra significa “música com prazer”. O cadastro é grátis, rápido e cheio de curiosidades, porém está em inglês (mas nada que o tradutor do Google não dê um jeito)
Por que se cadastrar?
É um site que reúne músicos, produtores, artistas e engenheiros de show em busca de algo em comum: o fim do som alto nas gravações. A figura abaixo explica melhor isso:

Note que a primeira música está em ordem, tem dinâmica porém a segunda música está totalmente achatada. Não nós referimos a qualidade de som, e sim ao volume da música em RMS. Antigamente as gravações podiam ir de 1 a 10 em seu controle de volume e a dinâmica do som continuava a mesma (você ouvia tudo com clareza). Hoje você tem um som alto com o volume 5 (aqui ainda há dinâmica) e agora no volume 10 se torna “ensudessedor”. Não entendeu ainda? Olhe esse gráfico:

Perceba que nos últimos anos, há uma “preocupação” somente em deixar o som alto e não dinâmico. O que acontece? Para fazer um som alto, precisamos fazer um acréscimo nas freqüências de 1 kHz – 4 kHz (médios e médios agudos) e assim o que irá acontecer com nosso ouvinte será “fadiga” de seus ouvidos em volumes altos.
Uma das vantagens de ser um membro é que eles possuem “plugins” que podem ser baixados gratuitamente que controlam a nossa dinâmica.

Dinâmica vs Volume
Sem entrar muito no assunto, a uma grande diferença entre dinâmica e volume. Respeitar a dinâmica é a gente escutar uma música bem gravada, mixada com cada coisa no seu lugar e masterizada sem “destruir” os processos anteriores e ainda se manter “igual” em qualquer volume. Quando se respeita somente o volume, o processo de gravação pode ser correto, o de mixagem também, mas masterização só respeita o volume. Ou seja: comprimir tudo, dar ganho em freqüências que nos fadigam, achar um meio de soar alto (nem que seja clonar os canais e deixar tudo num grande mono).

Esse vídeo já mostrado aqui mostra a evolução dessa guerra:

Quem vai ser o primeiro?
Uma das perguntas que me faço: há como respeitar a dinâmica e o volume ao mesmo tempo? Esse possivelmente será um desafio para músicos, produtores e engenheiro de som para que a música atual seja agradável. Leia Aqui um série de postagens do Produtor Dennis Zasnicoff sobre a “Guerra dos Volumes”

Abraços!

Gravação: preparando para gravar

2011-02-07T04:45:00.000-08:00

Pra começar a semana, vamos falar sobre a checagem da parte mais importante da música: a gravação. O que vou falar pode até parecer simples para um monte de gente, desde iniciantes a profissionais, porém em várias gravações é só colocar um brick wall entre 50 – 80 Hz, para ouvir “um monte de ruídos conjuntos” que possivelmente vão aparecer em 10 – 16 kHz depois em uma masterização. E de onde vem esse ruídos? É o que vamos abordar hoje nessa postagem.

1.Fonte de ruídos
Ruídos podem vir de vários lugares: o microfone do bumbo que está pegando o “click” do pedal, a guitarra que está mal aterrada e o músico ainda acrescenta “distorção” na mesma, o amplificador do baixo que está com algum transistor queimado, o ambiente mal isolado ou isolado demais, o vocalista que inventou de gravar com o microfone em punho, a tecladista que deixou as unhas comprimidas demais e agora toda as notas saem “pianíssimo”, o computador da gravação que não está aterrado, o horário (uso excessivo de coisas ligadas), a mesa de som que está com “knobs” velhos demais (o fósforo dentro deles está gasto e qualquer “fade” faz ruído e pode acontecer com todos os equipamentos), violão que está trastejando, e mais um monte de fatores. Porém de todos eles o maior causador de ruídos são os cabos. Quando um cabo de som está com defeito, é impossível fazer alguma coisa (muitas vezes locais mal aterrados podem se salvar usando corretamente o noise gate) pois o problema está na origem do som. A maioria das gravações são “vítimas” desse mal. Pra quem grava em casa não é problema (pois podemos pensar como solucionar com calma) mas imagine alguém que tem estúdio e acontece isso? Pode causar um “desconforto” para o cliente. É por isso que mesmo quem grava em casa é sempre bom ter cabos duplicados pra tudo. Sempre é bom revisar todos os cabos, pelo menos a cada 3 meses.

2. Som branco
Vocâ já deve ter falado em “som branco” (white noise) e “som rosa” (pink noise) e qual a diferença entre os dois? Nenhuma. Os dois significam um “ganho de amplitude” indetectável para o ouvido humano (somente osciladores e plugins analyser enxergamos os mesmos). Na prática, toda vez que gravamos uma pista, e acrescentamos outra para continuar gravando, geramos um som branco. (ou seja o acréscimo de pistas: bateria, baixo, guitarra, teclado, voz) e dependendo como está a qualidade da gravação ele amplia para um som positivo (tudo nos seus lugares sem ruído) ou negativo (gravação com ruídos). Você não perceberá na hora, mas quando finalizar o seu CD será toda a diferença entre ele ficar “transparente” ou “abafado”.

3.Ambiente
Durante muito tempo, engenheiros de som defendiam ambientes abertos. Depois mudaram para defesa de ambiente fechados e agora, todos chegaram num consenso:
O ambiente pode inferir em gravações de microfone (por exemplo adicionar um reverb extra) porém quando temos ruídos nas gravações o maior fator é o ambiente externo. Eu não lembro qual o artista, mas eu sei que eu estava ouvindo um CD dele e numa determinada música você escuta um “vrumm” numa parte que só toca o baixo e a bateria. Fui pesquisar na internet e li um artigo que no estúdio onde eles gravaram fica do lado de uma highway (alto estrada) e possivelmente esse era o ruído de algum carro ou caminhão. Possivelmente não mexeram porque o ruído casou com a música (veja isso melhor no item 6).

4.Noise Gate
Sem duvida, uma das maiores invenções de estúdio. O popular NS ou Gate faz com que o ruído do instrumento seja “neutralizado” quando o mesmo está em repouso. A maneira mais simples de detectar se um cabo está corrompido ou se sua energia está com problemas é usar um gate fazendo o seguinte. O gate padrão é - 32 “threshold” e uns 10 de “decay”. Se você continuar ouvido ruídos em repouso vá aumentando de 5 e 5 (39, 25, 20) o “threshold” . Se chegar em – 10 dB e há ainda algum “ruído” você pode ter a certeza que algo está errado no cabeamento, energia ou instrumento.

5.Ajuda do equalizador
Você já deve ter visto em plugins de equalizador paramétrico um “preset” chamado “cut hum in 50 - 60 Hz” mas você sabe o por quê? Pois aqui está a maioria dos ruídos elétricos da música. Cortando aqui, você tem a garantia que ruídos elétricos não apareçam no master depois entre 10 – 16 kHz. Porém assim como o “autotune” o equalizador e o noise gate servem para resolver coisas “leves” e não pesadas”!

6.Horários
Você já notou que em entrevistas os músicos famosos sempre falam em gravar mais na parte da noite depois das 22:00, madrugada ou ainda em períodos pela manhã das 04:00 às 09:00? Coincidência? Será por que todos são madrugadores de tanto fazer show? Na verdade que determina isso é o produtor por um simples motivo. Nesses horários as pessoas estão dormindo ou acordando, e assim além do barulho externo não existir as quase não há uso de aparelhos eletrônicos que podem poluir com ruídos elétricos (o chamado tráfego de eletricidade). Faça um teste: tente gravar das 10:00 às 14:00 e das 18:00 às 20:00 para você ver como a rede elétrica por mais filtrada que seja sempre fica com ruídos.

7.Equipamentos problemáticos, coloração diferencial
Em muitos casos aparelhos e cabos problemáticos podem se tornar um “tempero” na música. Quando Robby Kriegger do The Doors fez a introdução da música the “end” aquele efeito demoníaco do início (que lembra um ventilador) na mais é o mesmo tocando numa guitarra com os captadores com fase invertida. Em algum ponto da gravação houve um acidente com uma das guitarras (provavelmente caiu no chão) e o captador ficou fora de fase. Ele achou interessante o barulho que a guitarra fazia e decidiu gravar. Tom Morello disse em que muitos efeitos de percussão usado no Rage Against Machine o seu preferido é pegar um cabo, bater na ponta do plug e controlar o ruído que ele emana com um wah ou whammy. Por isso muitas vezes, aquele “ruído” ou barulho que pode ser uma sujeira, também pode ser uma cartada, quando colocada em outro local.

Boa semana!!!

5 Músicas indepedentes

2011-02-04T04:20:00.000-08:00

Para essa postagem de fim de semana, vou postar 5 músicas feitas por amigos meus e por músicos que analiso mensalmente suas gravações! Confira você mesmo! Veja como esse país está cheio de talentos!!!

Ótimo fim de semana!!!!!

5. Crashed - Celso Ferreira

4.Nação Nesta - Madeira

3. Viktor V. - Ficando Rouco

2. Samuel e Greice – Aquele que sou eu

1.Rafael O KH – Toda vez que vejo

Entrevista Joe Chiccarelli

2011-02-02T04:43:00.001-08:00

Traduzido do livro "The Enginners Handbook Manual" Um dos maiores engenheiros de som e produtor Joe Chiccarelli dá suas dicas!
Esse "mestre" já trabalhou com: Tori Amos, Etta James, Beck, U2, Oing Boingo, Shawn Colvin, Frank Zappa, Bob Seger, Brian Setzer, Hole.

Quanto tempo você demora para mixar uma música?
Depende muito do material, a quantidade de pistas e o arrajamento. Eu tento trabalhar rápido. Eu acho que com trabalhos demorados você pode perder o foco, se atolar e ainda deixar de lado pequenos detalhes. Você perde o sentindo da música, o que ela representa e sua alma, por isso gosto de mixar em apenas 8 horas. Em três horas pego a gravação, seus sons básicos e seu sentimento. Em seis horas eu tenho todos os balanços e começo a finalizar o som. Após isso chamo o artista para ouvir comigo o resultado sempre com opção de voltar no outro dia. Quando eles voltam tentamos chegar num consenso comum e obvio que você verá pequenas coisas que andam passando despercebidas, porque após ficar o dia todo trabalhando com isso seus ouvidos ficam cansados eu começo a colocar volumes muito altos ou exagero no echo.

De onde você parte para mixar?
Eu não tenho sistema pois sempre trabalho diferente a cada música pois o que importa é achar como colocar a canção no centro ou fazer com que ela pegue. As vezes começo pela seção rítmica, as vezes construo tudo em torno do vocal. Gosto de primeiros começar pelos Faders deixando tudo no mesmo volume e deixar todo balanço em “flat” para ouvir como é a canção pra depois começar a trabalhar.

Quando você está mixando você varia de canção para canção ou prefere deixar tudo no mesmo padrão?
Eu procuro variar de canção para canção, porém deixando o mesmo tratamento de reverb e o mesmo tratamento para as baterias. Eu tento deixar o mesmo nível de consciência porém tratando uma canção diferente da outra. Pessoalmente gosto de gravar os takes em 10 ou 12 lugares diferentes.

Você acrescenta efeitos na mixagem?
Eu começo sem e quando vejo que o som está muito “sem sal” vou acrescentando aos pouco para dar personalidade.

Você tem um setup de efeitos próprio?
Regularmente gosto de usar um AMS Hamonizer usando um lado com “pitch up” e o outro lado com um “pitch down” bem leve. Em algumas músicas trabalho sem reverb porém outras coloco em tudo. Meus reverbs saem de processadores Sansamps ou de equipamentos como o Roland Space Echo ou até de pedais. Eu acho que há muitos mais personalidades em “high end” feitos usando pedais de efeitos.

Você tem problemas com barulhos e ruídos?
Claro, mas temos que se adaptar a isso. De vez em quando um ruído pode dar personalidade ao som, pedais baratos tem esse problema. Tenho comigo alguns pedais que me dão uma coloração bem diferente do que as coisas digitais trazendo brilho a pista. O novo pedal da Sony VP55 está com presets muito bons. Eu gosto disso porque esse fica som irá ficar “denso” ao contrário das gravações digitais caseiras que possuem muito brilho de coisas digitais. Gosto muito de um EMT real ou de Câmara real. Para mim um bom reverb análogo ou echo análogo é mais fácil de ajustar do que fazer 4 ou 5 canais digitais virarem um só.

Quando você usa usa uma câmara ou um ambiente real tipo plate (redondo) você coloca também um pré delay?
Eu uso muito um DDL (digital delay) para isso. Muitas vezes faço dois delays separados virarem um. Eu uso isso muito em vocais para colocar eles no ambiente inicialmente com eco, pois separadamente esses sons ficarás grandes.

Como você começa a equalizar?
Depende muito do projeto em particular. Isso depende como foi gravado o material e quanto será necessário trabalhar em cima dele. Bob Clearmountain é um dos gênios que sabem onde “mexer” e “não mexer” pois é o segredo: saber onde aumentar/diminuir e saber onde não fazer nada, deixar tudo como está. Eu tento seguir isso mas confesso que não tenho medo em aumentar +10 dB se for necessário. Uma coisa que uso bastante é o “Spectrum analyzer” (analisador de espectro) que mostar como está o estéreo, o “high end” (final acima de 20 kHz), “bottom end” (freqüências entre o grave e o grave médio 50 – 120 Hz) e “low end” (final abaixo de 20 Hz) além de separadamente ver na voz onde tem mais “sss” e “sibilance”. Eu sei que em muitas gravações com analisador posso ver quais as freqüências estão corretas, com falta ou com excesso demais.

Você procura um tipo de “curva” ou algo que pareça legal?
Procuro balanços entre as oitava nas freqüências médias. O que está demais em 30 Hz pode não estar tão poderoso em 50 – 80 Hz. Quando gravamos em muitos estúdios um problema de “controle de áreas” devido há algumas aparelhagens usadas que podem afetar as freqüências próximas aos médios graves. Por isso sempre cuido isso.

Como você faz o panning (posicionamento dos pans)
Uma das coisas que eu faço é deixar tudo bem posicionado e depois ir movendo os pans em volta dessa posição. Por exemplo, se eu deixar um som perto de 3:00 (25 pan) para ajustar isso bem vou fazendo pequenos movimentos sempre buscando deixar os sons claros. Equalizar alguma coisa sem posicionar o pan pode causar conflitos com outros instrumentos, sempre procuro fazer com que eles soem juntos.

Como você chega a uma compressão ideal?
Compressão é como uma droga que você não consegue largar. Num dia tudo soa muito bem, mas no outro você perceber que tudo está demais. Porém eu tento sempre deixar o compressor num “buss” em estéreo. Muitas vezes o baixo e o bumbo ficam melhores soando juntos ou ainda quando gravados ao mesmo tempo. Procuro colocar eles juntos no mesmo compressor, saindo em pouca quantidade e indo misturando para que o som se torne grande no seu interior. Isso ajuda a tirar os mesmo do caminho do vocal.

Você usa mais reverb ou delay?
Depende do projeto. No pop uso reverb, no rock reverb com algum delay. Tento evitar usar muitos efeitos. Procuro outros caminhos para colocar reverb nos instrumentos e muitas vezes faço 2 pistas mono sendo que um coloco reverb e outra não. Prefiro usar o reverb em mono porque evita conflitos de EQ.

Masterização e guerra dos volumes

2011-01-31T09:31:00.000-08:00

Todos que me mandam músicas para analisar podem notar que no “relatório” da análise eu coloco “Volume de Música Comercial” e comparo com o volume da música analisada. Porém o que é isso? Isso nada mais é que pegar uma música comercial no estilo da música que estou analisando e fazer minhas comparações em relação ao volume. Nisso englobo tudo: volume e pan dos instrumentos, volume da mixagem e volume da masterização ou seja, colocar a música que analiso e comparar com uma música comercial e ouvir ambas lado a lado.
Dificilmente qualquer um sem saber o que dá para fazer com seu equipamento (conhecer o mesmo muito bem) pode chegar a um volume comercial e muitos ainda não tem o equipamento corretamente pra isso. Só o tempo e conhecimento pode trazer isso, mas com certeza a vida de quem grava em casa ou tem um pequeno estúdio seria muito simples hoje em se não fosse a “guerra dos volumes”. Lembra dela? Comentei AQUI
Pra mim essa bagunça começou quando a gravação digital começou a chegar nas casas e monte de gente precisava salvar seu emprego e encontrou na opção de “achatar tudo e deixar alto” uma maneira de ser destacar no mercado e além disso tiveram a nossa “preguiça” como aliada (de se levantar da cadeira para aumentar o volume ou ainda, de ter muito mais volume sem precisar colocar “mais módulos e mais amplificadores”) e isso tudo pode ser um problema de saúde no futuro. Esses dados da pleasurizemusic (um site que luta pela dinâmica do som e contra o volume) mostram como a música ao passar dos anos foi ficando cada vez mais alta e distorcida:

1983
Pico (peak): - 4
Threshold (limite): - 3 dB
Dynamic Range (freqüências audíveis): 14 dB

1993
Pico (peak): - 3 (ou mais)
Threshold (limite): - 4 dB
Dynamic Range (freqüências audíveis): 12 dB

1998
Pico (peak): - 1.2
Threshold (limite): - 5 dB
Dynamic Range (freqüências audíveis): 9 dB

2003
Pico (peak): 0.2
Threshold (limite): - 6 dB
Dynamic Range (freqüências audíveis):6 dB

2008
Pico (peak): + 1.2
Threshold (limite): - 8 dB (ou mais)
Dynamic Range (freqüências audíveis):4 dB

Como você pode ver o som estar mais alto, porém está mais inaudível. Isso talvez seria um dos motivos porque muita gente está voltando a escutar músicas mais antigas e deixando as novas só para fazer “agito”. Aumentar uma música dá certo? Será que tudo que eles fazem está errado? Bom, pra isso vou dar um exemplo com duas músicas minhas:

1. Por quê? É uma música de Diego Boni, gravada pela minha Banda PI (2004) e foi produzida pelo nosso baterista que foi quem gravou, mixou e masterizou. Ouça:

Na época o equipamento que ele usou foi: Um Audigy 1.2, Um mic Behringer B-1, amplificadores de reforço de sinal, simulador de guitarra Guitar Rig 2, DAW (programa) Sonar, Sound Forge e bateria foi escrita em MIDI e depois colocado o VSTi Native Baterry 1.0. Não sei como foi o processo de mixagem e masterização (ele não nos falou). Note que apesar ela não estar num volume de “música comercial atual” ela está bem limpa, bem aparada, com um master eficiente e que tudo isso foi feito com um equipamento relativamente simples.

Bom, agora ouça uma música minha chamada “Vida Normal” gravada ano passado.

Ela foi gravada com tudo que tenho em casa que é uma placa de som M- Áudio, Vários VSTi, plugins, guitarra, voz, etc... Porém note que apesar de ela estar “alta” como uma música comercial, relativamente está “sem dinâmica”. Eu ia deletar ela pois estão remixando a mesma, porém decidir deixar para o pessoal ver o que acontece quando um música soa “alta e sem dinâmica”.

Existe sim uma maneira de fazer a música soar “alta e dinâmica” como eu fiz com essa minha música “Vontade de Amar”:

Aqui você pode ver . como eu gravei ela
Bom, ela foi gravada com equipamento bem mais simples que essas duas músicas e como soou tão alto? Pelo simples motivo: tentativa e erro. Em mixagem as melhores sempre são mais resultados de “erros do que de acertos”. Nunca se esqueça que uma música tem seguir esses quesitos:

40% O músico que grava
30% O equipamento usado
20% A mixagem
10% Masterização e detalhes finais

Claro, aqui não detalhei a criação, direção e produção. Por tanto, fazer uma música soar depende de paciência, erro e acerto nas primeiras vezes até pegar o jeito.

Uma dica
Você pode usar a função “release” e “attack” de uma maneira bem simples e organizada.
Por exemplo:

1)Coloque num buss aux um plugin de limiter ou compressor.
2) Faça as seguintes parâmetros: threshold – 10 dB, release 100 ms, attack 20. Com isso você vai ver que as pistas desse buss estarão “explodindo” em seu falante.
3) No master coloque o mesmo plugin ou procure diferenciar o mesmo (por exemplo, se você colocar um compressor no buss, coloque um limiter no master).
4) Faça as seguintes parâmetros: threshold – 4 dB, release 1000 ms, attack 50.
5)Se você fizer certo, vai notar que no “meter” do master a música vai pulsar.
6) Faça um arquivo somente do aux e outro com o aux e o master juntos.
7) Você verá que o arquivo está achatado, enquanto o do master, estará mais dinâmico.

Esse bom caminho para seus testes!!!

Abraços!!!

Teste de plugin Mellowmuse Mellowhead 2.1

2011-01-28T08:04:00.000-08:00

Hoje vou falar de um VST para guitarra/violão muito bom! Ocasionalmente, comprei um periférico novo para meu computador e junto venho uma versão standard desse plugin que achei muito bom! Estou usando o mesmo na gravação de uma música com resultados realmente animadores! Para quem está acostumado aos exageros de consumo do Guitar Rig 4, Amplitube 3, Waves Guitar 3 e Overloud TH2 pode se surpreender com resultados desse plugin! Ele não tem a “bela visualização” que esse plugins possuem, e isso é um dos fatores que o tornam rápido. O consumo é tão baixo que até com uma simulação “pesada” a CPU não sai dos 15%.

Visiualização do plugin (clique para ampliar)

Préamp: aqui você especifica que tipo de amplificador irá usar. Procurei na internet para saber quais os modelos de amplificadores ele faz, porém até no site oficial do fabricante não achei informações sobre isso, por isso ouvindo deduzido que as simulações que ele faz são:

American clean – Fender (provalvemente o Twin)
British clean – Vox 30 ou 15
Vintage clean - Fender Reverb Deluxe ou Roland Jazz Chorus
British crunch - Mashall JCM 800 ou VOX AC- 30
Blues crunch - Fender Blackface
Classic Gain – Marshall Plexi
Modern hi - Mesa Boogie
Custom plexi – Marshall JCM 900/JMP (ou similar)
Dual high gain - Soldano
Retificer - Mesa Boggie Retificer

Cabinet
Aqui temos as simulações de Cabinet. As opções que temos são: 1x8 (cubo), 2x12 (caixa estilo AC Vox, Cubo Fender e Roland Jazz Chorus), 4x10 (Fender Black Face), 4x12 (Marshall, Mesa Boggie, Soldano) a maioria com microfones SM57 e AKG. Porém o mais interessante é os impulses que podemos acrescentar neles. Por exemplo, usando os impulses da coleção
Recabinet podemos ficar gastando horas projetando nosso som. A vantagem dele sobre plugins como o Revalver 3 e Amp Pro que possuem esse mesmo tipo de função é que o Mellow Head “não trava seu sistema” ao carregar esse impulsos.

Bypass – deixa passar som direto do instrumento.

Volume – controle de volume master e gain.

Equalisation – controle de low (grave), middle (médios), high (agudos) e presence (acrescenta médios agudos) .

Reverb – reverb tipo mola.

On/off - desliga o plugin

Pedais
Tremolo – pedal de tremolo tipo Boss TTR2
Delay – delay analógico tipo Maxon AD999 pro
Chorus – chorus analógico tipo Boss CH2
Phaser – phaser analógico tipo MXR Phase 90
Tone Boost – empurra o volume e mais as freqüências médios agudos, tipo o clássico Ring Master.

Input – volume de entrada do instrumento no plugin
Threshold - limite do noise gate.
Release – tempo de ação do noise gate.
Output – saída de volume do plugin.

In / Out – monitoração de volume
Dica: se houver muito ruído, aumente ou output e diminua o input. Válido para todos os plugins de guitarra.

Tuner – afinador simples (não é digital)

Prós
Baixa latência e uso de CPU (mesmo em computadores antigos)
Ótimas simulações.
Pedais com comandos simples e fácil de chegar ao som que procura em poucos ajustes.
Simulações de gabinete trabalham por “impulse” (AIFF e WAV) e em tempo real

Contras
Sem nenhum pedal de distorção
Pra usar “stand alone” você precisa de um VST Host (tipo bidule ou cantabile)
Noise gate muito confuso, precisa de um outro plugin para melhor eficiência
Muito ruído de entrada (resolve-se diminuindo o botão input)

Informações sobre o plugin e versão Demo no site Mellowmuse

Bom fim de semana!
Ótimas gravações!